El frío se apoderó de Nueva York, debido a los vientos polares cada vez más comunes, el día que me di la vuelta por el estudio de Josh Reames en Brooklyn, para poder entrevistarlo para este artículo. La conversación se tornó amena rápidamente, lo cual me ayudó a olvidarme de la temperatura. Empezamos a platicar sobre su primer solo show en México, titulado There’s Nothing That a Hundred Men on Mars Could Ever Do, organizada por Celaya Brothers Gallery.
El título de la exposición, que claramente es una referencia al éxito multi-generacional de la rola “Africa” de Toto, no tiene nada que ver con nuestra conversación, pero viéndolo en retrospectiva, tampoco lo tiene con la exposición. En una conversación entre Reames y el artista Henning Strassburger, la cual conforma el texto curatorial de esta muestra, Josh Reames comparte que, en su opinión, el objetivo del arte es crear algo que conecte elementos y referencias culturales totalmente ajenas, una a otra, fuera del control del creador.
El trabajo conceptual de Reames es una representación del consumo digital de signos, textos, imágenes y todo el imaginario cultural que absorbemos todo el día (o casi) por medio del internet y diferentes dispositivos. La abstracción de estos elementos es parte fundamental de su trabajo. Ver su obra es como estar navegando en internet y perderte en los diferentes links de la pantalla, sin un orden predeterminado, sin un objetivo específico; solo consumir lo que está frente a nosotros.
A decir verdad, esta conversación nos podría haber llevado a muchos lados, pero a diferencia de su trabajo, fueron estas preguntas premeditadas y estructuradas las que dieron pie a poderles compartir más sobre él.
¿Qué te inspiró a llevar la estética del internet a tu cuerpo de trabajo?
Me di cuenta de que el internet provocó un cambio fundamental en la forma en que consumimos imágenes e información; quise hacer pinturas que reflejaran eso.
¿Qué detona las ideas detrás de tus obras de arte?
Las imágenes e ideas en las pinturas suelen ser intuitivas. Vivo y trabajo en Brooklyn, por lo que estoy constantemente rodeado de ruido de todo tipo. Pintar es una forma de filtrar y reflejar todo eso. Es como cuando traes pegada una canción o una palabra, y la única forma de ejercitarla es escuchando la canción o escribiendo la palabra; creo que pintar es una forma de ejercitar la versión visual de eso, de ahí la naturaleza intuitiva del proceso.
He notado que tu trabajo se ha transformado en los últimos años. ¿Cómo ha cambiado? ¿Qué influye en ello?
Me he enfocado cada vez más en las cualidades pictóricas. Creo escenarios en los que no sé qué va a pasar, tomo decisiones intuitivas con colores y gestos, y tengo un acercamiento más irreverente en la construcción de las pinturas. Por un tiempo sentí que es- taba demasiado atado a la imagen que estaba creando y quería liberar las pinturas de cualquier tipo de mensaje digital didáctico.
Te mudaste de Texas a Nueva York.
La segunda mejor decisión que he tomado en mi vida. La energía de Nueva York es palpable e inspiradora.
¿Cómo ves el futuro del internet y qué piensas sobre la intersección de las tecnologías emergentes (inteligencia artificial, computación cuántica o nuevos materiales) y el arte?
Soy fan de Ray Kurzweil. Parece bastante probable que, quizá en lo que estamos vivos, haya algún tipo de convergencia entre la tecnología y la biología. Hay muchos avances emocionantes que ocurren constantemente con la nanotecnología, la inteligencia artificial, las capacidades de computación, la realidad virtual y el entendimiento de la función de la conciencia; nadie parece estar de acuerdo sobre cuál será el resultado, pero parece ser que cualquiera que sea la forma que tome la singularidad, va a ser un cambio de paradigma enorme en la forma en que existimos.
El arte y la pintura en particular, operan a un nivel completamente diferente. La pintura es esotérica y no requiere de nuevas tecnologías; en realidad no es tan diferente en la práctica como lo era hace 1,000 años. En lo personal prefiero separar la pintura de mis intereses en las tecnologías futuras, creo que me permite conectarme con algo que se siente muy humano.
¿Qué artista cambió tu percepción del arte?
Warhol y Rauschenberg. Ambos me mostraron, a mí y a todo mundo, que la cultura es contenido, tanto alto como bajo. Eso me impactó muchísimo en un nivel muy elemental.
¿Cuáles son tus planes para este año? ¿Y qué nos puedes contar de tu próximo solo show en México con Celaya Brothers Gallery?
Actualmente estoy en Miami, en la residencia Fountainhead terminando las obras para la exposición en CBG. La expo tendrá una nueva serie de pinturas y una nueva iteración de las esculturas de las fuentes que he hecho anteriormente. Además, tengo una exposición en Dallas en abril con Vernon Fisher que me emociona muchísimo.
¿Qué música escuchas en el estudio?
Mis gustos musicales ya no tienen ningún sentido. Normalmente escucho podcasts: drone, reggae, black metal, radio deportiva, afro-funk de los 60 y psychrock; todo en un mismo día.
Texto por: Victor Celaya
Fotos cortesía de Celaya Brothers Gallery.
