En el corazón de Yucatán, a pocos minutos del centro de Valladolid, se encuentra Oriundo Luxury Nature Villas, un lugar exclusivo donde la hospitalidad de lujo se une con la naturaleza. Diseñado para personas que buscan privacidad, tranquilidad y experiencias memorables.
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Villas privadas: diseño artesanal y exclusividad absoluta
Cada villa de Oriundo es única en su categoría. Con 186 m² de amplitud, alberca y jacuzzi privados elaborados en chukum, un acabado ancestral maya que mantiene la temperatura templada del agua, cada espacio se encuentra rodeado de plantas nativas que reflejan intimidad y un ambiente orgánico.
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El diseño combina elegancia minimalista con materiales locales como cantera maya, piedra y maderas nobles, creando un equilibrio perfecto entre sofisticación y respeto por el entorno. Las terrazas abiertas, regaderas tipo lluvia y detalles artesanales elaborados por manos yucatecas invitan a la calma y a reconectar.
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Amenidades que celebran la esencia de Yucatán
En Oriundo, cada detalle está pensado para exaltar la riqueza cultural y natural de la región:
Experiencia de Café: cada mañana, los huéspedes reciben una charola de madera con café recién molido, a elegir entre granos de Chiapas, Veracruz o Nayarit, acompañado de pan dulce de masa madre, servido en la intimidad de su terraza.
Productos artesanales: jabones elaborados con miel local mediante saponificación tradicional, aceites esenciales hipoalergénicos a base de frutos regionales y amenities creadas de forma sostenible.
Gastronomía consciente en Mestizo Misterio Culinario
El restaurante Mestizo Misterio Culinario representa el alma culinaria de Oriundo. Su propuesta se inspira en la tradición yucateca, reinterpretada con creatividad contemporánea. Con ingredientes frescos y de temporada, muchos cultivados en el huerto propio, cada platillo honra la identidad de la región con una visión innovadora.
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Desde un Sak K’óol (salsa maya) hasta presentaciones adornadas con flores comestibles y brotes locales, cada comida es un viaje de sabores que conecta lo ancestral con lo moderno.
Experiencias únicas: entre el misticismo y la intimidad
En Oriundo, cada huésped escribe su propia historia. El hotel organiza cenas privadas a la luz de las velas, picnics en medio de la selva y rituales de bienestar en contacto directo con la naturaleza.
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Uno de los momentos más memorables es la posibilidad de celebrar una boda maya: una ceremonia simbólica dirigida por un ah kin (sacerdote) que incluye ofrendas florales, rezos en lengua maya a los cuatro puntos cardinales, el compartir de Xtabentún en jícaras y rituales en el cenote con flores y agua sagrada. Una experiencia transformadora que honra la unión con la naturaleza y la cultura milenaria de Yucatán.
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Ubicación privilegiada
Su localización estratégica permite explorar lo mejor de la península sin sacrificar privacidad. A tan solo 25 minutos de Chichén Itzá, y a menos de 2 horas de Mérida y Cancún, Oriundo se convierte en el punto de partida perfecto para descubrir Yucatán, regresando siempre a la calma de un espacio íntimo y exclusivo.
Después de cada excursión, los huéspedes regresan al confort íntimo de su villa privada.
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Más que un hospedaje, una reconexión
Oriundo Luxury Nature es una experiencia diseñada para el descanso, introspección y celebración cultural. Cada elemento, desde la arquitectura hasta el servicio personalizado del equipo, está pensado para ofrecer un bienestar integral.
D. Carretera Libre Mérida – Valladolid KM. 3.5 Entronque a, Dzitnup, 97780 Valladolid, Yuc.
En el corazón de Polanco, uno de los barrios más sofisticados concurridos de la Ciudad de México, se encuentra Casa Polanco, un hotel boutique que ha sabido conquistar tanto a viajeros internacionales como a locales que buscan una experiencia de hospitalidad diferente. Situada en una mansión neocolonial de los años 40 restaurada con maestría, la propiedad combina el encanto clásico de la arquitectura mexicana con un diseño contemporáneo lleno de luz y calidez.
IG: @casa_polancoIG: @casa_polanco
Con tan solo 19 habitaciones y suites, cada una diseñada de manera única, Casa Polanco ofrece a sus huéspedes la privacidad y el confort de una residencia exclusiva, pero con las comodidades de un hotel de lujo cinco estrellas. Sus espacios sociales, que incluyen una elegante biblioteca, terrazas bañadas por la luz natural y áreas comunes rodeadas de serenidad, están pensados para fomentar un ambiente íntimo y acogedor.
Reconocimientos internacionales
A pesar de su reciente apertura, Casa Polanco ya ha sido reconocido como uno de los mejores hoteles boutique de México y Latinoamérica. Su propuesta ha captado la atención de medios internacionales de viajes y estilo de vida, que destacan su servicio personalizado, su atmósfera tranquila y su impecable diseño.
En 2024, Casa Polanco fue incluido en la prestigiosa lista de Condé Nast Traveler Hot List, que reúne a los hoteles más excepcionales del mundo. Asimismo, ha sido recomendado en Travel + Leisure como una de las opciones imperdibles para hospedarse en la capital mexicana. Estos reconocimientos no solo avalan su calidad, sino que lo posicionan como un referente en el sector de hospitalidad de lujo en la ciudad.
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Experiencia residencial con alma de hotel
Lo que distingue a Casa Polanco es su concepto de hospitalidad residencial. Aquí, los huéspedes se sienten como en casa, pero con el nivel de atención al detalle que solo un hotel boutique puede brindar. Desde el check-in en un ambiente relajado hasta el desayuno preparado con ingredientes frescos y locales, cada momento está pensado para hacer de la estancia una experiencia memorable.
Las suites más amplias cuentan con balcones privados y vistas a la vegetación de Polanco, mientras que los espacios comunes transmiten una sensación de calma que contrasta con la energía cosmopolita de la CDMX.
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Hospedarse en Casa Polanco es mucho más que encontrar un lugar donde dormir: es sumergirse en una experiencia que equilibra el lujo contemporáneo con la historia de una residencia emblemática. La ubicación es otro de sus grandes atractivos, ya que se encuentra a pasos de los mejores restaurantes, boutiques, museos y galerías de la zona, convirtiéndose en el punto de partida perfecto para explorar la capital.
Para quienes buscan un espacio íntimo, elegante y con un servicio de clase mundial, Casa Polanco se presenta como una opción inigualable. ¡No es un hotel; es un destino en sí mismo! Descubre la esencia de la hospitalidad boutique y déjate cautivar por el encanto único de Casa Polanco.
En el universo wellness, la hidratación dejó de ser un hábito básico para convertirse en un ritual. Hoy existen suplementos que acompañan nuestras rutinas de ejercicio, y que se integran con naturalidad a nuestro estilo de vida. Uno de ellos es Liquid I.V. ZERO, un hidratante en polvo que propone la nueva forma de recuperar electrolitos y vitaminas.
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A continuación, diez datos que quizá no sabías sobre esta fórmula:
1. Hidratación acelerada
Cada sobre está diseñado con LIV Hydrascience, una tecnología que optimiza la absorción de agua y electrolitos para hidratar más rápido que una bebida convencional.
2. Sabor que sorprende
El lanzamiento llega con un perfil de durazno exuberante, con notas de pera y piña. Una propuesta que se aleja de lo clínico y se acerca a lo sensorial.
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3. Menos azúcares, mismas ventajas
Su fórmula es reducida en azúcares y baja en calorías, lo que lo convierte en un aliado que respeta tanto el cuerpo como los nuevos códigos del wellness.
4. Vitaminas esenciales en cada stick
Además de electrolitos, contiene cinco vitaminas clave: B3, B5, B6, B12 y C, que apoyan desde la energía celular hasta la fortaleza inmunológica.
5. Aminoácidos inteligentes
Incluye L-glutamina y L-alanina, dos aminoácidos que potencian la absorción de agua y de electrolitos, asegurando que el cuerpo aproveche cada sorbo.
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6. La ciencia detrás del sodio
El sodio, a menudo malinterpretado, es en realidad un protagonista: en la fórmula de Liquid I.V. ZERO, se combina en niveles óptimos con otros minerales para favorecer la rápida hidratación.
7. Edulcorante de nueva generación
Utiliza alulosa, un endulzante natural presente en pasas, higos y jarabe de arce, que aporta dulzor sin elevar la glucosa en sangre.
8. Diseñado para acompañar cada escenario
Ya sea en el gimnasio o en un viaje largo, su formato en sobres lo hace fácil de transportar y preparar: solo se necesita agua y un termo transparente.
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9. Confiabilidad regulada
Los sellos en el empaque cumplen con las Normas Oficiales Mexicanas para bebidas no alcohólicas. Su función es informar, no restar valor a la fórmula.
10. Próxima llegada a México
Liquid I.V. ZERO estará disponible a partir de mayo de 2025 en presentaciones de 30 y 14 sobres, con precios de $569 y $413 pesos, respectivamente. Con este lanzamiento, Liquid I.V. apuesta por una hidratación más consciente, funcional y alineada con las exigencias de un consumidor que busca ciencia, sabor y practicidad en un mismo ritual.
El nuevo Audi A5 Sedán ya se encuentra disponible en el mercado mexicano, mostrando un diseño atlético, con mayores dimensiones exteriores y espacio interior. Cuenta con una atmósfera digital que equilibra tecnología, estética y sostenibilidad.
Sofisticación que se nota desde lejos
Su silueta es pura sofisticación: líneas alargadas, postura deportiva y detalles que hablan de precisión. El frente está dominado por el Singleframe, ancho y de proporciones significativamente más planas, con una estructura tridimensional de panal. Junto con los faros Matrix LED estilizados y de trazo preciso, moldea la cara del vehículo y le confiere una expresión llamativa y centrada. Detrás, una franja de luz OLED digital (equipamiento opcional) ofrece firmas lumínicas personalizables, un detalle que combina diseño con seguridad.
Un interior que parece otro mundo
Entrar al nuevo Audi A5 Sedán es descubrir un espacio pensado para el futuro. El tablero se convierte en un escenario digital gracias a su pantalla independiente Audi MMI panoramic display con diseño curvado y tecnología OLED que rodea al conductor con información y entretenimiento intuitivo. Adicionalmente, el acompañante cuenta con una pantalla opcional MMI passenger display de 10.9 pulgadas, que también está perfectamente integrada en el diseño del tablero.
Potencia que emociona
Audi A5 Sedán ofrece dos versiones de motor para distintos estilos de vida: una con 199 hp pensada para el día a día, y otra con 272 hp y tracción quattro ultra, lista para despertar la adrenalina y alcanzar de 0 a 100 km/h en 6.1 segundos. Esa misma tecnología quattro reparte la fuerza en cada rueda de manera inteligente, asegurando control y confianza en cualquier camino.
Conducir sin preocupaciones
Deja que los sistemas de asistencia del nuevo Audi A5 Sedán te ayuden en la conducción y el aparcamiento. Destacan el asistente de crucero adaptativo plus y las cámaras de visión periférica. El paquete de asistencia, sistemas de protección y advertencia plus con protección activa de los ocupantes, hacen que disfrutes con tranquilidad de cada trayecto.
El lujo de mirar hacia adelante
El Audi A5 Sedán 2025 no es simplemente un nuevo modelo: es una declaración de estilo que une diseño, tecnología y potencia en un mismo lenguaje. Un auto que no solo te lleva a tu destino, sino que transforma la manera en que vives el camino.
A tan solo 15 minutos de Santa Fe, en medio de un entorno natural cuidadosamente preservado, emerge una nueva forma de habitar: elegante y en profunda conexión con la naturaleza. Se trata de Reserva Santa Fe, un desarrollo residencial único en México que transforma la manera en la que concebimos el lujo, al fusionar diseño, bienestar y regeneración ambiental.
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Este oasis urbano redefine el concepto de exclusividad, aquí, el lujo no se mide solo por la arquitectura, sino por el equilibrio entre comunidad, salud y naturaleza. Vivir en Reserva Santa Fe es experimentar el futuro del estilo de vida, sofisticado, consciente y conectado con su entorno.
Arquitectura que respira y estilo de vida regenerativo
El diseño arquitectónico de Reserva Santa Fe parte de una premisa clara, la naturaleza no se desplaza, se integra. Cada vivienda, sendero y espacio común fue concebido para convivir armónicamente con el bosque que lo rodea. Las construcciones utilizan materiales cuidadosamente seleccionados, minimizan su huella ambiental y logran una eficiencia energética hasta un 70% superior frente a desarrollos convencionales.
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Aquí, el wellness no es una tendencia, es parte del día a día. Desde el bosque comestible, donde los residentes pueden cultivar sus propios alimentos, hasta el diseño biofílico de cada espacio, todo está pensado para generar bienestar físico, mental y emocional.
El agua de lluvia es captada, tratada y reutilizada hasta cuatro veces. Los residuos son compostados o reciclados, y la biodiversidad local se protege activamente. En Reserva Santa Fe, vivir bien también significa vivir con propósito.
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Más que un desarrollo, Reserva Santa Fe es una comunidad. Un espacio diseñado para quienes valoran la conexión con la tierra, la privacidad, la seguridad y la calidad de vida. Talleres de reforestación, caminatas por senderos regenerados, experiencias de bienestar y encuentros culturales son parte de la vida cotidiana en este entorno de aire limpio y vistas abiertas.
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El nuevo lujo es vivir en equilibrio
En una ciudad donde el ritmo no se detiene, encontrar un lugar donde se pueda respirar profundo, reconectar con lo esencial y construir un estilo de vida más consciente es, sin duda, el mayor lujo. Reserva Santa Fe no solo ofrece una vivienda, ofrece una forma de vida regenerativa, sofisticada y en total armonía con la naturaleza.
El panorama de la belleza internacional confirma una tendencia clara: México ya no es un destino emergente, sino un mercado indispensable para las marcas que dictan el rumbo de la industria. El lanzamiento de Patrick Ta Beauty en Sephora México es prueba de esto.
La firma creada por el reconocido maquillista Patrick Ta, conocido por su enfoque en la piel y por transformar la naturalidad en lujo, llega al país con un lanzamiento digital el 12 de septiembre y su incorporación a más de 50 tiendas a partir del 17 de septiembre.
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La elección de México no es casualidad. Nuestro país se ha convertido en el mercado internacional número uno en tráfico digital para Patrick Ta Beauty, con un crecimiento superior al 155% en el último año . Esta fuerza digital refleja la importancia de un consumidor que demanda innovación, sofisticación y propuestas que respondan a un entendimiento profundo de la belleza contemporánea.
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Desde Sephora, la llegada de la marca es celebrada como una respuesta a lo que la comunidad pedía: texturas lujosas, fórmulas innovadoras y la seguridad que inspira el universo creativo de Patrick Ta.
Con este lanzamiento, México se reafirma como un epicentro cultural y comercial que guía la conversación global sobre belleza.
La cultura encuentra nuevas formas de expresarse y expandirse. La música es capaz de mover masas y construir comunidades, para convertirse en una de las manifestaciones más poderosas de identidad. El whisky, por otro lado, con su complejidad aromática y su tradición, también ha sido un vehículo para acompañar celebraciones, marcar transiciones y dar un matiz de ritual al placer. Cuando estos dos se cruzan, se genera un lenguaje compartido en el que la melodía y el trago evocan emociones que hablan de personalidad y disfrute.
Así nace la colaboración entre Sabrina Carpenter y Johnnie Walker Black Label, anunciada a nivel global como un proyecto que une la frescura de una artista en pleno ascenso con la herencia de una marca que ha evolucionado por generaciones. Sabrina, tras el lanzamiento de Man’s Best Friend y el éxito de su Short n’ Sweet Tour, aporta la audacia de una nueva etapa creativa, marcada por la seguridad y la autoexpresión. Johnnie Walker, por su parte, encuentra en esta alianza la oportunidad de dialogar con una generación que busca autenticidad, diversión y la posibilidad de vivir lo clásico desde otra mirada.
La campaña se presenta como un espacio para descubrir el whisky a través de los gustos personales de la artista, con reinterpretaciones de cocteles icónicos, como el Manhattan, el whisky sour o el highball. Estas bebidas funcionan como una extensión de su música: sofisticadas pero accesibles, familiares pero inesperadas.
Hoy, los embajadores no se limitan a prestar su imagen. En cambio, buscan dar forma a experiencias, transmiten valores y, en el mejor de los casos, crean momentos que conectan con la memoria de todos. Sabrina Carpenter encarna esa evolución. Su estilo seguro y desenfadado se alinea con la filosofía de Johnnie Walker de seguir avanzando con propósito. La colaboración se presenta como un intercambio en el que la música aporta frescura y energía, mientras el whisky ofrece profundidad y tradición.
No se trata de llenar la bolsa, sino de elegir qué cargar con intención. En un mundo donde las ideas pueden surgir en cualquier parte, lo que llevas contigo puede marcar la diferencia entre dejar pasar la inspiración o atraparla. Aquí te compartimos una lista no tan obvia, curada desde la experiencia. Estos son los objetos que todo diseñador debería llevar.
1. Un cuaderno que invite a usarse
No cualquier libreta. Una que realmente puedas abrir, rayar, doblar, tachar. Porque el papel sigue siendo el espacio más inmediato para pensar sin distracciones. Mejor aún si tiene hojas punteadas: ni tan rígidas como las rayadas, ni tan caóticas como las blancas.
Hay días para el trazo libre y días para el subrayado firme. La textura importa más de lo que parece cuando estás dibujando una idea que no quieres que desaparezca. Nunca está de más llevar ambos objetos.
Diseñar requiere, a veces, silenciar el ruido. Ya sea para escuchar tu playlist creativa o para aislarte un momento del caos exterior, unos buenos audífonos pueden convertirse en tu zona segura.
5. Cargador / pila portátil
Continuamos la lista de objetos que todo diseñador debería llevar con un cargador o una pila portátil. Tu celular es todo: tu cámara, bloc de notas, escáner, GPS, moodboard y medio de contacto. Después de todo, no importa qué tan bueno sea tu dispositivo: si se queda sin pila, todo se detiene.
6. Adaptador múltiple o USB
Nunca falta el cliente que tiene un archivo en una USB, el proyector que no es compatible con tu Mac o el momento en que necesitas compartir algo desde tu iPad. Llevar un adaptador universal es como tener una navaja suiza digital. Es adelantarse a resolver cualquier situación antes de que el cliente pregunte “¿Y ahora?”
Es uno de esos objetos humildes que resuelven más de lo que aparentan. Sirve para hacer anotaciones rápidas en una maqueta, pegar una referencia en la pared, marcar un objeto, improvisar un moodboard o cerrar una bolsa con café. Compacta y ligera. Un diseñador sabe que la masking tape puede salvar el día.
8. Una carpeta digital con tus TO GO y esenciales creativos
Completamos la lista de objetos que todo diseñador debería llevar con tu estudio portátil, listo para entrar en acción o compartir en donde estés. No pesa, no se pierde y puedes abrirla en cualquier dispositivo. Guarda en esta carpeta tus fuentes tipográficas favoritas,una paleta de color que te inspire, screenshots de referencias, tu portafolio en PDF y cualquier documento que suelas compartir.
Hace un siglo, Leica presentó al mundo su primera cámara de 35 mm producida en serie, la Leica I, un hecho que transformó la industria fotográfica.
Resulta prácticamente imposible pensar en cámaras fotográficas sin que el nombre Leica aparezca. Fundada en 1869 por Ernst Leitz, en Wetzlar, Alemania, la firma se ha convertido en un referente mundial de la fotografía, gracias en gran medida a su autenticidad, pues sus modelos, incluso ahora, con la gran invasión digital, conservan ese encanto artesanal que hace apreciar todo el proceso, desde el momento en que una imagen comienza a formarse en tu mente hasta cuando presionas el botón y logras capturarla para siempre.
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Este año la marca alemana celebra el centenario de la presentación de la Leica I en la Feria de Primavera de Leipzig, un modelo que revolucionó la fotografía al hacerla portátil y al alcance de aquellos que no solo se atreven a ver el mundo de forma diferente, sino que desean inmortalizarlo.
En la cronología de este siglo la aparición de este modelo portátil significó un antes y después, iniciando un largo camino de momentos icónicos, fotógrafos legendarios y miles de historias.
Te invitamos a un viaje por la historia de la fotografía, con algunas de las tomas más memorables y emblemáticas capturadas por los lentes de Leica alrededor del mundo, algunas tomadas del libro conmemorativo 100 Leica Stories, testimonio de la calidad insuperable de esta cámara detrás de cada imagen inmortal.
Entre ruinas, símbolos desbordados y silencios cargados, Gabriel O’Shea levanta un cuerpo de obra que se resiste a lo evidente.
Construido desde lo fragmentario y lo visceral, el universo de O’Shea opera como un campo de tensión entre lo que alguna vez fue sagrado y que sobrevive como fragmento, reliquia o despojo, en una práctica visual que gravita lo filosófico: un intento por entender qué queda de nosotros cuando todo lo demás se ha desdibujado.
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Hay imágenes que no se dejan mirar de frente, que generan una sensación inquietante. Cuerpos sin contexto, superficies que parecen vivas, formas atrapadas entre lo real y lo simbólico. Eso que a primera vista parece una figura se revela como signo abierto. Y es que su trabajo habita un territorio intermedio: lo roto, lo que incomoda.
A través de materiales como cera, concreto y cuero, el artista construye piezas que, lejos de explicarse, se enfrentan, y más que hablar del cuerpo, lo pone en juego. En este universo cargado de densidad sensorial dentro de un clima gris y espectral, O’Shea ensaya una forma distinta de ver, esa que no se deja al ojo, sino a aquello que se oculta.
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¿Qué tiene el cuerpo que se volvió inevitable en tu obra?
El cuerpo es rastro y herida. No me interesa representarlo como algo ideal, sino como un resto: fragmento, deformado, silencioso. Desde niño, por conversaciones familiares ligadas a la medicina, el cuerpo me ha parecido un lenguaje profundo y cercano, capaz de revelar mucho más de lo que se dice con palabras.
Me atrae lo que normalmente se oculta: la piel rota, lo asimétrico, lo viscoso, lo visceral, lo que desborda. No busco belleza en el sentido tradicional, sino una intensidad que incomoda, que abre fisuras en quién mira.
¿Qué lugar ocupa el silencio como herramienta en tu obra?
El silencio es ese espacio donde la imagen respira. Pero también donde se vuelve incómoda. Me interesa el silencio que no es vacío, sino una presencia inquietante que muchas veces dispara la imaginación sobre lo que no se ve. Un silencio cargado, como si algo estuviera a punto de ocurrir, pero no se nos revelara.
En mi obra muchas de las figuras están solas o atrapadas en habitaciones sin un contexto claro. Ese no saber nos deja en suspenso, como frente a una imagen detenida en mitad de una película que nunca veremos completa. Es precisamente ese silencio lo que catapulta la ansiedad: no es limpio ni puro, sino uno lleno de tensión contenida. Como una escena teatral sin diálogo donde todos los personajes ocultan algo. La ausencia de información narrativa fuerza al espectador a llenar esos huecos, y lo que proyectamos a veces es más perturbador que lo que veríamos si el relato fuera explícito.
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Has trabajado con materiales que aluden a la piel. ¿Qué papel juega la ilusión de lo vivo en tu obra?
Me interesa tensar el umbral entre lo vivo y lo muerto, entre lo que se mueve y lo que permanece. La sensación de observar “piel” o algo “humano” en estas obras activa algo visceral en quien lo observa, y eso me interesa. En algunas de mis obras busco replicar la sensación del uncanny valley: ese punto donde lo casi humano se vuelve inquietante precisamente por no ser del todo reconocible. Me interesa esa fricción entre lo familiar y lo extraño, entre lo que debería generar empatía, pero provoca rechazo.
A través de cuerpos deformados, texturas o materiales orgánicos, intento activar en el espectador una duda perceptiva. Que algo aparentemente normal revele una grieta. No se trata de ilustrar lo perturbador, sino de provocarlo. De crear imágenes que no se entiendan de inmediato, que se queden flotando como una pregunta incómoda.
Y en el caso de tu trabajo con piedra, ¿cuál es el simbolismo de los de los clavos?
Esta pieza en realidad también se suponía que era como un tipo torso. Si lo ven de lado, creo que se nota un poco más como la parte del busto y el costado. Digo, al final quedó un poco más abstracto. Esta pieza se llama Cada quien llevará su propia carga. Era como darle ese sentido de que podemos no ver toda la carga que las personas traen consigo y que muchas veces viene a ser como esta pieza, rastros de dolor o de peso que siempre vamos arrastrando, ¿no? Y a la vez, como aludo a la religión, uso mucho las cadenas como para hacer referencia a que seguimos cargando con la religión, a pesar de tantos años que han pasado y cómo estas creencias siguen siendo tan relevantes hoy en día.
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¿Qué te interesa del concepto del paso del tiempo representado a través de lo que se rompe o descompone?
La descomposición revela una verdad cruda. Hay una belleza bruta en lo que se quiebra. Me interesa el tiempo no como línea narrativa, sino como desgaste, como huella. Lo roto, creo yo, muchas veces habla más que lo entero. Me atrae lo que sobrevive en forma de resto, lo que persiste a pesar del deterioro. Fragmentos que cargan historia sin necesidad de explicarla.
Tus piezas suelen evitar lo decorativo, pero son profundamente estéticas. ¿Dónde trazas la línea entre belleza y discurso?
Me interesa lo que exige atención. La belleza en mi obra es como una trampa: porque te acerca y luego te enfrenta. Para mí el arte es como una herida y las piezas que hago tienen que tocarnos esa herida. Hacerte cuestionar algo. Si solo respondieran a un fin decorativo no me interesarían.
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En obras como Corpus, tratas temas de espiritualidad y la ausencia desde lo corporal ¿Qué te lleva a abordarlos una y otra vez?
Regreso a temas espirituales porque crecí con una fuerte presencia religiosa, y con el tiempo vi cómo esa fe se fue desmoronando. En mis obras, la espiritualidad aparece como un resto: un cuerpo fragmentado que aún carga una intensidad simbólica.
Frases como “Eli, Eli, lama sabachthani”, la última de Cristo, siguen resonando, incluso si ya no creemos. Son palabras antiguas, pero profundamente actuales. Creo que seguimos haciéndonos esa pregunta, solo que ya no solo en iglesias, sino ahora frente a pantallas.
Me interesa explorar cómo enfrentarnos el vacío que deja la religión cuando deja de ofrecer respuestas. Un vacío que puede llevarnos al nihilismo, pero también abrir un espacio para nuevas preguntas. En mi obra trato de hacer visible esa herida, así como mis propias dudas existenciales. Mostrar que incluso en los escombros de la fe aún hay materia viva. Y que enfrentarse al vacío puede ser también una forma de resistencia.
¿Cómo influyó la serie Preludio en tu visión sobre el cuerpo y lo espiritual?
Marcó el inicio de una exploración más clara sobre cómo la tecnología está comenzando a ocupar el lugar simbólico que antes tenía la religión. Me interesaba confrontar esas dos esferas, la espiritual y la digital, a través de piezas que funcionaran como reliquias contemporáneas: torsos fragmentados, restos, cuerpos sin rostro o atrapados en tecnologías que parecen nuevas formas de sumisión.
También fue una forma de trabajar desde la herida, no solo desde el símbolo. Por eso incluí referencias a la pintura sacra, como la Pietà, de José de Ribera o escenas de Goya, pero colocadas en contraste con imágenes generadas por IA y materiales que evocan descomposición y olvido. En esa tensión entre lo sagrado y lo artificial, entre el cuerpo real y su doble digital, entendí que el cuerpo sigue siendo un lugar de conflicto, pero también de resistencia. Y que lo espiritual, aunque desplazado, no ha desaparecido del todo: simplemente ha adoptado nuevas formas.
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Hay una atmósfera muy particular en tus piezas, algo casi espectral, pero sin nostalgia. ¿Cómo construyes ese clima en tu obra?
Trabajo el clima de mis piezas como si fuera una extensión del cuerpo. No me interesa que la obra solo narre algo de forma explícita, sino que provoque una sensación: un estado.
Esa atmósfera que muchos perciben como espectral surge de varios factores que trabajo con mucha intención: la luz tenue, la gama de colores apagados, los materiales que sugieren deterioro como la cera, el polvo, ceniza, concreto, y también los silencios.
¿Qué te interesa de lo que no se muestra del todo, de lo que se insinúa en una imagen?
Lo que no se muestra del todo puede tener mucho poder. Lo incompleto, lo sugerido, obliga al espectador a enfrentarse con su propio umbral. Me interesa trabajar con lo que se oculta, pero insiste; con lo que no se dice, pero arde.
No me interesa construir mensajes literales, no busco dejar un statement obvio en la imagen, prefiero que lo visible deje espacio para lo que no se ve y que ahí surjan dudas, silencios, reflexiones. A veces, el vacío o lo que falta puede provocar más que cualquier forma explícita.
En el universo de los destilados, las etiquetas especiales han dejado de ser simples variantes. Hoy se han transformado en piezas de colección que capturan momentos de historia, tradición y creatividad. Entre ellas, nace Don Julio Ceniza, un añejo oscuro que marca un nuevo capítulo en la línea del tiempo de la casa tequilera.
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Forjado en barricas tostadas y carbonizadas, Ceniza concentra la fuerza del fuego para dar vida a un perfil profundo donde se entrelazan notas dulces y ahumadas. Es un tequila que también llama la atención: la calidez del agave cocido, la elegancia del cacao y el eco de la madera conforman un sabor que evoluciona en cada trago.
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Don Julio Ceniza representa la capacidad del mismo Don Julio de transformar la tradición en un objeto de deseo contemporáneo. El tequila se afirma en la escena global como un lujo líquido que despierta la pasión de coleccionistas y amantes de la alta gastronomía.
Su carácter lo hace perfecto para acompañar la comida mexicana, realzando cada bocado con equilibrio y armonía. Y al mismo tiempo, su versatilidad le permite inspirar coctelería creativa, como la Paloma Negra, su coctel insignia: una interpretación donde el frescor cítrico y la mineralidad resaltan la fuerza ahumada del destilado.
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Con Ceniza, Don Julio reafirma su legado de innovación y lujo. Es un símbolo de cómo la tradición mexicana se reinventa y se colecciona, botella tras botella, como un patrimonio líquido que brilla en la memoria de quienes saben apreciarlo.
En nuestro país la rareza y la autenticidad son cualidades codiciadas; y Don Julio Ceniza se inscribe en la categoría de las ediciones que trascienden el tiempo. Su estética, su proceso y su carácter lo convierten en un objeto de deseo para quienes coleccionan tanto experiencias como botellas, un testimonio de cómo el tequila mexicano puede habitar el mismo territorio simbólico que las joyas, los relojes o las piezas de arte.
Y, como adicional, la celebración alrededor de Don Julio Ceniza no termina en la botella. La marca decidió llevar su carácter ahumado a la mesa a través de una alianza con Tacos del Valle, un referente en la escena gastronómica capitalina. El resultado es una propuesta que juega con la tradición del taco y la reinventa con elementos inesperados, invitando a descubrir nuevas formas de maridar el tequila.
En esta colaboración, los visitantes encontraron creaciones como La Paloma Negra, un cóctel exclusivo que acentúa las notas de Don Julio Ceniza con un giro contemporáneo, y un trompo negro intervenido con ceniza de tortilla y salsa de habanero tatemado.
La historia de Topo Chico se encuentra cargada de magia y tradición. Desde 1895, sus cristalinas burbujas brotan desde lo más profundo del cerro del Topo Chico, cerca de Monterrey y convierten lo cotidiano en memorable, elevando lo simple a lo sublime con cada sorbo.
La marca nació con un espíritu ligado al misticismo, como un elixir natural surgido de la tierra mexicana. Su esencia mineral no solo refresca, sino que revive. En su burbuja vive un relato centenario que conserva intacto el sabor de la autenticidad. A lo largo del tiempo, ha sabido mantenerse fiel a sus raíces, mientras evoluciona con la misma efervescencia que la hizo icónica.
El camino de la efervescencia
Cuenta la leyenda que una princesa azteca, gravemente enferma, fue sanada por las aguas de este manantial sagrado. Desde entonces, se dice que cada burbuja contiene algo de ese milagro ancestral.
A lo largo del siglo XX, Topo Chico consolidó su presencia primero como un tesoro en México y luego, paulatinamente, llegó a tierras lejanas. Fue en la década de 1980 cuando sus primeras exportaciones llegaron a Texas, donde comenzó a conquistar paladares más allá de las fronteras, convirtiéndose en un símbolo de identidad para comunidades enteras.
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A lo largo del siglo XX, Topo Chico consolidó su presencia primero como un tesoro en México y luego, paulatinamente, llegó a tierras lejanas. Fue en la década de 1980 cuando sus primeras exportaciones llegaron a Texas, donde comenzó a conquistar paladares más allá de las fronteras, convirtiéndose en un símbolo de identidad para comunidades enteras.
En 2017, su historia dio un giro decisivo: The Coca-Cola Company adquirió la marca con la promesa de conservar su alma intacta. Desde entonces, Topo Chico ha cruzado océanos y latitudes, llegando a más de 30 estados en EE.UU., sin perder su carácter artesanal ni el misterio de su origen volcánico.
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Pero Topo no solo fluye en botellas. En Monterrey, su espíritu solidario también brota en forma de ayuda. Durante la sequía histórica de 2022, su embotelladora local ofreció agua potable gratuita las 24 horas a las comunidades vecinas. Un gesto humilde, pero poderoso, que recuerda que esta marca es también un lazo con la tierra y su gente.
130 años celebrando el arte de refrescar cada momento
Pero si algo distingue a Topo Chico es su capacidad de trascender generaciones sin perder frescura. Hoy no es solo una bebida, es un símbolo, un ícono cultural que despierta pasión en cada formato en el que se disfruta. Su icónica botella de vidrio retro, su burbuja fina y constante, ese sabor ligeramente salino que acaricia el paladar, han hecho de ella una experiencia sensorial que atraviesa generaciones. Ya sea en un coctel o disfrutada al natural, su carácter permanece inconfundible.
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Para celebrar su 130 aniversario, la marca ha lanzado seis etiquetas conmemorativas que visten su icónica botella de vidrio 355ml; estos artes recorren su historia visual desde su nacimiento, en 1895, hasta la actualidad y evocan el espíritu de épocas pasadas.
Este aniversario es un homenaje a un legado que fluye como manantial inagotable refrescante y auténtico. Topo Chico es más que agua mineral; es un relato en movimiento, una experiencia que conecta cuerpos, memorias y emociones. Porque en cada botella se encierra algo más que burbujas, se esconde un pedazo de historia mexicana, intacto, vibrante, y maravillosamente refrescante, que hacen que cada sorbo sea un viaje emocional extraordinario.
A través de aguas cristalinas, el barco Paul Gauguin abre una mirada hacia la cultura y los paisajes de la Polinesia Francesa.
Desde atolones flotando sobre el Pacífico y volcanes cubiertos de vegetación hasta comunidades que viven al ritmo del mar, los rincones del archipiélago que el Paul Gauguin recorre revelan la fascinante Polinesia. A bordo, una experiencia curada para disfrutar del entorno con conciencia y tranquilidad.
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El navío
Diseñado específicamente para moverse con agilidad en aguas poco profundas, el crucero de baja escala prioriza la intimidad, por lo que cuenta con siete cubiertas y capacidad para poco más de 300 pasajeros. Asimismo, los camarotes fungen como refugios flotantes, todos exteriores y muchos con balcón privado, a base de materiales como madera, textiles naturales, una paleta de colores neutros y azules, con detalles inspirados en la estética local.
Para disfrutar dentro del navío se encuentra una alberca con vista panorámica, lounges con programación en vivo, bares, una boutique con artesanías locales y una marina retráctil en la parte posterior del barco que permite lanzarse al mar directamente desde cubierta. Por otro lado, el spa, operado por la marca de cosmética marina Algotherm, combina tratamientos franceses con productos polinesios, entre los cuales se encuentran masajes con aceite de monoi, mascarillas a base de coco y vainilla, rituales de exfoliación con sal marina y sesiones de hidroterapia.
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La travesía
El crucero inicia en Tahití y navega hacia la silueta montañosa de Moorea hasta la laguna turquesa de Bora Bora, pasando por Huahine, Raiatea y los motus de Taha’a, cada parada es una inmersión distinta. El recorrido varía entre itinerarios de 7 a 14 noches, y en algunos casos se extiende a archipiélagos remotos como Tuamotu o las Marquesas, ofreciendo explorar desde mercados, arrecifes y plantaciones de vainilla hasta templos antiguos o aldeas costeras.
Más allá de la ruta, el Paul Gauguin ofrece una serie de experiencias como clases de bailes tradicionales polinesios, talleres de pareos hechos a mano, demostraciones de cocina local y pláticas sobre historia, ecología y cultura polinesia impartidas por expertos y guías locales. Por su parte, cuentan con actividades acuáticas, como paddleboards, kayaks, equipo de snorkel y opciones de buceo.
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Sabores del Pacífico
En L’Etoile, el restaurante principal, las cenas se sirven a la carta con una propuesta que cruza técnicas francesas con ingredientes locales, desde un magret de pato glaseado con tamarindo hasta un mahi-mahi sobre puré de taro. Por otro lado, La Veranda ofrece un espacio más íntimo con platillos inspirados en la cocina del sur de Francia e influencias polinesias, mientras que Le Grill, al aire libre, sirve desayunos, almuerzos tropicales y cenas con platillos como pescado crudo marinado, plátano asado o el pan de frutas. Para maridar, cuentan con vinos provenientes principalmente de Francia y Oceanía, y la selección de cocteles gira en torno a frutas exóticas, hierbas frescas y rones especiados.
La comida ya no solo se sirve; ahora también se diseña. Con mayor frecuencia, la gastronomía se cruza con el arte, la arquitectura y el diseño para ofrecer experiencias que se comen, sí, pero también se miran, se sienten, se recuerdan. En esa intersección, nace el diseño comestible, una práctica que convierte lo efímero en memorable.
Aquí, el plato no es solo recipiente; es lienzo. La textura importa tanto como el sabor. La luz, el color, la forma y hasta la temperatura forman parte del lenguaje. No se trata de hacer platos bonitos, sino de crear una narrativa sensorial donde todo tiene intención.
Desde el emplatado hasta el mobiliario, todo comunica. La forma en que se corta una fruta, el sonido al romper una costra, el color que contrasta con el plato: cada detalle puede ser una decisión de diseño. En muchos casos, el resultado es tan bello que da pena comerlo. Y justo ahí está el poder del diseño comestible, en esa tensión entre contemplar y devorar.
Proyectos como los de Laila Gohar, Bompas & Parr y Studio Appétit han llevado el diseño comestible a otro nivel. No son chefs, sino diseñadores de experiencias comestibles. Hacen instalaciones, montajes y mesas donde el alimento no solo nutre, sino que genera diálogo.
Lo comestible tiene una cualidad poderosa: desaparece. Esa temporalidad lo vuelve especial. A diferencia de otros objetos de diseño, aquí lo que se crea está destinado a desaparece, pero no sin antes dejar huella.
Esto obliga a pensar el diseño desde otro lugar: no solo como algo para durar, sino como algo para provocar. Piensa en una escultura de hielo con licor adentro, en un centro de mesa hecho de pan comestible o en un postre que se derrite mientras lo ves. Son experiencias diseñadas para ser momentáneas, pero inolvidables.
Diseñar para todos los sentidos
El diseño comestible no trabaja solo con la vista: involucra todos los sentidos. Va desde el tacto de una copa fría y el aroma que anticipa un sabor hasta el crujido de un primer bocado. Es una práctica total que exige pensar desde la estética, la técnica y la emoción.
Y eso cambia también la función del comensal. Ya no solo come, ahora participa. Observa, se sorprende, interpreta. Y en muchos casos, se convierte en parte activa de la obra. Porque en el diseño comestible, el espectador también es ejecutor: al comer, la obra termina.
Porque comer es uno de los actos más primitivos y también uno de los más íntimos, diseñar desde ahí desde lo cotidiano, lo corporal, lo sensorial, permite conectar de forma directa con quien participa.
El diseño comestible es una forma de habitar el tiempo, aunque sea por segundos. Una instalación que desaparece, un objeto que solo existe mientras se come, una idea que viaja en el sabor. Y en un mundo donde todo parece durar poco, tal vez ahí está su relevancia: en recordarnos que lo más fugaz también puede ser lo más significativo.
Así como Sudáfrica, Kenia o Botsuana son famosos por sus reservas tierra adentro, Mozambique lo es por su franja costera. Equipados con playas vanidosas, manglares protegidos y arrecifes de coral, los parques nacionales Quirimbas y Bazaruto prueban que, también al otro lado del mundo, en el mar la vida es más sabrosa.
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El África subsahariana, pese a la lejanía y trabas de visado, es un destino que se vende solo. ¿La razón? Reservas naturales donde se materializan los safaris más entrañables. A la concentración de megafauna se suman la cortina de agua más larga y el abanico aluvial más grande del mundo. Eso sí, esto poco o nada tiene que ver con Mozambique.
Rodeado de antiguas colonias británicas, este territorio lusoparlante llama la atención por algo más que elefantes y pangolines. Y no es que los Big 5 estén ausentes, pero Mozambique no figura entre los favoritos para verlos. Una guerra civil a finales del siglo XX dejó al país con parques castigados por la cacería y un rezago notable en términos de infraestructura.
Foto: Marck Gutt
Parque Nacional Bazaruto
Ubicado frente a la costa continental de Vilanculos, en el sur de Mozambique, Bazaruto se presenta como uno de los secretos mejor guardados del Índico africano. Dos islas deshabitadas y tres con poblaciones permanentes integran el archipiélago. Una de ellas, Benguerra, presume la combinación justa entre naturaleza apenas intervenida y lodges seductores.
Pequeñas localidades con tradición pesquera, playas que cambian radicalmente con las mareas y dunas de arena que se desdibujan con los caprichos del viento, son los encantos obvios de la isla. A estas escenas se suma un mundo de tesoros submarinos. Y entre el follaje, con discreción de sobra, algunos de los hoteles mejor catalogados del país.
&Beyond Benguerra Island
Cuando se trata de turismo, aquí no hay medias tintas. Una búsqueda en Google basta para comprobar que en Benguerra los hoteles son de lujo o no son. Y por lujo no se entienden candelabros ni amenities con monogramas conocidos, sino casitas con albercas camufladas en el verdor del bosque y playas en las que se cuentan las huellas con los dedos de una mano.
&Beyond Benguerra Island cautiva a sus huéspedes con túneles naturales de follaje, camas colgantes en la playa y puestas de sol que se comparten con decenas de especies. Si bien el Parque Nacional Bazaruto no es sinónimo de safari, en la isla se pueden ver animales con facilidad. Un buen ejemplo es el suni, con 40 cm de altura, uno de los ungulados más chiquitos del mundo.
Foto: Marck GuttFoto: Marck Gutt
Conservación costera
Antílopes miniatura aparte, Benguerra es ideal para ver fauna. Por un lado, el archipiélago tiene más de 130 especies de aves registradas. En plan pajarero, sin necesidad de milagros, este lugar revela suimangas, carrancas y abejarucos súper coloridos. Por otro, la actividad submarina es extraordinaria. Hay pocos lugares en el Índico africano mejor conservados que este.
Azotado por piratas y buques pesqueros ilegales, el Índico africano es un paraíso en riesgo. Por suerte, Bazaruto es la excepción. Declarado Parque Nacional en 2001, el archipiélago se ha convertido en ejemplo de resiliencia y conservación marina. Aquí conviven marlines, tiburones ballena, tortugas y la única población africana de dugongos, el primo pequeño del manatí.
&Beyond Benguerra Island sirve como base para visitar dunas y para bucear en uno de los arrecifes mejor conservados de la región, pero también para navegar a bordo de un dhow y para no hacer nada. En este cachito de paraíso, con el balance perfecto entre desconexión y comodidad, caminar descalzo y escuchar el mar es el mayor de los lujos.
¿Cómo llegar?
Para llegar a &Beyond Benguerra Island hay que tomar un helicóptero desde Vilanculos. El viaje, que es un atractivo en sí mismo y depende de las condiciones climáticas, toma cerca de 10 minutos. El aeropuerto de Vilanculos tiene conectividad limitada con vuelos regulares programados a Maputo y Johannesburgo.
¿Cuándo viajar?
El archipiélago de Bazaruto tiene clima tropical y se puede visitar todo el año. En la misma línea, &Beyond Benguerra Island opera todo el año. En términos generales, la mejor temporada para visitar es entre abril y septiembre, cuando las probabilidades de lluvia, la humedad y el calor disminuyen. Para bucear, lo ideal es visitar de abril a junio o de septiembre a noviembre.
La edición 2025 de los Premios Emmy reunió a lo mejor de la televisión y el streaming en una noche que confirmó el poder de plataformas como HBO, Netflix y Apple TV+. Entre sorpresas y favoritos que lograron consolidarse, producciones como The Pitt, The Studio y Adolescencia brillaron en las principales categorías, mientras actores consagrados y nuevos talentos se llevaron a casa el galardón más importante de la industria televisiva.
A continuación, te presentamos a los ganadores y nominados más destacados de la ceremonia.
Series
Mejor drama The Pitt (HBO) Nominadas: Andor (Disney+), La diplomática (Netflix), The Last of Us (HBO), Paradise (Hulu), Severance (Apple TV+), Slow Horses (Apple TV+), The White Lotus (HBO)
IMDB
Mejor comedia The Studio (Apple TV+) Nominadas: Abbott Elementary (ABC), El oso (Hulu), Hacks (HBO), Nadie quiere esto (Netflix), Only Murders in the Building (Hulu), Shrinking (Apple TV+), What We Do in the Shadows (FX)
IMDB
Mejor serie limitada Adolescencia (Netflix) Nominadas: Black Mirror (Netflix), Dying for Sex (FX), Monstruos: la historia de Lyle y Erik Menéndez (Netflix), El pingüino (HBO)
IMDB
Actuación en drama
Mejor actor Noah Wyle (The Pitt) Nominados: Sterling K. Brown (Paradise), Gary Oldman (Slow Horses), Pedro Pascal (The Last of Us), Adam Scott (Severance)
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Mejor actriz Britt Lower (Severance) Nominadas: Kathy Bates (Matlock), Sharon Horgan (Malas hermanas), Bella Ramsey (The Last of Us), Keri Russell (La diplomática)
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Actor de reparto Tramell Tillman (Severance) Nominados: Zach Cherry (Severance), Walton Goggins (The White Lotus), Jason Isaacs (The White Lotus), James Marsden (Paradise), Sam Rockwell (The White Lotus), John Turturro (Severance)
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Actriz de reparto Katherine LaNasa (The Pitt) Nominadas: Patricia Arquette (Severance), Carrie Coon (The White Lotus), Julianne Nicholson (Paradise), Parker Posey (The White Lotus), Natasha Rothwell (The White Lotus), Aimee Lou Wood (The White Lotus
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Actor invitado Shawn Hatosy (The Pitt) Nominados: Giancarlo Esposito (The Boys), Scott Glenn (The White Lotus), Joe Pantoliano (The Last of Us), Forest Whitaker (Andor), Jeffrey Wright (The Last of Us)
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Actriz invitada Merritt Wever (Severance) Nominadas: Jane Alexander (Severance), Gwendoline Christie (Severance), Kaitlyn Dever (The Last of Us), Cherry Jones (El cuento de la criada), Catherine O’Hara (The Last of Us)
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Actuación en comedia
Mejor actor Seth Rogen (The Studio) Nominados: Adam Brody (Nadie quiere esto), Jason Segel (Shrinking), Martin Short (Only Murders in the Building), Jeremy Allen White (El oso)
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Mejor actriz Jean Smart (Hacks) Nominadas: Kristen Bell (Nadie quiere esto), Uzo Aduba (La residencia), Quinta Brunson (Abbott Elementary), Ayo Edebiri (El oso)
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Actor de reparto Jeff Hiller (Alguien en algún lugar) Nominados: Ike Barinholtz (The Studio), Colman Domingo (Las cuatro estaciones), Harrison Ford (Shrinking), Ebon Moss-Bachrach (El oso), Michael Urie (Shrinking), Bowen Yang (Saturday Night Live)
Actriz de reparto Hannah Einbinder (Hacks) Nominadas: Liza Colón-Zayas (El oso), Kathryn Hahn (The Studio), Janelle James (Abbott Elementary), Catherine O’Hara (The Studio), Sheryl Lee Ralph (Abbott Elementary), Jessica Williams (Shrinking)
Actor invitado Bryan Cranston (The Studio) Nominados: Jon Bernthal (El oso), Dave Franco (The Studio), Ron Howard (The Studio), Martin Scorsese (The Studio), Anthony Mackie (The Studio)
Mejor actor Stephen Graham (Adolescencia) Nominados: Colin Farrell (El pingüino), Jake Gyllenhaal (Se presume inocente), Brian Tyree Henry (Dope Thief: ladrones de drogas), Cooper Koch (Monstruos: la historia de Lyle y Erik Menéndez)
Mejor actriz Cristin Milioti (El pingüino) Nominadas: Cate Blanchett (Disclaimer), Meghann Fahy (Sirenas), Rashida Jones (Black Mirror), Michelle Williams (Dying for Sex)
Actor de reparto Owen Cooper (Adolescencia) Nominados: Javier Bardem (Monstruos: la historia de Lyle y Erik Menéndez), Bill Camp (Se presume inocente), Rob Delaney (Dying for Sex), Peter Sarsgaard (Se presume inocente), Ashley Walters (Adolescencia)
Actriz de reparto Erin Doherty (Adolescencia) Nominadas: Ruth Negga (Se presume inocente), Deirdre O’Connell (El pingüino), Chloë Sevigny (Monstruos: la historia de Lyle y Erik Menéndez), Jenny Slate (Dying for Sex), Christine Tremarco (Adolescencia)
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Otros ganadores destacados
Programa de telerrealidad/competencia The Traitors (Peacock)
Película para TV Rebel Ridge (Netflix)
Programa animado Arcane: League of Legends (Netflix)
Especial de variedades Conan O’Brien: Premio Mark Twain al humor estadounidense (Netflix)
Documental o especial de no ficción Pee-Wee as Himself (HBO)
Documental o serie de no ficción Oes (HBO)
Talk show The Late Show With Stephen Colbert (CBS) la de 100 pi
Dirección
Serie de comedia Seth Rogen y Evan Goldberg (The Studio, “The Oner”)
Serie dramática Adam Randall (Slow Horses, “Hola y adiós”)
Serie limitada / película para TV Philip Barantini (Adolescencia)
Los Emmys 2025 consolidaron a The Pitt como el gran drama del año y a The Studio como la nueva joya de la comedia televisiva, mientras Adolescencia conquistó la categoría de serie limitada. Fue una ceremonia en la que convivieron gigantes de la industria y talentos emergentes, reflejando la diversidad de narrativas que hoy dominan la pantalla. Con esta edición, queda claro que la televisión vive un momento de oro en creatividad, producción y alcance global.
El poder de una marca no se define solo por lo que ofrece, sino por la historia que logra contar. Evian, lleva más de 35 años acompañando al US Open como Socio Oficial, y ha convertido su presencia en una plataforma para lograr nuevas formas de conexión.
Fotos: EvianFotos: Evian
Carlos Alcaraz como embajador global no es casualidad: el campeón encarna energía, dinamismo y una visión que resuena con la filosofía Live Young. Su participación se convierte en un símbolo del presente y futuro del tenis, que logra inspirar a una comunidad global que encuentra en él la autenticidad como valor principal. Evian apuesta por esta unión para proyectar un mensaje de salud, rendimiento, aspiración y juventud.
La estrategia de Evian en el US Open 2025 demuestra cómo el branding se une con el storytelling. No se trata solo de colocar botellas en las manos de los jugadores, sino de diseñar “experiencias”algo” que permanecerá en la memoria colectiva. Desde ediciones limitadas, hasta colaboraciones con chefs de renombre, cada detalle es parte de una narrativa que habla de estilo de vida, creatividad y cultura contemporánea.
El US Open es un ecosistema de moda, gastronomía, música y entretenimiento. Evian entiende este escenario como un terreno para expandir su identidad de marca. Sus activaciones digitales, su despliegue visual en ciudades como Ciudad de México y su presencia en retail no solo refuerzan su visibilidad, sino que convierten la hidratación en un gesto aspiracional.
Evian incorpora un mensaje de responsabilidad: preservar la pureza de su fuente natural y mantener un compromiso activo con la sostenibilidad.
En la nueva flagship de Tiffany & Co. en Masaryk, un espacio concebido para repensar el lujo en Ciudad de México, se presentó uno de los proyectos más exclusivos de la temporada. Una cápsula de seis chamarras creadas por la diseñadora mexicana Daniela Cassab, bajo su firma DANCASSAB. La colaboración celebra la apertura del icónico espacio.
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Nacida en Ciudad de México y formada en la prestigiosa escuela de moda Parsons en Nueva York, Daniela considera al oficio parte de su ADN. Desde su atelier en la capital, donde un equipo de artesanos trabaja pieza por pieza, DANCASSAB ha trazado un universo que cruza la cultura western y el rock & roll setentero con referencias artísticas que van de Brancusi a Barragán.
Ese mismo espíritu, traducido en texturas, volumen y color, es el que hoy se encuentra frente a frente con la herencia de Tiffany. La cápsula, desarrollada durante más de un año de trabajo conjunto, reinterpreta algunas de las colecciones más icónicas de la casa joyera en un lenguaje textil y táctil.
El lanzamiento se vivió en un formato íntimo y privado, con Daniela Cassab recibiendo a los invitados y revelando cada detalle del proceso.
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“Es un honor y privilegio poder compartir con una casa de lujo de tanto prestigio. Presentar nuestras piezas aquí confirma nuestra apuesta por lo bien hecho y por un lujo con propósito”
Daniela Cassab
Hoy, la cápsula puede descubrirse en la boutique de DANCASSAB en Lomas de Chapultepec, donde la diseñadora ofrece también encuentros uno a uno para narrar de primera mano la historia de cada prenda. Una experiencia que confirma algo que ha acompañado su marca desde el inicio: the power of a single garment.
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DANCASSAB está presente en Bergdorf Goodman, Modes, Norrgatan, That Concept Store y Farfetch. Ha activado experiencias en boutiques, hoteles de lujo y citas culturales globales. Sus piezas han sido usadas por Shakira, Beyoncé, Jennie (Blackpink), Viola Davis, Kim Gordon, LP, Blanca Miró, Miranda Lambert, Danna, Belinda, Sebastián Yatra, entre otros.
D. Monte Athos 155, Lomas – Virreyes, Lomas de Chapultepec, CDMX T. 56 1377 2031
El 18 de septiembre, Baldío abrirá sus puertas para un encuentro con SEM Lisboa, uno de los pocos restaurantes de cero desperdicio en el mundo.
Desde Lisboa, el proyecto fundado por Lara Espírito Santo y George McLeod llega a la CDMX para cocinar junto a Baldío una experiencia basada en agricultura regenerativa, ingredientes campesinos y gastronomía sostenible.
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Baldío CDMX inicia una serie de colaboraciones internacionales que buscan construir un futuro más sustentable desde la cocina. Por lo que, la producción corre a cargo de Arca Tierra, organización con más de 15 años trabajando con familias campesinas y restaurando chinampas en Xochimilco. Conectando directamente a quienes cultivan la tierra, los que transforman los ingredientes y quienes los disfrutan.
La experiencia
Durante una semana, los chefs invitados recorrerán el centro de México para conocer el origen de los ingredientes de Baldío y junto a las familias campesinas, compartirán saberes y cosecharán productos que luego formarán parte del menú. El día de la cena, el primer servicio estará dedicado a esas comunidades campesinas. Después, se abrirán las puertas a 70 comensales que podrán probar un menú degustación irrepetible diseñado para la ocasión.
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SEM Lisboa
Reconocido por su enfoque radical hacia la sustentabilidad, el restaurante construye sus menús a partir de la micro estacionalidad y el uso absoluto de cada ingrediente. Además, sus espacios también reflejan esa visión, con mesas de plásticos reciclados, lámparas de papel maché y una red de productores que regeneran suelos y biodiversidad.
Cada temporada, la llegada de los chiles en nogada anuncia una de las celebraciones más esperadas de la gastronomía mexicana. Este año, Grupo Carolo presenta su interpretación de este clásico poblano en sus diferentes restaurantes, manteniendo el espíritu tradicional, pero con el toque distintivo de cada espacio.
El toque del chef Mike Dávila en Cachava
En Cachava, el chef Mike Dávila propone una versión única del chile en nogada: chile poblano tatemado al carbón, relleno de rib eye ahumado y lomo de cerdo, frutos de temporada confitados, salsa nogada cremosa con nuez de Castilla, queso añejo y un toque de reducción de Jerez.
El resultado es un platillo que respeta la tradición, pero la eleva con técnicas de alta cocina y un equilibrio exquisito de sabores.
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El Aduanero
Como parte de la oferta de temporada en Grupo Carolo también se presenta El Aduanero: un chile poblano macerado en especias y piloncillo, acompañado de un hojaldrado tricolor relleno de pulpa de res y cerdo picada. Se sirve con una nogada sin lácteos perfumada con licor de ciruela, coronada con perejil fresco y granada. Una propuesta distinta, pensada para quienes buscan sabores tradicionales con un giro contemporáneo.
La experiencia en otros espacios de Grupo Carolo
Además de Cachava, los Chiles en Nogada estilo Grupo Carolo estarán disponibles en otros de sus restaurantes en Ciudad de México:
Emilio, Blanco Colima y Blanco Castelar: Con un ambiente animado y social, perfectos para disfrutar en grupo.
Aromas, Carolo y Casa Ó: Espacios más cálidos y familiares, perfectos para disfrutar este clásico en un entorno más relajado.
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Tradición que celebra la temporada
Grupo Carolo reafirma su compromiso de honrar la cocina mexicana con creatividad y respeto, ofreciendo un platillo que no solo es un símbolo patrio, sino también una experiencia gastronómica deliciosa.
El resultado: un Chile en Nogada que une historia, sabor y modernidad, en un recorrido que va de la autenticidad poblana a la propuesta innovadora de sus chefs.
Septiembre marca el inicio de una temporada donde la moda se respira en cada esquina, pasarela, conversación y, también, en la pantalla. Es el momento perfecto para dejarse llevar por documentales de moda que muestran la creatividad en su estado más humano.
En estas historias se revelan universos íntimos, obsesiones, fragilidades y momentos que definieron una era. La presión de Raf Simons al llegar a Dior, la mirada libre de Vivienne Westwood, la sensibilidad de Alexander McQueen o la búsqueda de identidad de Olivier Rousteing. Cada relato acerca la industria de la moda a lo personal. Aquí te dejamos algunos documentales de moda que, con diferentes dimensiones y perspectivas, abren una puerta a este universo creativo.
Dior and I (2014)
Raf Simons llega a Dior y enfrenta el reto de crear su primera colección en semanas. Entre costureras, bocetos y tensión, se revela la intimidad del proceso creativo en alta costura.
McQueen (2018)
La vida y obra de Alexander McQueen se cuentan con crudeza poética: desde aprendiz en Savile Row hasta genio atormentado, sus colecciones se convierten en confesiones cargadas de imaginación, belleza y oscuridad.
Martin Margiela: In His Own Words (2020)
El diseñador belga se mantiene invisible, pero su voz guía un relato íntimo. Con archivos inéditos y testimonios, Margiela revela cómo su anonimato fue también su declaración más radical dentro de la moda.
Westwood: Punk. Icon. Activist. (2018)
Vivienne Westwood recuerda sus inicios punk junto a Malcolm McLaren, el nacimiento de su marca y su lucha activista. Rebeldía, contradicción y visión crítica conviven en un retrato tan irreverente como ella.
Dries (2017)
Dries Van Noten abre las puertas de su mundo creativo, mostrando su meticulosa visión estética, su relación con la naturaleza y la forma en que convierte lo íntimo en colecciones atemporales cargadas de poesía.
High and Low: John Galliano (2023)
John Galliano narra su ascenso meteórico y caída pública, recordando escándalos y su creatividad desbordante. Entre vulnerabilidad y genialidad, el documental expone la fragilidad detrás de uno de los diseñadores más influyentes.
Valentino: The Last Emperor (2008)
Valentino Garavani celebra su legado con glamour y dramatismo. Entre desfiles majestuosos, conflictos con su socio Giancarlo Giammetti y nostalgia, emerge la despedida de un emperador de la alta costura.
Diana Vreeland: The Eye Has to Travel (2011)
Con entrevistas y archivos, se revive la visión sin límites de Diana Vreeland, la editora que reinventó Vogue y Harper’s Bazaar, convirtiendo la moda en un espectáculo cultural y en pura provocación.
Wonder Boy (2019)
Olivier Rousteing, director creativo de Balmain, explora sus orígenes y su búsqueda de identidad. Entre la vida de celebridad y la vulnerabilidad humana, se revela un hombre que, a través de la moda, busca también pertenencia.
7 Days Out (2018)
Karl Lagerfeld y su equipo de Chanel trabajan contrarreloj para presentar una colección en el Grand Palais. El documental muestra la tensión, disciplina y creatividad que sostienen el espectáculo de la moda.
L’Amour Fou (2010)
Pierre Bergé revive su historia de amor con Yves Saint Laurent mientras subasta su colección de arte. Entre melancolía y devoción, emerge un retrato íntimo de la pareja y su legado compartido.
Catwalk (1995)
Christy Turlington es seguida durante una temporada de desfiles junto a Naomi Campbell y Kate Moss. El documental captura la adrenalina, los excesos y la fascinación de la moda de los años noventa.
The Boy Who Made Shoes for Lizards (2017)
Manolo Blahnik comparte su universo creativo con humor y sensibilidad. Con testimonios de Anna Wintour, Rihanna y amigos cercanos, se dibuja el retrato de un zapatero convertido en mito viviente.
Este mes, entre desfiles y estrenos, vale la pena hacer una pausa y mirar estos documentales de moda nos recuerdan qué hay más allá de las colecciones. La moda es memoria, expresión y pura inspiración.
Vivimos en una época en la que todo se mueve: las ideas, las personas, los trabajos, incluso nuestras rutinas. Y el diseño, como lenguaje que traduce cómo vivimos, está respondiendo a esa necesidad de movilidad. Cada vez más objetos, muebles y espacios se están pensando no para permanecer, sino para adaptarse, desmontarse, transformarse o acompañarnos a donde vayamos. No se trata solo de practicidad: es entender que el hogar, el trabajo o el descanso ya no tienen una dirección fija. El diseño nómada es una forma de vivir sin anclajes, pero sin renunciar al confort o la estética.
El diseño nómada surge como respuesta a un estilo de vida más flexible: desde freelancers que trabajan en distintos puntos de la ciudad hasta personas que viven en tiny homes móviles o quienes simplemente necesitan optimizar espacios cada vez más reducidos. Aquí, los objetos no son estáticos: se pliegan, se ruedan, se encajan o se transforman.
Minimalismo con propósito
El diseño nómada suele ir de la mano con una estética minimalista, pero no como estilo, sino como consecuencia. No se trata de tener poco por moda, sino por necesidad. Cada objeto debe cumplir más de una función, ocupar poco espacio y, si es posible, pesar lo menos posible.
Piensa en muebles plegables, textiles que se convierten en estructuras, maletas que son oficina, tapetes que también son sillas. El reto está en que, aún con esa flexibilidad, los objetos conserven una identidad estética clara. La levedad no implica despersonalización.
Sin embargo, no hablamos únicamente de los objetos: también los espacios están cambiando. Estudios móviles, casas modulares, pop-ups nómadas, oficinas que se instalan en donde haya red eléctrica y buena luz. El diseño nómada también propone que el entorno pueda armarse, desmontarse y moverse según la vida lo pida.
En muchos casos, este tipo de diseño nace de la necesidad, pero termina proponiendo una nueva forma de habitar: más ligera, más consciente, más dinámica.
Aunque muchas veces se asumen estas soluciones como algo transitorio, el diseño nómada no es necesariamente efímero. De hecho, lo que propone es que el cambio no sea una excepción, sino parte del plan. Un objeto que se adapta hoy también podrá hacerlo mañana. Y ese tipo de pensamiento es profundamente contemporáneo.
Diseñar para el cambio
El diseño nómada no busca que dejemos nuestras raíces. En cambio, propone que podamos moverlas si es necesario: que el espacio nos acompañe, en vez de obligarnos a quedarnos; que un objeto tenga sentido no solo por su función, sino por cómo se transforma.
En un mundo donde lo único constante es el cambio, tal vez el mejor diseño no sea el que permanece, sino el que se mueve con nosotros.
