Una de las características de la Ciudad de México es que en cada rincón te puedes encontrar con obras de arte de gente que se expresa utilizando las paredes de las calles como lienzo. Seher One creció en un barrio de la capital en donde desde pequeño, admiraba estas pinturas plasmadas en las paredes urbanas y se sentía atraído por los colores llamativos que las conformaban. Fue así como comenzó a experimentar dentro de su casa y poco a poco se fue adentrando al mundo del grafiti.
Más adelante, estudió Diseño y Comunicación Visual en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, con especialización en ilustración. Con el paso del tiempo, y con mucho trabajo y dedicación, sus obras comenzaron a ser reconocidas internacionalmente y lo posicionaron como uno de los artistas urbanos mexicanos más prometedores.
Hoy en día, los diseños coloridos y un poco surrealistas de este reconocido artista urbano decoran grandes muros en distintos puntos de la ciudad. De igual manera, ha participado en grandes proyectos internacionales, tales como su colaboración con la compañía de juguetes MediCom al producir una edición limitada de Bearbrick, con únicamente 1,000 piezas que se repartieron entre América y Asia.
¿Cómo comenzó tu pasión por pintar?
Empecé a pintar desde pequeño, como cualquier niño, siempre me gustaron los colores llamativos. Más o menos a los 13 o 14 años empecé a conocer el grafiti en algunos lugares del barrio en donde vivía y me sentí enganchado, me sentí atraído por ese tipo de cosas. En ese entonces dibujaba en mi casa, no pintaba en la calle, pero ese fue mi primer acercamiento, y eso despertó una gran curiosidad en mí. Después empecé a pintar un poco en la calle, ilegal, nada fuera de lo ordinario, ese fue mi primer acercamiento.
¿Por qué Seher One?
Realmente no tiene un significado como tal. Tomé la palabra Seher porque eran letras que se me hacían fáciles de escribir cuando pintaba por las calles. Y One es porque dentro del diálogo en las calles, cuando ponías tu nombre y después ponías “one” significaba que tú pintabas solo, que no eras parte de ningún grupo.
¿Cuál es tu opinión sobre el grafiti en México?
Soy muy respetuoso en ese aspecto. El grafiti como tal tiene su nacimiento, tiene su porqué, en la ilegalidad, en la protesta, en la lucha social, en la libertad de expresión y muchas otras cosas de ese tipo. No podría decir si está bien o está mal. Considero que tengo una opinión muy reservada y hay ciertos códigos que la gente que lleva mucho tiempo pintando respeta. A mí me gustan los lugares abandonados, los terrenos baldíos; me gusta pintar en lugares en donde no agredes a terceras personas. Eso es algo muy personal. Ahora no hago grafiti como tal, sino lo que hago es tratar de recuperar espacios públicos, tratar de transformarlos a través del color para que la gente pueda pasársela visualmente bien.
¿Cuál es la parte más difícil de ser artista urbano?
Una parte muy difícil es romper el miedo a la duda de si te va a salir bien o no. Son cuestiones técnicas que con el paso del tiempo, la disciplina y mucho trabajo vas superando. Pero lo más complicado es, una vez que tienes la técnica, tratar de aterrizar un estilo propio que pueda desembocar en un gran concepto, y que la gente pueda entender lo que estás haciendo; poder transmitir un mensaje potente a las personas. Más allá de decorar un muro y que quede bonito, lleno de color, creo que el muralismo debe de estar completamente enganchado a un concepto potente para que las personas puedan obtener la información de lo que quieres transmitir. Eso sería lo complicado, llegar a ese concepto.
¿A quién admiras?
A mucha gente. Cuando era un poco más joven crecí influenciado por la cultura de los 90, finales de los 80: muchas caricaturas, mucho anime, mucha animación. Admiraba a los productores de las caricaturas, cómo las hacían, cómo se formaban los trazos y demás. Después, con el paso del tiempo, conocí muchas películas y me sentí influenciado por Miyasaki y Murakami quienes encontraban un lenguaje propio utilizando una gran gama de colores.
Actualmente admiro mucho a mis contemporáneos, a gente que empezó a pintar al mismo tiempo que yo y que han encontrado la forma de llevar su trabajo a otros países. Esto también es una retroalimentación porque, a fin de cuentas, somos de la misma generación y valoro mucho la forma en la que lo han logrado. Sé lo mucho que han trabajado para eso y creo que el verlos pintar en todo el mundo es increíble.
¿Cómo eliges los colores de tus diseños?
Es algo un poco intuitivo. Empiezo pensando en un concepto y en una paleta de colores, después pienso en lo que quiero transmitir y qué es lo que quiero hacer, si quiero que sea algo más sobrio o algo alegre. Entonces empiezo eligiendo un par de colores, primario, secundario, terciario, y posteriormente, veo algún color que genere un contraste fuerte. De esta manera voy haciendo la composición de los colores. Antes lo hacía un poco más free style, ejecutando directamente en el muro. Ahora lo dibujo, lo coloreo en Photoshop y trato de imaginarlo para tener una visualización previa de lo que quiero hacer antes de plasmarlo en el muro.
Tienes obras llenas de distintos colores y otras que se rigen por un solo color, ¿le otorgas algún significado a los colores que utilizas?
De alguna manera, los colores son el reflejo de un estado de ánimo. No me refiero a que cuando pinte algo más sobrio esté triste, pero simplemente no quiero que toda la vida mi obra sea una pachanga de colores. De repente quiero usar una paleta de colores no tan contrastante, pero siempre me concentro en que la obra siga vibrando. Si los colores son un poco más neutros o insaturados, no quiere decir que no haya color. El color también existe y está presente, simplemente, en vez de ser algo súper vibrante, es algo más sobrio, pero la imagen sigue siendo muy potente.
¿Cómo se definen las tendencias de los colores para 2016?
Es algo muy complicado, es muy difícil decir en palabras algo que es muy visual. Necesitas ver la armonía de los colores para entenderlo. Hay muchísimas palabras que están detrás de todas estas paletas y fueron elegidas con muchos profesionales que, entre todos, fuimos desarrollándolas. Todas las paletas son independientes y son súper orgánicas. Algunas son muy futuristas, otras muy coloridas; cada una tiene su propia personalidad y a partir de ciertos conceptos fuimos desarrollando la paleta de colores hasta lograr la que obtuvimos.
¿Cuáles son los tres colores que no deben de faltar en tus diseños?
El rosa mexicano me gusta muchísimo, también el turquesa y el negro. Creo que siempre encuentro la forma de meter esos tres colores en mi obra.
¿Cuál es el proceso por el que pasas para crear un nuevo diseño?
Le doy bastantes vueltas al asunto. A veces me siento horas en el restirador dibujando muchas cosas y no llego a un resultado, y de repente, haciendo otras actividades, me llega un poco de luz y se me ocurre la idea de hacer un boceto, luego lo modifico y así sucesivamente. A veces me lleva muy poco tiempo y otras no encuentro la solución. No es un proceso exacto porque con cada proyecto es diferente, puede ser algo muy complejo o muy sencillo.
¿Cómo describes tu estilo?
Me gusta decir, o creer, que mi trabajo es muy dinámico, es algo que siempre está en constante movimiento, en evolución, en una transformación de la materia. Las cosas mutan, cambian y se transforman con el paso del tiempo, ese es uno de mis principales puntos de inspiración. El lenguaje principal de mi obra se basa en el cambio de la materia y la transformación.
¿Qué ha sido lo que más has aprendido de tu trabajo?
Una de las cosas que he aprendido es a resolver problemas en el momento, porque cada pared es diferente, cada una tiene su propio reto. Pero lo que más he aprendido es a trabajar rápidamente. He tenido que trabajar en grandes proyectos en otros países en solo 3o4 días, y no tienes el tiempo necesario como para meterte en problemas. Debes de ser muy preciso a la hora de hacer las cosas y eso me ha vuelto más rápido para imaginar y crear directamente lo que quiero hacer.
¿Tienes algunos proyectos en mente para realizar en un futuro?
Tengo muchos. Este año voy a Hawái a pintar en un festival muy importante que se llama POW! WOW! Luego regreso y me voy a Japón 15 días a una exposición. También tengo otro proyecto en Nueva Zelanda. Los viajes significan muchísimo trabajo, siempre son horas y horas de pintar, pero al final me la paso muy bien y conozco a mucha gente que me ayuda a enriquecer mi trabajo.
¿Cuál es la obra que más te ha retado?
Nunca es lo mismo, cada una en particular tiene sus retos. Ahorita estoy pintando unos muros de 80 metros que son de puro ladrillo, y la pintura no corre tan fácil como en una pared lisa. Ya llevo el 70% del proyecto hecho y me estoy adaptado a la textura. Los primeros días fueron súper complicados, pero luego te vas adaptando a la situación. Otras veces, los muros son muy altos y siempre hay vértigo, o pega mucho el sol, o son muy húmedos, o está lloviendo, etcétera. Cada uno es independiente y siempre tienen sus propios retos.
¿Cuál es la clave del éxito?
Como en cualquier otra disciplina, yo creo que la clave es el trabajo y la constancia. El conocimiento lo vas adquiriendo con el trabajo diario, eso te va volviendo un poco más profesional y te acerca a tener la mente clara de lo que quieres hacer. También es muy importante siempre mantenerte activo en lo que estás haciendo, nunca quedarte estancado mentalmente ni técnicamente, sino tratar de encontrar nuevos caminos, ser autocrítico y siempre tratar de superarte.
Si pudieras escoger algún artista con el cual colaborar, ¿quién sería?
Me gusta mucho el trabajo de Miyazaki, creo que es un gran maestro de animación y una gran influencia sobre toda una generación.
¿Qué consejo le darías a las personas que tienen una gran pasión por algún tipo de arte y quieren llegar a ser reconocidos internacionalmente?
El reconocimiento solo el tiempo lo puede dar. Yo creo que lo más importante es que la gente que se dedica a esa disciplina pueda reconocer tu trabajo. Me refiero a que otros artistas reconozcan tu trabajo como un buen trabajo, eso es una buena ganancia.
