Cuartos que invitan a la calma, cocinas que abren el apetito, pasillos que parecen más largos de lo que son. Hay espacios que nos abrazan y otros que, sin razón, nos incomodan. ¿Qué los hace tan diferentes? El mobiliario importa, la iluminación también. Pero muchas veces, la respuesta está en algo casi invisible. Te contamos cómo funciona la psicología del color en interiores.

La psicología del color es, en esencia, el estudio de lo que los tonos nos hacen sentir. Y aunque suene abstracto, su influencia es radical. En interiores, el color no solamente decora: afecta cómo pensamos, cómo actuamos, cómo descansamos o incluso cómo conversamos. Diseñar con color es diseñar con emoción.

Cada color tiene un carácter

El color, sin decir nada, construye atmósferas.

• Azul: calma, concentración e introspección. Funciona donde se necesita pensar o descansar.
• Verde: frescura, equilibrio, naturaleza. Es el color que el ojo humano percibe con más facilidad.
• Amarillo: energía, luz, estímulo. En buena cantidad, puede activar la creatividad o levantar el ánimo.
• Rojo: urgencia e intensidad. En exceso, puede resultar cansado.
• Naranja: sociabilidad, calidez, conexión. Invita a quedarse y hablar.
• Morado: profundidad, lujo o misterio.
• Gris y negro: sobriedad, pausa, elegancia. También aislamiento si no se contrapesan.
• Blanco: amplitud, silencio, orden. Puede ser paz o vacío, según el contexto.

La función emocional

Diseñar con color es preguntarse: “¿qué quiero que se sienta en esta habitación?” Los colores deben acompañar la función emocional del lugar. 

De acuerdo a la psicología del color en interiores, en dormitorios, por ejemplo, convienen tonos que bajen el ritmo: azules, arenas, neutros suaves. En zonas sociales, acentos cálidos como terracotas, cobres o mostazas invitan al encuentro. En espacios creativos, el contraste y los colores vivos pueden activar ideas. Por otra parte, cuando se trata de cocinas o baños pequeños, los tonos claros expanden la percepción.

Y, sin embargo, todo esto tiene una variable esencial: el contexto. El color también es cultura y memoria. El blanco es pureza en un país y luto en otro. Un tono puede evocar infancia, un viaje, un trauma, una sensación física. Diseñar con color también es diseñar con historia personal. No basta con seguir fórmulas: hay que observar no solo lo que el color parece, sino lo que evoca.

En un mundo saturado de imágenes, el verdadero diseño no solo entra por los ojos: entra por el cuerpo. Un buen interior no es el que se fotografía bien, sino el que transforma tu estado de ánimo sin que sepas por qué. Y ahí, el color es protagonista.

Diseñar con color es hacer arquitectura emocional. Es dejar que los muros susurren lo que las palabras no alcanzan a decir. Es construir atmósferas que, sin darnos cuenta, se convierten en estados internos. Porque al final, habitarnos también es una cuestión cromática.

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El río Thu Bon ha dejado de llegar al mar como lo hacía antes, cuando abría el pasaje a los barcos comerciales que entraban hasta el puerto fluvial de Hoi An. Ahí confluían comerciantes vietnamitas, chinos, japoneses, indios y europeos, muchos de los cuales se establecieron y recrearon un rincón de sus lejanos hogares con templos chinos, puentes japoneses y lugares de comida francesa. Con el paso de los siglos, el río ha acumulado arena y los grandes barcos de los comerciantes ya no pueden entrar, por lo que el puerto ha quedado detenido en el tiempo. Sin embargo, se conserva la ciudad, con sus calles alineadas a lo largo del río y perfiladas con hermosas casas de madera, esperando el despertar que traerá la llegada del turismo.

Cuando llegué por primera vez a Hoi An, era un pueblo casi fantasma, en donde se sentían las vibraciones de las almas del pasado y de los tiempos de guerra. Hoy en día, Hoi An ha crecido, pues las construcciones desbordan sobre las tierras donde antes los arrozales absorbían el cielo. Estos arrozales han retrocedido, pero rodean la ciudad como un ángel de la guarda o un espejo que refleja el paso del tiempo. A pesar de su crecimiento, Hoi An conserva su magia. Sus habitantes se han acostumbrado a ver las caras blancas y los grandes ojos de sus visitantes, mientras que sus calles invitan a descubrir el encanto de sus casas y templos antiguos.

Recorrí la calle que vadea el río y descubrí que lo que era un palmar en la orilla, ahora es un pueblo nuevo, con un ambiente vibrante que va perfectamente con el baile de las redes de los pescadores sembradas en el agua. Los thùng chai, pequeños barcos redondos, son las embarcaciones típicas de los pescadores y navegan como canastas flotando en el río Thu Bon, centro neurálgico de la ciudad aunque ya no es lo suficientemente profundo como para permitir el paso de embarcaciones mayores.

Una leyenda vietnamita cuenta que el río sufrió las diversas inundaciones y desastres naturales de la zona. Dice que un terrible monstruo, cuya cabeza estaba en la India, su cola en Japón y su cuerpo en Vietnam, fue el culpable de todos estos desastres. Cada vez que el enorme monstruo se movía, un terremoto o una inundación asolaban la región. Por eso, los barcos dejaron de entrar en el río y solo las lanchas de los pescadores se aventuran temerosamente en sus aguas.

En el mercado me encontré con los productos de la pesca, las verduras de los campos y los típicos sombreros cónicos. El ambiente brillaba y las risas se mezclaban con las ofertas del día. Los sabores antiguos y tradicionales se unían a las influencias chinas, japonesas y francesas.

Al continuar paseando por las calles, noté que los edificios han sido perfectamente preservados y no se permite el uso de coches para no alterar esa armonía. Pasé por el puente cubierto japonés, ícono del pasado mercantil de Hoi An, construido por los comerciantes nipones al final del siglo XVI para unir el barrio japonés al oeste con el barrio chino, al este. Se construyó de madera y piedra, con una fachada rojiza y tejas grises para cruzar el afluente del río Thu Bon. El puente es una joya arquitectónica, único en su tipo, encantador y romántico, donde los vietnamitas se van a tomar sus fotos de boda. En su interior de madera pude admirar los farolillos típicos de Hoi An y los guardianes de piedra, perros en un extremo y monos en el otro, así como su altar que data de 1719. Aquí lo llaman Lai Vien Kieu, que significa “el puente de la lejanía”, y se considera místico y venerable.

Después llegué a la sala de asambleas cantonesas Quang Dong, construida en 1786 por comerciantes y marineros, y cuyo nombre proviene de la provincia china Guangdong. Su arquitectura exterior se asemeja más a una pagoda o un templo de Hue, la antigua capital imperial muy cercana, y es el lugar de veneración del guerrero Quan Cong y de la diosa del mar, Thien Hau.

Para conocer más de esta ciudad mágica, acudí al Museo de la Cultura Sa Huynh, con su colección de vasijas funerarias de más de 2,000 años de antigüe- dad, y la casa de Phung Hung, residencia durante más de ocho generaciones de una de las familias más ricas de la ciudad, cuyo negocio se centraba en madera, especias, seda y porcelana. También llegué a Tan Ky, la casa más famosa de la ciudad que conserva la arquitectura tradicional del siglo XVII. La casa de Quan Thang es ahora una tienda que también pude visitar, y la capilla de la familia china Tran, muy in- fluyente en Vietnam, es un altar para honrar a los antepasados dentro de la casa.

El tiempo pasa lentamente en Hoi An y lo disfruté cada instante. Decidí ir en coche al santuario My Son, un conjunto de templos hindúes en ruinas, situados a unos 40 kilómetros de Hoi An. My Son es un yacimiento arqueo- lógico levantado entre los siglos IV y XIV por los reyes Champa, un antiguo reino hinduista que gobernó la región central de Vietnam, perteneciente a la cultura cham. Llegó a erigir más de 70 templos, pero ahora solo que- dan algunos en pie.

Al día siguiente, tomé mi bicicleta, mi compañera dentro del pueblo, y anduve por los arrozales acariciados por el sol. Visité un pequeño puerto pesquero en el que descubrí algunas peculiaridades de los pescadores vietnamitas, entre ellas que todos pintan unos ojos en la parte delantera de sus barcos, pues creen que eso les protege de los monstruos y espíritus del agua.

En los arrozales me enseñaron que del arroz se aprovecha todo. Además del grano, se obtiene la base del popular banh dap, una masa de arroz molido cocinada en un horno de leña y que se come acompañado de alguna salsa. Del arroz se obtiene también licor, una bebida fortísima que muchos vietnamitas preparan en sus casas.

En mi visita, alcancé la playa de Hoi An con sus aguas cristalinas, arena blanca y un cli- ma tropical, a veces con olas y a veces sin, siempre desiertas en el día y abarrotadas durante la noche. Esto se debe a que el ideal de belleza en Vietnam es la piel blanca, razón por la cual el pueblo vietnamita en general y las mujeres en particular, evitan el sol a toda costa.

Las artesanías también son parte importante de la cultura en Hoi An. Caminando por el casco antiguo de la ciudad, encontré una multitud de pequeñas tiendas, alojadas en estrechas casas de dos plantas, en donde puedes comprar vestidos de seda, trajes, pinturas, cuadros y demás artesanías. Y hablando de artesanías, probablemente lo más llamativo de Hoi An sean sus farolillos de colores, únicos en Vietnam. Estos farolillos alumbran la ciudad al caer la noche, con su color rojo por excelencia, ya que en la cultura vietnamita significa alegría y lealtad.

LAS MONTAÑAS DE MÁRMOL DE DANANG

Tras visitar Hoi An, seguí mi camino hacia las montañas de mármol. Este grupo de cinco montañas, llamado Ngu Hanh, se levanta entre Hoi An y Danang, y es un lugar muy popular de retiro espiritual y peregrinaje. Cada una de las montañas representa alguno de los cinco elementos: Hoa Son (montaña de fuego), Kim Son (montaña de metal), Tho Son (montaña de tierra), Thuy Son (montaña de agua) y Moc Son (montaña de madera).

Cuando llegué, me impresionaron esos picos de 500 metros de altura que se levantan de manera irracional sobre la planicie. Albergan varias pagodas budistas, restos de la civilización champa y unas cuevas naturales en el interior de las montañas, formadas por la erosión, el agua y el paso del tiempo.

Thuy Son o “montaña de agua” es la montaña más grande, con varias cuevas, cavernas, pago- das y dos miradores con unas vistas espectaculares de la ciudad de Danang y la costa con el mar de China al fondo. Forma- da a su vez por tres picos rocosos con una disposición similar a las estrellas de la Osa Mayor, la montaña está dominada por el pico más grande llamado Tam Thai, que da nombre a la pagoda que allí se levanta. Fascinado por el escenario, subí por el camino situado al oeste de la montaña, compuesto de 156 peldaños, mientras que el camino del este tiene solo 108. Además, desde el año 2011 está en funcionamiento un elevador que facilita el ac- ceso de visitantes y peregrinos.

En lo alto de la montaña Thuy Son, además de los impresionantes miradores, descubrí la cueva Linh Nham, en la que unos orificios en las pare- des dejan pasar rayos de luz, creando un efecto espectacular en el interior. También visité la pagoda Tam Thai, templo que data del año 1630, y la preciosa pagoda Linh Ung con su torre Xa Loi. Me aventuré en la cueva Huyen Khong, con un inmenso altar excavado en piedra, y finalmente alcancé la cueva Am Phu, conocida con el sobrenombre de “cueva del infierno” por su empinada entrada que, se dice, desciende desde el cielo al infierno. En el interior de Am Phu, me dejé sorprender por las estatuas y representaciones de esqueletos, demonios y otras escenas propias del infierno budista.

Por otro lado, la montaña Moc Son o “montaña de madera” es la única que no posee pago- das ni cuevas, y no está abierta para visitar. Mientras que la montaña Kim Son o “montaña de metal”, ubicada a orillas del río Co Co, tiene una pagoda y es una cueva misteriosa, Quan Am, por las extrañas y sugerentes formas que componen las estalactitas y estalagmitas, que los locales asemejan a figuras de Buda y dragones.

En Hoa Son o “montaña de fuego” transcurrían dos ríos de la cima hasta la playa, y se dice que formaban el símbolo del yin-yang, otorgando paz y armonía al lugar. Aquí visité algunos restos de la civilización champa, así como la pagoda Pho Da Son, un pequeño templo que conserva un recuerdo de la visita que el emperador Minh Mang realizó a la ciudad para reunirse con su hermana, la princesa Ngoc Lan, quien solía frecuentar esta pagoda. Se trata de una inscripción grabada en piedra que data del siglo XVIII.

Por último, Tho Son o “montaña de tierra” es la más pequeña del grupo, formada por arcilla y mármol. La civilización champa utilizó esta montaña como cuartel, del que solo quedan ladrillos rojizos. Con una irregular forma rectangular, la imaginación vietnamita dice que esta montaña se asemeja a un dragón dormido. Visité un túnel utilizado en la guerra contra los franceses y contra los americanos, además de la pagoda Long Hoa, construida en el año 1992. Muy cerca de allí, hay una columna de roca de 30 metros de altura que los religiosos asemejan a Buda.

Finalmente llegó el momento de partir. El alma llora cuando se tiene que abandonar un lugar tan acogedor, donde me sentía a gusto, arropado por gente encantadora. Pasear por los callejones, hablando con las señoras que habían vivido la colonia francesa, las guerras y la nueva vida tranquila, fue una maravillosa experiencia, un libro enriquecedor que me transportó en el tiempo. Hoi An quedará en mi mente como un hogar, un paraíso en un país que siempre me recibe como hijo suyo.

CUÁNDO IR

Durante todo el año, pues el clima tropical permite estar a gusto. En el verano hay lluvias al final del día.

CÓMO IR

Hay vuelos desde Siem Reap, Camboya, o desde Hanói y Ho Chi Min, en Vietnam.

TRAVEL QUEST

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www.travelquest.com.mx  www.hfluxurytravel.com

Texto y fotos por Patrick Monney

Estilos distintos, pero el mismo orgullo por sus raíces. De Chicago a París y de Italia a Londres, estos cuatro chefs mexicanos han llevado el alma de la gastronomía nacional a lo más alto de la industria, siguiendo un camino marcado por estrellas Michelin y menús que mezclan técnica, herencia y autenticidad.

Reconocida como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la Unesco, la gastronomía mexicana ha resaltado a nivel mundial desde hace años. Sin embargo, actualmente vive un momento de expansión y reconocimiento sin precedentes. Su riqueza cultural, profundidad histórica y versatilidad han inspirado grandes cocinas del mundo, sin necesariamente ser tradicionales.

Carlos Gaytán

Originario de Huitzuco, Guerrero, Gaytán fue el primer chef mexicano en recibir una estrella Michelin con su restaurante Mexique, en Chicago. Su cocina refleja una fusión elegante entre la tradición mexicana y la técnica francesa, pero sobre todo una representación comestible de la migración con México en el alma. Hoy lidera Tzuco, también en Chicago, donde continúa explorando sus raíces mexicanas con una visión moderna y emocional.

¿Qué huella emocional deja México en tu cocina?

Cada vez que entro a la cocina, llevo conmigo el aroma del comal caliente, el sonido del cuchillo sobre la tabla de madera y la voz de mi madre cantando mientras cocinaba con el alma. La cocina mexicana me formó mucho antes de que entendiera lo que era ser chef. Aprendí a transformar lo sencillo en algo extraordinario y, sobre todo, que cocinar es un acto de amor, de entrega y de resistencia.

Cuando crucé la frontera y comencé desde abajo en cocinas que hablaban otros idiomas, México fue mi refugio y mi brújula. Hoy, cada plato que creo es un puente entre mis raíces y el mundo. 

Después de tantos años cocinando fuera de México, ¿hay algún sabor, ingrediente o gesto culinario que sigas preservando como una forma de mantener viva tu raíz?

Algo que nunca ha cambiado en mi cocina es el respeto profundo por el sabor auténtico de mis raíces. Hay ingredientes que llevo conmigo como si fueran un pedazo de casa. El maíz, por ejemplo, no es solo un grano, es mi historia. Cuando uso masa nixtamalizada, cuando un aroma a tortilla caliente se escapa en medio de una cocina de alta gama, siento que mi madre entra conmigo.

Más allá de ingredientes, lo que preservo es el gesto, la intención con la que cocinamos en México y eso, para mí, es mantener viva la raíz en lo más profundo de lo que un plato puede transmitir.

Tras llevar la cocina mexicana a las grandes ligas de la gastronomía mundial, ¿qué significa para ti representar a México en el extranjero, más allá de los platillos?

Es una responsabilidad que llevo con el alma, porque sé que cada vez que me paro frente a una cocina, a una audiencia o a un comensal, estoy contando la historia de mi país.

México no solo se representa con un mole o con un buen chile, se representa con valores, con el trabajo duro, con la calidez humana, con la pasión que ponemos en lo que hacemos. En cada paso que he dado fuera de mi país, he llevado conmigo el espíritu del mexicano que transforma la adversidad en fuerza.

Me interesa inspirar con verdad, mostrar que la cocina y el alma mexicana, pueden estar a la altura de cualquier escenario del mundo, sin perder su esencia. Ser mexicano en el extranjero es levantar la cara, el corazón y las manos, y decir: esto es México y esto soy yo.

IG. @chefcarlosgaytan

Karime López

Reconocida como la primera chef mexicana en obtener una estrella Michelin gracias a su trabajo en Gucci Osteria da Massimo Bottura, en Florencia. Karime López cuenta con una experiencia en cocinas de alto calibre como Pujol y Central. La chef, originaria de Querétaro, ha sabido combinar precisión, arte y raíces mexicanas en una propuesta que desafía fronteras culinarias y de género.

¿Cuál ha sido el desafío más grande que has tenido que enfrentar para perseguir tu carrera en el extranjero?

Trabajar en diferentes países —México, Japón, España, Italia— me enfrentó a culturas culinarias muy distintas. No fue fácil adaptarme: hubo barreras de idioma, de ritmo, de expectativas. Pero decidí abrazar cada experiencia con humildad y curiosidad. Aprendí a escuchar, a observar, a dejarme transformar sin perder mi esencia.

Ser mujer en la alta cocina también ha sido un reto. Muchas veces sentí que tenía que demostrar el doble para ser tomada en serio, pero en lugar de dejarme vencer, usé esa presión como impulso.

Como la primera chef mexicana en recibir una estrella Michelin, ¿qué responsabilidad sientes al ser un referente para otras mujeres en la alta cocina?

Implica una responsabilidad ética y emocional. En un ámbito históricamente dominado por figuras masculinas, mi presencia busca ser una invitación a que más mujeres se reconozcan como legítimas protagonistas de sus propias narrativas culinarias.

Asumo este papel con humildad, pero también con determinación. Porque cada plato que creo lleva implícito un mensaje: que la excelencia no tiene género, pero sí raíces y las mías están profundamente ancladas en la tierra fértil de México y en la fuerza silenciosa de las mujeres que me precedieron.

Desde tu trinchera, ¿cómo percibes la evolución en la escena internacional de la gastronomía mexicana?

Puede verse como un reflejo de algo más amplio, que es el reconocimiento y la valorización de las culturas culinarias tradicionales en un mundo cada vez más globalizado.

La gastronomía mexicana puede interpretarse como un diálogo entre el pasado y el presente. La cocina tradicional ahora encuentra un nuevo tiempo y espacio en el que se celebra y reinterpreta. La evolución de la visibilidad de la gastronomía mexicana es un testimonio de la resiliencia cultural, la riqueza histórica y la capacidad de la cocina para conectar a las personas a través del tiempo y el espacio.

IG. @karylmt

Santiago Lastra

Originario de la Ciudad de México, Lastra es el chef detrás de Kol, restaurante en Londres galardonado con una estrella Michelin apenas a un año de su apertura. Autodidacta y con un impulso por explorar el mundo, trabajó en cocinas de más de 30 países antes de los 30 años, incluyendo el Noma México junto a René Redzepi. Su cocina fusiona ingredientes británicos con técnicas y sabores mexicanos y su enfoque combina investigación profunda, métodos modernos y una sensibilidad cultural que convierte cada plato en un homenaje a la identidad mexicana.

En Kol trabajas con ingredientes británicos para recrear sabores mexicanos. ¿Qué descubres de México cuando lo cocinas desde lejos?

Te das cuenta de los pequeños detalles y de que lo que se nos hace fácil en México es en realidad muy difícil de hacer tan lejos, cosas que parecen tan sencillas como tener masa de maíz, aquí las tienes que hacer desde cero. 

Tu cocina parece desafiar los límites de lo que consideramos “auténtico”. ¿Crees que la autenticidad es una receta o una intención?

Definitivamente, una intención. Creo que la cocina mexicana tiene mucha influencia de ingredientes y preparaciones de todo el mundo y la tradición ha sido innovación en algún momento. La cocina mexicana, como todo en México, tiene una evolución y lo que hacemos aquí es inspirarnos en sus sabores haciendo una cocina muy personal, que mantiene el alma mexicana, pero no necesariamente recetas tradicionales.

Desde que obtuviste la estrella Michelín, ¿qué retos te ha planteado mantener o superar ese reconocimiento?

La estrella Michelin es un reconocimiento a la consistencia, es un sello de calidad que conlleva una responsabilidad de nunca comprometer nuestros estándares y es un constante trabajo en equipo. No importa qué tan buenas sean las recetas, los platillos o el restaurante, sin un equipo capaz y motivado es imposible mantener ese nivel.

IG. @santiagolas

Indra Carrillo

Procedente de la ciudad de Cancún y con una trayectoria que abarca algunas de las cocinas más reconocidas de Europa, como Le Meurice y Arpège en París, Indra Carrillo es poseedor de una estrella Michelin con su restaurante La Condesa en el corazón de la capital francesa. Su cocina, libre y poética, se inspira en sus recuerdos de México, combinados con técnicas europeas, lo que resulta en un enfoque profundamente personal y refinado.

¿Cuál es el reto de representar la gastronomía mexicana en escenarios internacionales?

El reto es dar lo mejor de mí, siendo auténtico conmigo mismo. Me alegra ser capaz de mostrar en distintos escenarios internacionales algunos de los valores de nuestra cultura, como el esfuerzo, la dedicación y el espíritu de servicio que nos caracterizan. Es un reto también proponer una cocina que sintetiza mi trayectoria profesional en más de nueve países, trabajando con grandes maestros y empapándome de las distintas culturas culinarias, expresando simultáneamente mis raíces mexicanas. 

Además de representar una identidad cultural de gran variedad y riqueza culinaria, mi propuesta, de alguna manera, rompe estereotipos culturales al ofrecer una cocina innovadora y multicultural.

¿Qué papel juega la intuición en tu proceso creativo?

Podría pensar en la inspiración que surge espontáneamente durante el proceso creativo, cuando estoy totalmente presente con todos mis sentidos, es mi voz interior, es una conciencia de testigo, es saber algo desconocido, es estar alerta, es un sentimiento de confianza y curiosidad en lo que surgirá. Así mismo, la intuición es fruto del estudio, de la repetición y del perfeccionamiento de la técnica. En ambas circunstancias juega un papel muy importante: como una inspiración espontánea y como una habilidad desarrollada.

¿Cómo logras equilibrar la técnica sofisticada y artesanal con la innovación en tus platillos?

La técnica está al servicio de los ingredientes, ya sea para resaltarlos, contrastarlos o integrarlos en platillos que deleiten a los comensales. El propósito de innovar es experimentar dando nuevos matices. Atreverse a extender los límites con una mezcla de audacia y prudencia hasta lograr un menú de excelencia.

IG. @indra_cp

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Cuando pensamos en una distopía audiovisual, imaginamos ciudades oscuras, tecnología invasiva y entornos caóticos. Pero Severance, la serie de Apple TV+ dirigida por Ben Stiller y creada por Dan Erickson, apuesta por lo contrario: lo monstruoso está en lo perfectamente ordenado. 

¿Qué pasaría si pudieras separar tu vida laboral de tu vida personal literalmente? Este corte mental también ocurre visualmente: el espacio está diseñado para borrar todo rastro de individualidad. 

Cada decisión de diseño funciona como metáfora del control absoluto. El diseño del espacio está lleno de referencias al modernismo corporativo de los años sesenta y setenta: techos bajos, luces blancas, alfombras mullidas, escritorios modulares. Pero el resultado no es nostálgico: es asfixiante. Nada destaca, todo se repite. El espacio no tiene identidad y eso es intencional.

Uno de los elementos más intensos de Severance es su paleta cromática. Predominan los verdes institucionales, los beiges, los grises azulados. Todo remite a una estética sin alma con ajustes en los colores. El resultado es una superficie que parece falsa, como si el mundo fuera un render mal hecho.

Además, la serie utiliza la famosa proporción 60‑30‑10 del diseño de interiores: un color dominante ocupa el 60 % del espacio; un secundario, el 30 %; y un acento, el 10 %, para equilibrar visualmente cada toma. Es una fórmula que transmite orden, pero también rigidez. Nada está fuera de lugar. Todo está diseñado para controlarte.

Cada encuadre de Severance es una lección de teoría visual. Las líneas rectas, las repeticiones, los colores planos y la falta de ventanas o reflejos construyen una atmósfera anestesiada. Los personajes se convirtieron piezas dentro del sistema visual. Cada episodio mantiene una coherencia cromática casi quirúrgica. Esto no solo demuestra el nivel de control visual, sino cómo el color funciona aquí como narrativa emocional.

En Severance, el diseño no busca agradar. No hay detalles personales, no hay objetos decorativos, no hay alma; y eso es lo que genera incomodidad. El minimalismo aquí no es estilo: es sistema de opresión. Lo que debería facilitar el trabajo (el mobiliario, el orden, el espacio) se convierte en parte del castigo. Es el diseño convertido en estructura ideológica.

Más allá del guion o los diálogos, la serie funciona gracias a su dirección de arte. Todo en la serie —la luz, la proporción, el color, el vacío— colabora para que sientas lo mismo que sus protagonistas: desconexión, despersonalización y claustrofobia. 

En una era donde muchos diseñan espacios para emocionar o inspirar, Severance se atreve a mostrar cómo el diseño también puede suprimir, controlar o desaparecer. Y eso la convierte no solo en una gran serie, sino en una crítica visual de la vida corporativa que habitamos más de lo que creemos.

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La región árida de Arizona es también territorio de abundancia culinaria. Gracias a la diversidad de sus comunidades y a la riqueza de su entorno natural, Tucson ha sido reconocida por la Unesco como Ciudad Creativa de la Gastronomía. Aquí, la comida es una forma de expresión cultural que nace en gran medida de la herencia inmigrante, dando lugar a una mezcla de tradiciones mexicanas y nativas americanas.

Frutos desérticos

Lo más común es considerar las regiones desérticas como territorios sin vida, pero el desierto de Sonora, conocido también como el más verde y húmedo del planeta, prueba ser la excepción a la regla. Por años, sus tierras han sido las responsables de dar vida a los cultivos e ingredientes que forman los pilares de su cocina, una tradición o práctica que, en lugares como Mission Garden, conocido también como el museo agrícola vivo de Tucson, se han llevado a cabo de manera continua durante 4000 años.

Comenzando por algunos ingredientes autóctonos de América, como el maíz, los frijoles, chiles chiltepín, calabazas, jitomates, agave y pimientos, sumados a los traídos por los colonos: higos, granadas, naranjas agrias, lima, trigo y hierbas mediterráneas hacen que la segunda ciudad más grande del estado de Arizona sea una constante celebración culinaria de la mesa bien servida, gracias a mercados, jardines comunitarios, cocinas de migrantes, cooperativas de semillas y restaurantes que entienden el acto de cocinar como una forma de identidad y convivencia.

Memoria y delicias

Antes de integrarse a Estados Unidos en 1854, Tucson ya era un punto de encuentro multicultural. Hoy, su cocina, marcada inicialmente por la herencia mexicana, con el tiempo ha incorporado influencias europeas y asiáticas. 

Desde tamales hechos con maíz, emparedados y paellas, hasta pizzas y tacos reinterpretados con plantas del desierto, cada platillo de esta ciudad cuenta una historia de travesía, origen y visión hacia el futuro. 

Gracias a esta unión entre culturas, geografía e historia, Tucson preserva tradiciones culinarias y las proyecta con autenticidad. Su gastronomía es un acto de memoria y creatividad comunitaria, pero, sobre todo, una invitación a redescubrir lo que el desierto tiene para ofrecer al viajero curioso y conocedor. 

Dónde probar los sabores de Tucson

Agustin Kitchen

IG. @agustinkitchen

D. 100 South Avenida del Convento Ste 150, Tucson

Bata

IG. @batatucson

D. 35 E Toole Ave, Tucson

Arizona Inn

IG. @arizonainn

D. 2200 E Elm St, Tucson

Anello

IG. @anello_pizzeria

D. 222 E 6th St, Tucson

Locale Neighborhood Italian

IG. @localetucson

D. 60 N Alvernon Way, Tucson

Recorrer el desierto de Arizona es una forma de afinar la percepción. Desde la energía vibrante de Sedona hasta el vértigo tectónico del Gran Cañón, atravesamos escenarios de una imponente fuerza geológica y espiritual. En este trayecto, cada parada devela su propio encanto, tal y como si el desierto hablara una lengua extraña que se va comprendiendo a cada paso.

Durante días, el terreno cambia bajo los pies: la roca se enciende al sol, los cactus se estiran hacia el cielo como antenas ancestrales, el agua reaparece donde nadie la espera y el horizonte se abre. Más allá de su cercanía geográfica, lo que une a cada uno de estos lugares es la forma en que resuenan con quien los recorre. 

Sedona: epicentro de fuerzas invisibles

Este enclave al norte de Arizona no solo fascina por sus formaciones en rocas rojizas, sino por el misterio que las habita. Monolitos como Cathedral Rock, Bell Rock y Courthouse Butte emergen como templos naturales en un paisaje que muta con la luz y parece hecho para sintonizarse con un tiempo ancestral. 

Antiguo territorio de los sinagua, Sedona conserva inscripciones rupestres, ruinas ceremoniales y una herencia espiritual que vive en cada sendero. Aquí se habla de vórtices energéticos, pero más allá del mito, lo cierto es que algo se siente: una vibración que acompaña la caminata como un pulso interno. Devil’s Bridge y Boynton Canyon no son solo rutas escénicas, son rituales al aire libre donde el cuerpo se alinea con la tierra.

Saguaro National Park: templo del silencio 

Cerca de Tucson, el desierto cambia de registro. Saguaro National Park es otro lenguaje: el del silencio seco y la verticalidad quieta. Aquí domina el saguaro, ese cactus monumental que vive más de 150 años y pesa hasta diez toneladas. Con sus brazos alzados, parece una figura que observa, espera, resiste.

Dividido en dos distritos, Rincon y Tucson Mountain, el parque ofrece rutas para todos los niveles. Algunas llevan a petroglifos milenarios, como Signal Hill ; otras elevan la caminata desde el desierto a la montaña, como Douglas Spring. Más allá del esfuerzo físico, Saguaro se impone como una experiencia atmosférica: la sombra de un cactus, el zumbido del calor, la flor que se abre de noche. Es un lugar que no habla, pero deja huella.

Sabino Canyon: el desierto y el agua

Al noreste del paisaje desértico de Tucson, este paraje surge como una pausa: un corredor verde que corta el desierto con líneas de agua. Formado por la erosión de las montañas Santa Catalina, el cañón conserva arroyos, cascadas naturales y senderos donde el agua marca el ritmo. Seven Falls Trail y Bear Canyon Trail revelan paisajes inesperados donde habitan los álamos y las paredes de granito rosa.

Aquí Arizona se camina distinto: con la humedad en la piel, el sonido del agua como guía y la vegetación como estaciones de descanso. En medio de un entorno seco, Sabino es sombra, es donde el cuerpo se refresca y el trayecto se vuelve suave.

Gran Cañón: el abismo como forma de claridad

Nada te prepara para el Grand Canyon. Más de 440 kilómetros de longitud y 1,800 metros de profundidad van revelando dos mil millones de años geológicos con cada capa de roca. Desde el South Rim parten rutas como Bright Angel y South Kaibab, donde el hiking se convierte en ejercicio de humildad. Descender es fácil; volver, exigente. Pero cada paso es una lección: sobre escala, sobre tiempo, sobre cuerpo. Este no es solo un parque nacional; es un umbral. Un lugar donde el mundo se expande y uno, inevitablemente, se reduce. No como pérdida, sino como claridad.

Caminar Arizona es escribir con los pies sobre roca, sobre polvo, sobre agua. Es pasar del vértigo a la calma, de la exposición al recogimiento. Sedona despierta, Saguaro escucha, Sabino refresca y el Grand Cañón revela. No es una ruta pensada para completarse. En cambio, es una ruta para transitar con intención. En este viaje, el cuerpo avanza y la mente se queda admirando.

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A 25 años de Amores perros, el cineasta mexicano presenta una instalación inmersiva que explora el eco emocional y visual de su ópera prima. Un homenaje sensorial de LagoAlgo al celuloide, la memoria y la ciudad, titulado Sueño Perro.

Cuando la cinta mexicana se estrenó en el año 2000, no solo marcó el debut de Alejandro González Iñárritu como director, sino que irrumpió en la escena cinematográfica mundial. Cruda, violenta y emocional, la película que entrelaza tres historias se convirtió en un referente del cine contemporáneo y marcó el inicio de una nueva generación de cineastas mexicanos que ha conquistado Hollywood.

Exposición y celebración

La exposición Sueño Perro llega a LagoAlgo como un homenaje que busca mantener vivo el legado de la cinta, recopilando el material fílmico inédito que fue descartado y archivado por la producción. Se trata de un conjunto de viñetas crudas que capturan realidades que hoy en día siguen siendo relevantes, pero que a su vez honran la materialidad del cine en 35 mm, con su grano físico, parpadeo y calidez.

Como parte de la experiencia, los asistentes recorren un laberinto tenuemente iluminado por proyectores análogos, que transmiten continuamente fragmentos de Amores perros, acompañados de una banda sonora especialmente diseñada para la instalación, generando una inmersión en la película.

“Más de un millón de pies de cine quedaron fuera en el cuarto de edición. Con motivo de su aniversario, sentí el deseo de regresar y explorar estos fragmentos abandonados. Esta instalación no es un tributo sino una resurrección, una oportunidad para ver y experimentar lo que nunca fue”.

Alejandro González Iñárritu

La experiencia

Carolina Alvarez-Mathies, directora artística de LagoAlgo, ha señalado que esta vivencia sensorial es “una invitación a involucrarse con un legado vivo que transformó el lenguaje narrativo del cine” y que sigue resonando hasta ahora. Prueba de ello fue la presentación de la nueva restauración 4K de la película en Cannes, que tuvo lugar a inicios de este año.

Para acompañar este aniversario cinematográfico, el lanzamiento global del libro conmemorativo —con el mismo título que la película—editado por Mack, ofrece una mirada detrás de cámaras del rodaje, con fotografías inéditas del set, notas manuscritas, así como storyboards, un texto de Fernando Llanos, nuevos escritos del propio director y colaboraciones de los ganadores al Óscar Denis Villeneuve y Walter Salles, además de los escritores Jorge Volpi y Wendy Guerra, así como del crítico de cine Elvis Mitchell.

Haciendo eco del impacto mundial de la película, Sueño Perro también se presentará en Fondazione Prada, Milán del 18 de septiembre 2025 al 26 de febrero 2026 y en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA) en la primavera de 2026.

La exposición estará disponible del 5 de octubre de 2025 al 4 de enero de 2026. Para asistir, deberás registrarte en lago-algo.mx próximamente.

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Desde 2017, Hublot ha recorrido las playas más exclusivas de Mediterráneo persiguiendo con su energía los lugares donde el verano nunca termina, como Mykonos, Grecia. Justo en este spot, Usain Bolt, el hombre más rápido del mundo y embajador de la firma relojera, presentó el Big Bang Unico Summer 2025, una pieza que captura la esencia de los días bajo el sol.

Tal como señala, Julien Tornare, CEO de Hublot, esta nueva edición del icónico reloj deportivo de lujo representa momentos atrevidos, vibrantes e inolvidables que suelen coronar esta época del año. 

Un diseño inspirado en el verano

El brillo de la caja naranja pulida con chorro de arena, elaborada con la cerámica de alta gama —ligera y de gran resistencia— emblemática de la firma, evoca los atardeceres del verano, mientras que el bisel de color azul cielo refleja el mar infinito, convirtiéndolo en un modelo diseñado para quienes aman vivir donde el sol se funde con las olas. 

El nuevo Big Bang Unico Summer 2025 está equipado con un movimiento cronógrafo de cuerda automática HUB1280 Unico Manufacture. Cuenta con una reserva de marcha de 72 horas y una caja de 42 mm. 

Ligero, atrevido y decididamente moderno, además de lucir bien el nuevo Big Bang Unico Summer 2025 está diseñado para cualquier aventura. Ya sea que disfrutes las fiestas tranquilas en la piscina o que explores aguas profundas, tu reloj está a salvo gracias a su hermeticidad de hasta 100 m. Además su vanguardista tecnología de cerámica perfeccionada la hace más densa y más resistente a los arañazos. 

Además de ser ultraresistente, el toque vanguardista del reloj está también pensado para completar los mejores looks, sin esfuerzo y en cuestión de segundos. El sistema de cambio de correa patentado One-Click lo hace aún más versátil con tres correas intercambiables —disponibles en azul celeste, azul oscuro y naranja— de caucho y líneas blancas.

¿Qué esperas para tener el tuyo?

P. hublot.com

IG. @hublot

WHAT TO READ NEXTSIAR Summer alcanza su punto más alto en 2025Events

En un lugar donde la buena energía se siente en cada esquina, el arte de viajar se vive distinto. The Westin São Paulo representa la creación de un refugio donde el diseño, la gastronomía y el bienestar se unen para ofrecer una experiencia que revitaliza. Situado en Itaim Bibi, uno de los barrios más sofisticados de São Paulo, el hotel se integra al complejo JK Square, un espacio que combina oficinas, residencias, boutiques y propuestas culinarias, proyectando al huésped hacia lo más contemporáneo de la ciudad.

Desde su arquitectura hasta el último detalle de interiorismo, el proyecto, concebido por el arquitecto Jayme Bernardo, responde a una filosofía que entiende el bienestar como un todo. Las formas orgánicas, los materiales nobles y la paleta inspirada en la biofilia generan un entorno que se siente sereno. Las vistas hacia el Parque Ibirapuera, uno de los pulmones verdes más emblemáticos de la ciudad, invitan a tomar un respiro en medio del ritmo acelerado.

El bienestar como experiencia

En The Westin São Paulo, los seis pilares de la marca (dormir bien, comer bien, moverse bien, sentirse bien, trabajar bien y jugar bien) están presentes en cada momento de la estadía. Las 187 habitaciones, incluyendo las suites con balcón, han sido diseñadas para el descanso y la renovación con la Heavenly® Bed y tienen baños estilo spa, que incorporan aromas de té blanco y lavanda, pensados para favorecer un sueño reparador.

Para quienes no dejan a un lado el ejercicio en su viaje, el WestinWORKOUT® Fitness Studio ofrece un espacio luminoso con equipamiento de alto rendimiento, desde bicicletas estáticas para entrenamientos de bajo impacto hasta estaciones de fuerza y cardio. La piscina al aire libre, rodeada de una terraza soleada, se convierte en el escenario ideal para un momento de desconexión o para disfrutar del clima de la ciudad.

La propuesta gastronómica del hotel está liderada por Quint.e, el restaurante insignia bajo la idea por la reconocida chef Bel Coelho. Su menú celebra la cocina brasileña contemporánea con un equilibrio preciso entre sabor, frescura y ligereza, utilizando ingredientes locales que conectan con el territorio y su riqueza culinaria. Los bares del hotel completan la experiencia, ofreciendo desde coctelería creativa hasta opciones saludables que responden al espíritu wellness.

São Paulo: un destino para redescubrir

Más allá de su perfil como centro financiero y cultural de Brasil, São Paulo es una ciudad que recompensa a quienes les gusta explorar lento. Sus museos, como el MASP y la Pinacoteca, su arquitectura de contrastes y sus grandes parques proponen una narrativa donde conviven historia, innovación y naturaleza.

Por otro lado, la escena gastronómica, considerada una de las más diversas y modernas de América Latina, propone un viaje por sí solo, con restaurantes que llevan la creatividad y el producto local a nuevas alturas.

The Westin São Paulo se convierte así en el host para vivir la ciudad con todos los sentidos: recorrer sus barrios creativos, descubrir sus rincones verdes, asistir a su vibrante agenda cultural y regresar, al final del día, a un espacio diseñado para restaurar la energía y aclarar la mente.

Un viaje que se prolonga

Para los miembros de Marriott Bonvoy, hospedarse aquí significa acceder a mucho más que a una habitación para descansar. El programa permite acumular puntos para futuras estadías, canjear experiencias exclusivas en Marriott Bonvoy Moments o descubrir productos a través de Marriott Bonvoy Boutiques. Todo ello con la posibilidad de personalizar la estadía desde la aplicación, facilitando un viaje fluido y enfocado en lo que realmente importa: disfrutar.

Con su apertura, The Westin São Paulo cambia la forma de visitar una de las ciudades más dinámicas de Sudamérica. Descubre un destino que te inspira a explorarlo, pero que también logra momentos de calma y reconexión para que cada viajero se lleve una sensación renovada de bienestar.

P. marriot.com

D. Rua Ibiaté, 86 – Itaim Bibi, São Paulo – SP, 04530-040, Brasil

T. +551135125200

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El discurso plástico de Ramsés Ruiz parte de un estudio detallado de la figura humana como fuente narrativa. Igualmente, explora los límites de los materiales tradicionales para dotarlos de nuevas lecturas, donde cada pieza invita a la reflexión sobre la vulnerabilidad, la identidad y el deseo, emociones que él reconoce universales. En sus propias palabras: “El cuerpo es materia permanente de estudio. Aún hoy, no lo conozco bien. Hago aproximaciones, tanteos”. Con la intención de entender su universo, el artista nos sumerge en lo que lo mueve a crear.

¿Cómo dictan las diferentes técnicas que empleas tu proceso creativo?
Cada una de mis piezas responde a una etapa creativa, a ciertas capacidades y conocimientos de técnicas y materiales, a inquietudes y estados de ánimo. Me gusta sospechar que esos dictados no necesariamente los determino yo, sino que puede ser que la pieza me llame a mí para darle volumen.

En un mundo saturado de imágenes, ¿qué te obsesiona al momento de trabajar una obra?
Mis obsesiones responden a mi mundo interior, a una compulsión por el perfeccionismo en detalles que para otros son irrelevantes. No me saturo de imágenes, mis obsesiones me saturan al grado de que me demoro en terminar ciertas piezas.

¿En qué consiste la tensión entre lo místico y lo visceral en tu obra?
En eso de no saber si yo solo soy un canal de creación de algo que me rebasa o el ejecutor de una ocurrencia. Esa tensión, creo, se resuelve en que muchas de mis piezas tienen un grado de comicidad, de humor. La risa, de cierta forma, es una manera de generar una especie de diálogo entre lo elevado y lo terrenal.

¿Qué has aprendido sobre ti mismo al crear, una y otra vez, pieles, gestos y fragmentos humanos?
Que estoy en permanente cambio, es decir, que no soy el mismo de ayer ni, mucho menos, el de hace algunos años. Como mis intereses no se concentran en lo teórico recurro a la experiencia directa cuando hago bosquejos y modelos. Con esto quiero decir que yo no suelo reflexionar sobre mis piezas y procesos creativos, sino que las propias piezas son mis reflexiones no solo del cuerpo, sino de todo aquello que llega a afectarme.

¿Cuál es el proceso que atraviesas al retratar la fragilidad humana, así como las emociones como el estrés y la soledad?
Conectarse con esas emociones, ver esa energía reflejada en el modelo. Y, con suerte, saber que quien observe mis piezas puede encontrar un reflejo de aquello que ha sentido con hondura en un momento de su vida.

¿Cómo equilibras la dualidad entre lo íntimo y lo universal, entendiendo la importancia autobiográfica de tus creaciones?
Como lo mencioné antes, a través del humor, de ciertas notas cómicas en mis piezas. Gestos de complicidad entre quien observa y quien hace observar.

¿En qué basas la selección de colores para una figura, una piel o una atmósfera?
En muchos de los casos, en cuestiones de tradición escultórica, me refiero a la paleta de colores que ofrece el mármol y la cerámica. Esto involucra una certeza: confiar en que el detalle en los volúmenes es capaz de irradiar una o varias emociones, además de las propias reflexiones que me planteo.

¿Cómo dialoga tu trabajo con las nociones contemporáneas de género, identidad y deseo?
Procuro, pese a los riesgos que esto involucra, plantearme una serie de emociones, gestos y tramas universalmente humanas.

¿Cómo ha influido tu contexto en la narrativa visual que construyes?
Supongo que mucho, pero de manera inconsciente. No pienso en modas, en tendencias, en discursos actuales, pero, sin quererlo, aparecen ahí como claves de que soy hijo de un contexto y circunstancia.

En una época donde el arte se consume con avidez, ¿cómo te enfrentas a la idea del tiempo en tu obra?
En que no aprecio el arte como mera mercancía de consumo, sino como objeto de contemplación.

P. https://www.ramsesruiz.com/

IG. ramses.ruiz.escultor

Hay viajes que empiezan antes de aterrizar. Empiezan en el momento en que guardas el pasaporte, eliges el asiento junto a la ventana y sientes cómo el avión se eleva. Así comienza la nueva ruta directa de Aeroméxico hacia Cali: con la promesa de llegar a tiempo, en un vuelo cómodo, silencioso y con ese extra que hace que el trayecto también sea parte de la recomendación final.

Aeroméxico lleva más de 15 años volando hacia Colombia. Primero fue Bogotá, luego Medellín, después Cartagena; y ahora Cali se suma a una red que sigue creciendo. La aerolínea conecta destinos y crea puentes culturales y emocionales con la calidez y el servicio que la han convertido en referencia en todo el mundo. Con cada nueva ruta, viajar se vuelve más sencillo, más directo y más personal.

A bordo de un Boeing 737 MAX, el tiempo en el aire se vive distinto. Hay espacio para relajarse, para leer sin interrupciones, para conversar o ver una película con audífonos inalámbricos gracias a la conectividad Bluetooth de las pantallas. La cabina Premier ofrece amplitud, detalles cuidados y un servicio que hace que cualquier trayecto se sienta especial, con pequeños gestos como el agua lista antes de despegar o la sonrisa del sobrecargo que recuerda tu bebida favorita.

Unas horas después, la vista cambia. Bajo las nubes aparece el verde intenso del Valle del Cauca, salpicado de montañas, ríos y campos infinitos. Cali recibe a los viajeros con una mezcla única de ritmo y calidez. Aquí la música no es un evento: es parte de la vida diaria. La salsa se escucha en esquinas y plazas; y se baila como si el tiempo no corriera.

La ciudad es un mosaico de sabores y colores: mercados con frutas tropicales y especias, cafés donde se tuesta el grano al momento, restaurantes que reinventan la cocina local y calles con arte en las paredes. Y si la curiosidad te lleva más lejos, en pocas horas puedes estar en las playas del Pacífico, en pueblos cafeteros o en senderos rodeados de naturaleza exuberante.

Esta nueva conexión diaria no es solo una facilidad logística: es una invitación a que México y el suroccidente colombiano se encuentren más seguido. Para los que viajan por negocios, significa optimizar tiempos y llegar directo. Para quienes buscan rencontrarse con familia o descubrir un destino nuevo, es la tranquilidad de saber que en unas horas, sin escalas, estarán allí.

Partir de Cali es llevar en la memoria el sonido de los tambores, el sabor de un pandebono recién horneado y la certeza de que, gracias a Aeroméxico, el mejor recuerdo del viaje empieza en el avión.

P. aeromexico.com

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En la última década, la conversación sobre sostenibilidad en la moda ha pasado de un discurso aspiracional a un cambio tangible en la forma en que las marcas crean. La creciente preocupación por el impacto ambiental de la producción textil ha impulsado el desarrollo de alternativas creadas a partir de organismos vivos o recursos renovables que buscan reemplazar fibras y pieles convencionales. Estos nuevos compuestos abren un mundo de posibilidades estéticas y funcionales. Te contamos cuáles son los biomateriales que ya vemos en el mundo de la moda.

La innovación no solo se mide en avances tecnológicos, sino en la capacidad de transformar residuos en piezas de deseo. De algas a hongos, pasando por pieles hechas de cactus o uvas, los biomateriales están entrando a la conversación con la fuerza de una tendencia que llegó para quedarse. A continuación, te presentamos 5 proyectos científicos que lucen en las pasarelas.

1. Piñatex

Una innovadora alternativa al cuero creada a partir de fibras de las hojas de piña, un subproducto agrícola que normalmente se desecha.

Hugo Boss lo ha usado en tenis que mantienen el look clásico y que reducen su huella ambiental.

2. Mylo

Cultivado a partir de la raíz de los hongos, imita la textura del cuero con un acabado suave y maleable. Su producción requiere menos agua y genera menos emisiones.

Stella McCartney creó The Frayme Mylo™️, el primer bolso diseñado con este material.

3. Sylvania

Creado por MycoWorks junto con Hermès, Sylvania es un cuero vegano de micelio fino trabajado con el arte tradicional de las curtidurías francesas.

Este material fue creado específicamente para la producción del Victoria Shopper Bag de Hermès.

3. Bioplástico de algas

Un material que imita el plástico. Es translúcido y etéreo y completamente libre de derivados del petróleo. 

En una colaboración con la diseñadora industrial Charlotte McCurdy, Phillip Lim creó un vestido de lentejuelas fabricadas de este material.

4. Fibra de naranja

Una seda vegetal producida a partir de subproductos de la industria citrícola. Su tacto suave y brillo natural la hacen perfecta para prendas fluidas.

Fue usada por primera vez en una edición limitada de camisas asimétricas de Loewe.

5. Circulose

Una viscosa derivada de textiles reciclados creada por la compañía Renewcell. Se combina con algodón orgánico y pulpa de madera para reinventar el clásico y resistente denim.

Levi’s ha reimaginado sus icónicos 501s en la colección DESIGNED FOR CIRCULARITY con esta mezcla sostenible.

El uso de biomateriales representa una oportunidad única para redefinir el futuro de la moda. Aunque muchos de estos compuestos aún están en fase de experimentación, su integración creciente en colecciones comerciales indica que la transición hacia una industria textil más responsable y sostenible ya está en marcha.

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Fundado en 2008 por David Pompa, el diseñador austriaco-mexicano, Studio davidpompa nace con la misión de fusionar el diseño contemporáneo con las tradiciones artesanales mexicanas, creando piezas que traspasan el tiempo. Sus piezas se distinguen por una estética sobria enfocada en los materiales. La firma apuesta por una visión intuitiva, guiada por la curiosidad y un profundo respeto por la materia prima, exponiendo de nuevas maneras su encanto natural.

Los diseños de David Pompa incorporan algunos componentes mexicanos más icónicos, como barro negro, recinto volcánico, mármol, y diversas técnicas, como palma tejida a mano y vidrio reciclado soplado, para transformarlos en piezas escultóricas lumínicas sofisticadas que han traspasado fronteras internacionales.

En todo el proceso hay un énfasis y un cuidado en el uso de técnicas tradicionales, respetando a las personas que las ejecutan y los paisajes de donde provienen: Oaxaca, Hidalgo o Puebla, y reinterpretan sus prácticas ancestrales en un contexto de diseño contemporáneo.

A ello se suma una filosofía de cero desperdicio, ya que cada uno de los recursos empleados proviene de la naturaleza o del reciclaje, lo que se traduce en piezas que cumplen con las características de integridad y durabilidad.

Formas y líneas limpias

El trabajo de David Pompa puede definirse como un ejercicio constante de aprendizaje e innovación. Aunque las colecciones mantienen un hilo conductor, su lenguaje visual va ampliando las posibilidades de cada material, abrazando la autenticidad del trabajo artesanal desde una perspectiva vanguardista dedicada a elevar hasta los espacios cotidianos.

Las luminarias de Studio davidpompa, con líneas limpias y formas geométricas, combinan precisión industrial con la belleza de la imperfección manual, generando un estilo único que redefine el lujo como algo auténtico y lleno de historia. En lugar de perseguir la perfección, celebran el carácter valorando lo irregular y permitiendo que las texturas revelen el proceso y el tiempo que resguarda cada pieza.

D. Colima 264, Roma Norte, CDMX

P. https://www.davidpompa.com/

IG. studiodavidpompa

La mañana empieza antes de que salga el sol. Un café rápido, tráfico, pendientes que se acumulan y, de pronto, el lunch quedó reducido a lo que encontramos de paso. Lo mismo se repite por la tarde, cuando las opciones más rápidas suelen ser las menos nutritivas. Y entonces, la promesa de comer mejor se aplaza para otro día. Así es como, casi sin darnos cuenta, dejamos que el ritmo nos robe un acto tan simple como comer bien. ¡Conoce cómo Onesta recupera tu propósito saludable!

Creada por cinco mujeres mexicanas, esta propuesta quiere que comer bien deje de ser un lujo y vuelva a ser parte de nuestro día a día. Lo hace poniendo al alcance de todos platillos frescos, balanceados y listos para disfrutar en cualquier momento del día. En universidades, hospitales, aeropuertos y oficinas, sus vending machines siempre están listas. Dentro, bandejas de color y aroma que parecen recién salidas de la cocina: ensaladas con ingredientes crujientes, bowls con granos y vegetales, pastas exquisitas.

Los ingredientes, en su mayoría locales, conservan su frescura durante varios días sin conservadores, gracias a procesos que respetan la calidad de cada alimento. El empaque reutilizable cierra el círculo, cuidando también del entorno. Onesta se adapta a tu día, dándote la oportunidad de comer bien sin planearlo con horas de anticipación. Es abrir la puerta de la máquina, elegir y, en un par de minutos, tener frente a ti una comida que alimenta de verdad.

Si bien es rápida, no es comida para comer sin pensar. En poco tiempo, Onesta ha conquistado puntos clave como el AICM, el Hospital ABC, la Universidad Anáhuac, la Ibero, Plaza Miyana y varios corporativos. Pero su meta no es solo estar en más lugares, sino ser parte de un cambio de hábitos: que comer bien deje de ser una excepción y se convierta en la norma, incluso para quienes siempre están en movimiento.

El futuro ya está en marcha. Nuevas ubicaciones, alianzas con marcas que comparten su filosofía y productos que amplían la experiencia. Todo con una premisa sencilla: el bienestar no debería depender de cuánto tiempo tenemos, sino de las elecciones que hacemos cada día.

IG. @come.onesta

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Beatriz de los Mozos, fundadora y creadora de la firma Flabelus, se convirtió en emprendedora casi por accidente, cuando tomó la decisión de no acatar las indicaciones médicas para aliviar sus dolores lumbares, causados por el uso prolongado de calzado completamente plano. Vio en ello una oportunidad para diseñar un calzado de baja altura que equilibrara estética y ergonomía o, como ella lo describe, una alpargata en forma y construcción, pero con el diseño de una veneciana.

Aunque siempre tuvo una afición especial por el calzado, en especial por las furlane, la española licenciada en Derecho se encontraba trabajando en una agencia de fusiones y una start-up tecnológica en Londres, cuando descubrió que la moda era su pasión. Y aunque ha confesado que crear una marca de zapatos nunca estuvo en sus planes, supo aplicar su experticia en negocios para construir y escalar un proyecto con visión global.

Los inicios de Flabelus

La marca fue oficialmente fundada en 2020, en España, con un enfoque en el diseño cómodo, elegante y sostenible. Desde entonces, Flabelus ha crecido rápidamente con presencia en Madrid, Londres y París y se distribuye en más de 50 países, resultado en cierta forma de la carga humanista que alberga en su ADN que va más allá de solo cumplir la función básica de un zapato.

“Vendemos más que zapatos, con el fin de construir una comunidad global alrededor de Flabelus, que venga no solo por un buen producto, sino también por el color, la comodidad, los valores y el mundo mágico que representa”.

Beatriz de los Mozos

Es esta visión la que funge como timón del barco de Beatriz y la ha llevado a conectar con las distintas culturas y mercados que alcanza, sin perder la esencia que define a la marca y sus pilares: “El diseño y la producción consciente y local, la atención al detalle, la comodidad y el cuidado en cada etapa del proceso”.

El cuento y la fábula

Además de su estilo particular, que fusiona dos tipos de calzado, el furlane y el veneciano, lo que distingue cada par de Flabelus es que están inspirados en figuras literarias que cautivaron a su creadora desde su infancia, tales como Dante y Beatrice, Romeo y Julieta o Alicia en el País de las Maravillas.

“Cada modelo parte de un personaje, incluso los colores están pensados en función de esa narrativa. Esa mezcla entre diseño, literatura e imaginación se ha convertido en mi sello personal y me encanta pensar en la marca como un universo creativo, donde cada zapato cuenta una historia y conecta con quien lo lleva, más allá de la moda”.

Esta orientación ha dado vida a algunos de los modelos más icónicos de la firma, como las Mary Jane, que se distinguen por su estilo clásico con hebilla al tobillo, colores vibrantes y bordados; las Cinderella, que son como las de Disney; mientras las Matilda, hechas de terciopelo de algodón, llevan doble correa; y las Mafaldas, que evocan al personaje creado por Quino, tienen un diseño con un hueco redondo y una cinta con pliegues.

Las claves del negocio

El proceso inicial de Beatriz de los Mozos fue muy intuitivo y personal, pero su modelo de negocios fue evolucionando en función del crecimiento de Flabelus, tomando en cuenta las necesidades de los distintos mercados.

“Sigo creyendo en contar historias a través de cada modelo, pero ahora estas también conviven con un enfoque que abarca desde la elección de materiales hasta la experiencia del cliente. Diseñar una colección hoy es una combinación de emoción, análisis y visión a largo plazo”.

Para ello, la diseñadora cuenta que uno de sus mayores fuertes es “Imaginar a la mujer Flabelus. Ella es una femme fatale, todoterreno, independiente y trabajadora: la mujer de hoy”, descripción que bien resuena con ella misma.

Pero la musa es solo el inicio de una creación que da paso a la tendencia, conocer el mercado es imprescindible y para ello Flabelus se asegura de contar con datos suficientes como para saber lo que les gusta a sus clientes:

“Y es ahí donde trabajamos: mantenemos lo básico, pero lanzamos modelos y diseños novedosos, siempre con la misma estructura, para no perder nuestra identidad, pero evolucionando el mercado”.

Sello ecológico y responsable

La artesanía y la sostenibilidad son otro de los pilares de la firma de moda española que, de acuerdo con su fundadora, se basan en: “El respeto, compromiso, trabajo bien hecho, y la convicción de que crecer no tiene por qué significar renunciar a tus valores. Al contrario, puede ser la mejor forma de reforzarlos”.

En una era de producción masiva en la que millones de productos de la moda se centran en lo momentáneo, Flabelus cree en lo opuesto: “La comodidad y la durabilidad están escritas en grande en el departamento de diseño y la fabricación”, y a pesar de ser una empresa global, han apostado por el Made in Spain, recurrir a poca maquinaría y escalar de manera sana, una decisión que Beatriz está convencida de haber tomado correctamente: “Me encanta porque puedo crear trabajo en España, ver de cerca el proceso, innovar y hacer lo que quiero a nivel educación e involucrarme en el sector”.

Esta visión se ve reflejada en los materiales que conforman sus modelos: desde el bambú orgánico y el poliéster reciclado en el interior y las cuñas para ofrecer alta transpirabilidad y absorción del sudor; la goma para las suelas es reciclada y proviene de neumáticos o ruedas de bicicletas, cosidas a mano; los tejidos ecológicos y veganos —terciopelo orgánico, piqué natural o lino envejecido—, hasta el empaquetado en cajas, bolsas y certificados 100% reciclados y reciclables.

Flabelus conquistando el mundo

Flabelus parece habitar un espacio propio, lejos del ruido de las tendencias, pero dentro del diálogo contemporáneo de la moda, un logro que, como afirma De los Mozos, se debe a “un equipo creativo al que se le ocurren todo tipo de variaciones, siempre partiendo de la base de la slipper”.

El carácter atemporal de los diseños hace que un par firmado por la marca española pueda atravesar cómodamente las fronteras, pues Beatriz sostiene que:

“La mejor manera de trazar esa línea entre lo clásico y lo actual es la permanencia del clásico, y a partir de ahí, añadirle un twist en el diseño o en el color”.

La firma también ha dado el paso del entorno digital a espacios físicos de manera exitosa, transición que De los Mozos explica que opera de manera inversa a lo que solemos pensar: “Son las tiendas las que inspiran y marcan el camino del universo de la red. Todas nuestras tiendas cuentan también su propia historia con guiños dentro del universo Flabelus. Hay un storytelling muy potente con colores y texturas que utilizamos, queremos que haya una vibración especial. Que se vayan felices de habernos visitado por más motivos que solo el de comprar un par de zapatos”.

IG. @flabelus

WHAT TO READ NEXTConciertos en CDMX en agosto 2025Attractions

La cápsula, como concepto, puede remitirnos a una píldora medicinal, cuya función es trasladar sustancias al interior del cuerpo, una idea que la artista chilena explora en su trabajo. En conversación con Florencia Pozo, nos acercamos a su mirada, donde la cápsula sirve como vehículo de significados, emociones y memorias. Ella propone “rehabitar” este objeto cotidiano, transformándolo en un modo de encuentro entre materia e inmaterialidad, cuerpo y espíritu, repetición y ritual. 

¿Qué te llevó a pensar que una cápsula podía contener algo más que una sustancia química? 

Las cápsulas son un contenedor de uso cotidiano cuya función esencial es trasladar su contenido dentro del ser humano. De esta manera posibilita simbólica y empíricamente llevar cualquier objeto en su interior para comenzar el tránsito hacia lo inmersivo.

¿Qué vínculos encontraste en ella como contenedor físico y como símbolo emocional? 

Como objeto contenedor lleva su contenido al cuerpo físico al plano emocional y espiritual. Somos mente, cuerpo y espíritu; y la medicina busca el equilibrio entre estas tres dimensiones. Una palabra o un símbolo llega directo al cerebro, despierta emociones y son esas emociones las que sanan. Disciplinas como la neurolingüística estudian la relación entre lenguaje y cerebro.

¿En qué consiste la idea de “rehabitar el concepto de lo humano”? 

Considero que lo humano como concepto nos hace repensar y tomar conciencia del aspecto de habitar como ente espiritual en un cuerpo, y desde este cuerpo habitar un espacio. Así se crea un ecosistema donde se manifiesta el vínculo entre la imagen del hombre y el concepto de mundo, evidenciando, de forma antagónica, lo inmaterial contenido en la materia.

¿Cuál es el desafío de materializar una carga emocional en un objeto? 

Es el reto diario de todo artista porque requiere encontrar símbolos y arquetipos que comuniquen con claridad lo humano. La construcción artística une significantes reconocibles como imágenes o palabras para dar forma a un mensaje emocional e intelectual. En mi obra, la cápsula, entendida como remedio y salud, combinada con palabras positivas, se convierte en “remedios para el alma”. El objetivo es transformar lo intangible en arte, ofreciendo al espectador una experiencia sensorial que haga propio el mensaje y lo lleve a la emoción. El desafío está en volver lo personal algo público.

¿Cuál fue la primera cápsula que hiciste y qué contenía, literal y simbólicamente? 

Comencé a trabajar con cápsulas en 2002, durante mis estudios en la Universidad de Chile, y recuerdo que una de las primeras obras que realicé con ellas incluía la copia del dibujo de una cabeza que hice.

¿Cómo decides qué emoción o concepto merece ser comprimido? 

Prefiero hablar de encapsular más que de comprimir. Más que decidir la emoción, simplemente llega. Mi decisión no es tan mental como sensorial al momento de construir una obra. Intento conectarme con el momento y ver qué me dice. Siempre hay que dejar espacio para escuchar a las musas. 

¿En que recae la importancia del gesto manual frente a lo industrial o reproducible? 

Para mí la construcción con la mano es esencial. Aunque en mi obra la repetición pueda parecer industrial, necesito que cada cápsula sea única entre sus iguales. Escribo todo a mano, recorto todo a mano, encapsulo, enrollo y pego todo a mano. La mano produce el error y errar es humano.

¿Qué rol cumple la repetición en tu práctica? 

La repetición valida un ritmo, una estructura, una frecuencia y sobre ello trata mi obra. Puede ser la repetición de mil palabras positivas, emulando un mantra o un rezo, o la secuencia de un hombre girando en 360 grados que habla de un trance espiritual tribal. La repetición arma una estructura que forma un cuerpo físico y energético. La música, nota tras nota y ritmo tras ritmo, crea frecuencias. Como una célula junto a otra célula, concatenadas arman un cuerpo. En el ritmo está el origen, la creación. El ritmo es el eco del transitar por el camino.

¿Cómo influye el texto de tus obras en el desarrollo de cada serie?

Las palabras que encapsulo las escojo por sensaciones en el momento mientras construyo la obra. Hago recetas en algunas series y suelen tener que ver con lo que capto en ese instante. Para entender el origen de esto, tengo una lista de palabras positivas que he coleccionado durante años escuchando a la gente. Así nació la serie Remedios para el alma y Recetas para el alma, cuando un día me pregunté cuántas palabras positivas habría. Nunca imaginé que tantas. Me dio una lección de vida: solemos poner el acento en lo negativo, pero de eso hay poco. Escribir cada cápsula a mano, palabra tras palabra, se ha convertido en un ejercicio de meditación.

IG. @florencia.pozo

En la Ciudad de México el taco es paisaje, rutina y antojo. Las opciones son infinitas y  algunos lugares destacan por su forma de tratar y combinar cada producto, el sabor inigualable y la memoria gustativa que generan. En esta ruta no están todos, solo una muestra de algunos a los que siempre volvemos. 

La Bonvi

Iniciamos ruta del taco con la nueva taquería de César de la Parra. Comparte esencia con La Once Mil, pero con tacos y rellenos nuevos como esmedregal tempurizado y suadero con carne prime.

D. Pedregal 33, Lomas – Virreyes, CDMX

IG. @labonvi.mx

Must try: taco de trompo picaña rostizada

Taquería Selene

Este espacio con historia es un clásico en Anzures, con menú amplio, con chuleta, longaniza, pastor, bistec, milanesa y tortas. Además, las salsas pican.

D. Leibnitz 51-C, Anzures, CDMX

Must try: volcán de pastor 

Los Cocuyos

Abierto 24/7 en el Centro. Sirven tacos de tripa, ojo, lengua, sesos, cabeza, pastor y más. Un HOT spot que aún después de tantos años, sigue siendo imperdible. Lee aquí su entrada en la Guía Michelin.

D. Simón Bolívar 59, Centro, CDMX

Must try: taco de suadero y taco campechano

Tacos Domingo

Sabor norteño directo de Monterrey, hechos a las brasas. Arrachera, chuleta, costilla, tortillas de maíz o harina, frijoles, cebollitas y aguas frescas.

D. Pl. Carlos Pacheco 5, Centro, CDMX

Must try: taco de asada con queso en tortilla de harina

El Gran Abanico

Carnitas en todas sus formas: maciza, cuerito, costilla y chicharrón. Siempre hay fila. El sabor y la textura valen la espera. ¡Todo un referente en la Guía Michelin!

D. Gutiérrez Nájera s/n, Tránsito, CDMX

Must try: Taco de maciza con chicharrón

Tacos Charly

Más de 50 años en San Fernando merecen una escala en esta ruta del taco. Especialistas en suadero suave, cocido en manteca. También hay campechanos y al pastor.

D. Av. San Fernando 201, Toriello Guerra, CDMX

Must try: taco de suadero

Los Caramelos

Puesto callejero con menú corto. Tacos estilo Sonora, jugosos, carne al carbón, tortillas de harina, queso y frijoles. 

D. C. Bajío 321, Roma Sur, CDMX

IG. @taquerialoscaramelos

Must try: taco caramelo con queso

Tacos Atarantados

Taquería regia con trompos de arrachera, chicharrón de la Ramos, adobado y cordero. Tienen papas, elotes con Doritos y tacos árabes.

D. Córdoba 113, Roma Norte, CDMX

Must try: taco árabe de res, acompañado de papas y cachetada de cerdo. 

Maizajo

Propuesta de Santiago Muñoz centrada en maíz criollo nixtamalizado. Tortillas artesanales, ingredientes locales y combinaciones gourmet.

D. Fernando Montes de Oca 113, Condesa, CDMX

IG. @maizajo

Must try: volcán de brisket 

Gonzalitos

Barbacoa de cachete estilo Monterrey servida en tortilla de maíz o harina. Sabor norteño imperdible para cerrar la ruta del taco.

D. Colima 71, Roma, CDMX

Must try: taco de barbacoa de res

WHAT TO READ NEXTHOT spots: beach clubs México editionTravel

Al fondo de una vitrina pulida como un lienzo de cristal, cada pieza espera su turno para deslumbrar. Son objetos comestibles que evocan jardines, diseñadas con la precisión de un diseñador y el expertisse de una casa de perfumes. En Sofitel Café, la panadería adquiere una dimensión artística.

La tradición panadera francesa (cultivada durante siglos con mantequilla y obsesión por el detalle) encuentra aquí una nueva narrativa. Una que platica con México a través de ingredientes locales, flores simbólicas y composiciones “sorpresa”. La colección La Haute Croissanterie Blossoms traduce esto en piezas florales, donde el sabor y la estética se unen con delicadeza.

En el centro de esta serie, Dahlia Rouge, concebido por el chef Mauro Montes, rinde homenaje a la dalia, flor nacional de México. El croissant, redondo como una flor, revela capas de ciruela mexicana marinada, queso crema, vainilla de Papantla, licor St-Germain y flores de saúco frescas.

La colección (disponible por tiempo limitado) presenta también piezas como Couronne Hibiscus con frambuesa y flor de bourrache; Éclair Citron Soleil con lima kaffir; o los minimalistas Grand y Petit Cube Soleil con mango y yogurt. Obras que podrían vivir tanto una galería como una pâtisserie.

El concepto de haute croissanterie, inspirado en la Alta Costura, encuentra en esta serie su expresión más fina. Pliegues precisos, sabores que evocan estaciones y paisajes, composiciones que despiertan los sentidos con la misma intensidad que una fragancia aromática o una tela bordada a mano.

Para quienes buscan una experiencia más lenta, Le Goûter en Sofitel Café ofrece una selección de estas creaciones en un ritual delicado de sobremesa, acompañado de pastelería fina y atmósfera elegante. La panadería, aquí, se manifiesta como arte contemporáneo.

¡Conoce más aquí!

Entre formaciones milenarias y figuras que emergen desde las entrañas de la piedra, la obra de Peñalta construye un universo que gira en torno a un diálogo entre naturaleza y memoria. Su práctica, profundamente intuitiva y a la vez rigurosa, revela rostros, emociones y animales que él imagina atrapados en la roca y nos invita a recordar que, en la era de la inteligencia artificial, lo tangible posee un poder irremplazable.

¿Qué significa la piedra para ti más allá del material?
Es un refugio en donde encuentro mucha paz. También es el medio para poder armonizar con la naturaleza. Representa ese instrumento para comunicar lo que tengo dentro, en sintonía con el interior que también guarda la naturaleza. En este caso, la misma roca.

Hablas de “escuchar el murmullo” de la roca antes de intervenirla. ¿Cómo traduces esa escucha en gesto pictórico?
Cuando busco el material, recorro talleres de mármol y piedra con mucha atención. Escucho. A veces hay un murmullo, otras veces un grito, como si algo dentro pidiera salir. Ese sonido interior me guía y lo traduzco en un gesto, encontrar y liberar al ser que habita en esa masa. Ese es el acto pictórico, darle forma a lo que ya estaba ahí, esperando.

Tu obra parece emerger más de la contemplación que de la planificación. ¿Cómo manejas el equilibrio entre intuición y técnica?
La intuición es inmediata, aparece cuando recorro los talleres, entre bloques ya cercenados. Ese instante en el que algo me llama, sin explicación, es un momento de encuentro. Luego viene el corte, encuadrar al personaje que percibí y ahí empieza la contemplación.

Ya en el taller, con la piedra frente a mí, me siento a observarla con calma, escucho música y entro en un estado íntimo, casi meditativo. Puedo pasar horas, días, incluso años frente a una pieza hasta que finalmente el personaje revela su historia. Es entonces cuando entra la técnica, el equilibrio está en respetar ese hallazgo intuitivo, pero saber traducirlo con precisión.

Hablas constantemente de personajes dantescos, ¿qué lugar ocupan la literatura y la mitología en tu proceso creativo?
Ambas son esenciales en mi obra porque trabajo constantemente con la imaginación. El guiño de Medusa, instalado en el Instituto de Geología de la UNAM, representa ese vínculo: una figura fragmentada que alude al poder de la mirada y a la naturaleza como fuerza incompleta. La cabeza de Medusa, convertida en escudo, funciona aquí como símbolo protector. Es también un puente con los geólogos, con quienes comparto una pasión por la piedra desde mundos distintos. Para mí, como dice un amigo geólogo: “Las rocas son los huesos de la Tierra”. Y desde ahí parte todo.

A lo largo de tu obra, los rostros aparecen una y otra vez. ¿Por qué las caras?
No sé exactamente por qué, pero necesito pintarlas. Es casi una obsesión. Desde niño las dibujo; están en todas partes. En lo cotidiano, en formas, sombras o texturas, siempre estoy buscando rostros. Quizá tenga que ver con la pareidolia, ese mecanismo ancestral que nos hacía reconocer caras como una forma de supervivencia. El rostro siempre ha sido una presencia poderosa para el ser humano, y yo no soy la excepción. En mi caso, es casi compulsivo: veo y dibujo constantemente.

¿Qué representan los animales dentro de tu universo?
Siento una atracción muy fuerte por los animales, especialmente los más silvestres. Me identifico con ellos profundamente. Su presencia, su fuerza, incluso su fragilidad, me conmueven. Dentro de mi obra, representan lo instintivo, lo esencial. Observarlos es una forma de conectar con lo más primitivo del ser humano, con algo que va más allá de lo racional.

¿Qué buscas provocar para el espectador al liberar esas figuras atrapadas en el mármol o piedra?
Lo que persigo es detonar una experiencia. Libero figuras desde mi historia y lo que la piedra me dice, pero cuando la obra se expone, el espectador entra en juego. Si logra dejar de mirar una pantalla y se detiene frente a una roca, ya es un logro. Cada quien proyecta lo suyo, ya sea miedos, recuerdos o deseos. Si alguien ve un caballo donde yo no lo veo, es porque su historia está dialogando con la pieza. Lo que más me interesa es que la obra despierte algo íntimo y que la piedra, de pronto, deje de ser solo piedra y se vuelva un espejo.

¿Qué papel tiene el error o el accidente en el desarrollo de una técnica como la petrovitapintura?
Trabajo sobre accidentes geológicos, como vetas, fracturas, tonalidades que ocurrieron hace millones de años. A partir de ellos reconstruyo, lo mismo sucede con la vida. No es un lienzo en blanco que podemos controlar a nuestro antojo, es una placa de roca que llega con imperfecciones. Puedes lamentarte por lo que una veta arruinó o decidir construir sobre lo que tienes. Muchas veces, lo que parecía un obstáculo revela algo inesperado. El accidente no estorba, es más bien parte esencial del proceso creativo.

En un momento en el que la realidad virtual y la inteligencia artificial redefinen la creación, materia y cuerpo, ¿cómo dialoga tu obra con estas nuevas formas de realidad?
Mi obra dialoga con la inteligencia artificial y la realidad virtual como un punto de equilibrio. Vivimos una era de avances exponenciales que transforman nuestra percepción de lo real. Pero frente a eso, el contacto con una piedra, con algo tangible y milenario se vuelve aún más valioso. En este mundo cada vez más digital, lo físico, lo auténtico, lo que tiene tiempo acumulado, como una roca, cobra una nueva fuerza. Mi obra se posiciona ahí, como un ancla frente al vértigo de lo intangible.

P. https://www.penalta.mx/

IG. @penalta_17

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El verano tiene un sabor distinto en Baja California Sur. Sabe a sal en la piel, a caminos polvosos recorridos en bici, a risas en un atardecer. En Hotel San Cristóbal Baja, ese sabor se convierte en ritual, en una forma de vida.

Este hotel en Todos Santos ofrece más que hospedaje. Hotel San Cristóbal Baja es un portal a un verano sin horarios. Aquí, los días empiezan con yoga frente al mar y terminan en una cena entre el vaivén de las olas y copas de vino. Entre esos dos momentos, el calor del sol acompaña cada experiencia: una siesta bajo las palmeras, un clavado en una alberca privada con vista al mar y un paseo hasta el pueblo en busca de arte local y un café.

La arquitectura de Hotel San Cristóbal Baja se une al exterior, como si no existiera una separación entre adentro y afuera de sus instalaciones. Los cuartos te invitan a estar descalzo, a dejar las puertas abiertas y, por supuesto, a escuchar el mar desde la cama. Algunas habitaciones cuentan con albercas de agua salada construidas en terrazas privadas con vista al mar, creando espacios únicos para quienes buscan desconectarse del mundo.

Hotel San Cristóbal cuenta con su propia playa privada, La Playita, con vistas a las montañas de la Sierra de la Laguna, Punta Lobos y el Océano Pacífico. Se pueden reservar diferentes experiencias, desde espacios lounge privados, acceso exclusivo a la playa, servicio personalizado de drinks y botanas del Pool Bar, hasta cenas privadas y fogatas para darle un upgrade a cualquier escapada.

Y, como en todo gran verano, la comida sabe mejor. En Benno, la cocina es un homenaje a lo que da el mar: pulpo a la brasa, pescados, sabores que viajan entre Baja, el Mediterráneo y Asia. En Cosecha, la cosecha (literal) del día guía el menú: ensaladas, hierbas frescas, carnes al centro de la mesa, etc.

Hotel San Cristóbal Baja no necesita hacer mucho para convencerte de quedarte. Lo hace con detalles, con texturas, con rituales simples que se sienten como el respiro que tanto necesitabas, como una vacación eterna.

Conoce Hotel San Cristóbal Baja, porque el verano aquí no es una estación: es un estilo de vida.

D. Playa Punta Lobos, Carretera Federal N°19, km 54+800, Todos Santos BCS

T. (USA) 1-855-227-1535 // (Intl) 011 52 612-175-1530

P. www.sancristobalbaja.com

IG. @hotelsancristobal

WHAT TO READ NEXTHotel San Cristóbal Baja: diseño, vibra setentera y mar en Todos SantosHotels

En estos días donde el bienestar se redefine a través de hábitos conscientes, una buena hidratación es un pilar que no se puede dar por sentado. En este sentido se debe buscar herramientas innovadoras, seguras y efectivas para no solo cumplir con el requerimiento mínimo de tu cuerpo, sino llevarlo al siguiente nivel para potenciar tu salud. ¡Conoce los electrolitos Seima!

Uno de estos aliados son los electrolitos orales que se acaban de sumar a la familia Seima, con una fórmula limpia, resultado de años de investigación para conformar una experiencia funcional y deliciosa, que además sigue los principios de la marca de transparencia en trazabilidad y certificaciones de calidad. 

El poder de los electrolitos Seima

Veganos, libres de azúcar, sin excipientes artificiales, endulzados naturalmente con estevia y sin rellenos artificiales, los electrolitos Seima son la alternativa perfecta no solo para hidratar tu cuerpo, sino para aportar diferentes vitaminas y nutrientes esenciales —sodio, potasio, calcio, magnesio, cloruro y vitamina C— para mejorar su funcionamiento en general. 

En este sentido, ayudan a mantener el equilibrio de líquidos en el cuerpo, mientras permiten la contracción y relajación de los músculos, mejorando el funcionamiento del corazón. Son esenciales para la función de órganos clave en la desintoxicación del organismo, incluyendo los riñones y el hígado, y favorecen el transporte de nutrientes a las células.   

Son un excelente compañero para los entrenamientos pero también para aquellos días con gran actividad física, pues además de ayudarte a la reposición de electrolitos perdidos por la sudoración o exposición al calor, contribuyen a la regulación de la presión y el volumen sanguíneo, y reducen la aparición de espasmos musculares y calambres. 

También tiene un papel importante en la función cognitiva, pues los electrolitos Seima facilitan la transmisión de señales eléctricas en el sistema nervioso, favoreciendo la claridad mental y el enfoque y la coordinación. 

Y por si eso no fuera suficiente, hablando de periodos específicos como el embarazo y la lactancia, son todo un aliado, en el primer caso apoyan el desarrollo del bebé y, al apoyar la expansión del volumen sanguíneo, previenen malestares comunes como los calambres y la retención de líquidos. Por otra parte, en el periodo lactante contribuyen a mantener la hidratación necesaria para la producción de leche materna, ayudando a prevenir la hipotensión o la fatiga. 

Lo mejor de todo es que añadir electrolitos Seima a tu rutina es tanto un movimiento inteligente como sencillo, pues viene en sobres de polvo para disolver en agua, en sabores naranja, limón y frambuesa. ¡Pruébalos!

IG. @seima.family

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Un plato llega a la mesa. Todo parece responder a una propuesta creativa: el color, el equilibrio, la textura. Antes del primer bocado, ya hay algo que emociona. En ARRRCO, los sabores vienen acompañados de luz, de intervenciones visuales, de la energía de un espacio que se transforma con cada temporada. ¡Comer aquí es entrar en una obra colectiva!

Las paredes cambian, las mesas se adaptan, los artistas llegan, transforman y se van. Mientras tanto, el chef Álvaro Vásquez ofrece su versión del mundo: una cocina construida desde la memoria, atravesada por los viajes y guiada por la intuición.

Álvaro nació en Lima. Creció entre la costa y los Andes, entre mercados y cocinas familiares, entre el barrio del Callao y la voz firme de las mujeres que lo criaron. Su formación pasó por algunos de los restaurantes más influyentes de América Latina (Central, Rafael, El Mercado, Astrid y Gastón). Más tarde, en México, dejó huella en cocinas como Pujol y Caracol de Mar. Sin embargo, todo ese recorrido profesional cobra una forma personal y libre en ARRRCO.

Su cocina se mueve entre lo vegetal y lo animal, entre los crudos y los fuegos, entre lo que nos resulta cercano y lo que descoloca. Hay ecos de la infancia, ingredientes de temporada, trazos asiáticos que entran sin alardes. Todo forma parte de esta conversación de sabores y texturas.

Pero ARRRCO no sería lo que es sin el otro protagonista de esta escena: el espacio. Diseñado para mutar, se ofrece como un territorio abierto a la intervención artística, al cruce de disciplinas, a la conversación constante. Cada temporada se convierte en una residencia creativa donde distintos lenguajes dialogan entre sí. La arquitectura se vuelve paisaje; el servicio, gesto; y la comida, cuerpo. Todo vibra al mismo ritmo.

El nombre no es un accidente. ARRRCO evoca el símbolo del arco como transición, como puente entre lo que fue y lo que se está gestando. También sugiere una repetición fonética que remite al acto de coimaginar: arte, gastronomía y comunidad como pilares de un mismo impulso.

En un panorama saturado de conceptos gastados, ARRRCO se sostiene con autenticidad. No intenta ser un restaurante artístico ni una galería con cocina. Aquí el arte se respira sin necesidad de vitrinas.

D. Calle Lisboa 3C, Juárez, CDMX

IG. @_arrrco

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