El centro histórico de Puebla es un lugar que solo puede comprenderse verdaderamente cuando se conoce desde dentro, y que hoy está reconocido como Patrimonio Cultural de la Humanidad. Antes del siglo XX fue considerado el mayor de América y actualmente reúne 2,619 monumentos catalogados por la UNESCO, testigos vivos del esplendor barroco y neoclásico que define a la ciudad.
En este mágico lugar se ubica Palacio Julio, un hotel boutique que une dos casas palacio del siglo XVII en un proyecto que recupera el esplendor de siglos pasados. Su ubicación es inmejorable: a pasos de la Catedral, la Biblioteca Palafoxiana, la Capilla del Rosario y algunos de los templos barrocos más emblemáticos de México.
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Tras un meticuloso proceso de restauración, estas casas, una intervenida en estilo neoclásico en el siglo XVIII, y otra con huellas intactas del XVII y XVIII, se transformaron en un espacio que combina historia, arte y la elegancia propia de Puebla. En sus pasillos, vitrales y salones conviven molduras barrocas, lámparas de cristal y una colección contemporánea en tonos azul y gris que recorre el hotel con un lenguaje sobrio y actual.
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Con 71 habitaciones y suites distribuidas entre la casona histórica y un edificio anexo integrado en los años setenta, hoy reinterpretado con técnicas de arte contemporáneo, Palacio Julio ofrece vistas directas a la Catedral y a algunas de las iglesias más hermosas de la ciudad.
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Sus catorce salones destacan como algunos de los espacios más solicitados: desde el Gran Salón del Vitral Azul hasta los privados de Mon Amour, ideales para cenas especiales, bodas y reuniones de alto nivel. Todos conservan un carácter sofisticado, con reminiscencias francesas del siglo XIX y detalles que evocan épocas pasadas.
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En la parte culinaria destacan Puebla Mon Amour y Mon Amour Petite, dos restaurantes que reinterpretan recetas icónicas de la cocina barroca poblana con un enfoque contemporáneo y el uso de productos locales de temporada.
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Palacio Julio es ideal para quienes disfrutan hospedarse en lugares con alma: arquitectura del siglo XVII, arte contemporáneo, espacios refinados y una ubicación privilegiada para recorrer Puebla a pie. El hotel ofrece:
Check-in y check-out flexibles
Mayordomo 24 horas previa solicitud
Niñera y tutoría para niños
Comidas a la habitación y desayunos buffet
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A minutos del hotel están algunos de los tesoros más importantes de Puebla:
Capilla del Rosario
Catedral
Biblioteca Palafoxiana
Museo Amparo
Calle de los Sapos
Barrio de los Remedios
Templos barrocos de Tonantzintla y Acatepec
Pirámide de Cholula
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Hospedarte en Palacio Julio es vivir Puebla desde su origen, desde el corazón donde se formó el centro histórico más grande de América previo al siglo XX, con sus más de 2,600 monumentos que hoy lo convierten en un Patrimonio Cultural de la Humanidad. Es sumergirte en el lifestyle y el legado de los poblanos, en un lugar donde la historia, la estética y la tradición siguen vivas.
Esta temporada, vive Puebla desde Palacio Julio: historia, alma y elegancia en el corazón del centro histórico.
D. 2 Oriente 211, 72000 Centro Histórico Puebla, México
Orchid House suma un nuevo destino a su colección: una casona centenaria en el corazón de Coyoacán, llena de carácter, luz y detalles que conservan el encanto de otra época. Entre bugambilias y arquitectura clásica, este espacio abre un nuevo capítulo para la marca: un hotel íntimo, con personalidad propia y una esencia profundamente local. Aquí todo fluye con naturalidad, lo antiguo y lo contemporáneo se encuentran sin esfuerzo, invitando a descubrir una forma distinta y más tranquila de vivir la Ciudad de México.
Hay calles que no solo se caminan: se escuchan. Francisco Sosa es una de ellas. Mientras la ciudad avanza a toda velocidad, esta vía conserva una calma particular. Sus puertas de madera guardan historias y los reflejos en sus ventanas dejan ver rastros de quienes han pasado por aquí.
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Aquí se encuentra Orchid House Coyoacán, en el número 277. Una casona antigua que conserva su esencia original y hoy se convierte en un hotel artesanal, auténtico y profundamente local. Aquí cada huésped se vuelve parte de la historia de Coyoacán, uno de los barrios más auténticos de la capital. Entre bugambilias y calles tranquilas, la historia no solo se adorna, sino se vive.
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La casa fue construida en un terreno que ha visto pasar generaciones. Su nobleza permanece intacta: cantera, madera, molduras y patios interiores antiguos. Cada espacio ha sido restaurado con delicadeza, respetando su espíritu y celebrando la belleza que resiste al tiempo. El patio se llena de luz por la mañana, los pasillos se recorren con calma y las habitaciones se sienten cálidas y cómodas. La terraza es perfecta para relajarte en la tarde. Todo está pensado para que te sientas a gusto y vivas el espacio a tu manera.
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Coyoacán se vive mejor caminando: cafés, música, puestos, gente relajada. La Plaza Hidalgo siempre tiene movimiento, la iglesia de San Juan Bautista es parte del paisaje y los artesanos mantienen el toque local con lo que hacen.
Coyoacán también carga un legado importante. Aquí vivieron y pasaron figuras como Frida Kahlo, Diego Rivera, Octavio Paz, León Trotsky, Miguel Ángel de Quevedo, La Malinche, Salvador Novo y Luis Buñuel. Todos ellos dejaron algo en estas calles. Es un lugar con capas de historia y cultura que siguen presentes.
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Francisco Sosa 277 está justo en medio de todo. Orchid House Coyoacán mezcla lo antiguo con lo actual. El resultado es un lugar sencillo, cómodo y auténtico. Cada paso por la calle te recuerda que aquí han sucedido muchas historias antes y que cada quien suma un pedacito más a esa memoria.
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Al final, cada huésped que entra a la casa forma parte de ese mismo hilo que conecta el ayer con lo que está pasando hoy.
Orchid House inicia aquí una nueva etapa en Coyoacán: un hotel joven con historia propia se suma al portafolio para seguir ampliando la forma en la que vivimos la CDMX con calma y autenticidad.
En un mundo donde el lujo redefine fronteras y la hospitalidad encuentra nuevos lenguajes, 2026 se perfila como un año donde viajar no solo es cambiar de destino, sino adoptar una nueva forma de estar en el mundo. Nuestra wishlist es una selección curada de aperturas, experiencias y estancias que marcan el pulso del diseño, la gastronomía, la hospitalidad consciente y el viaje hecho con intención.
1. Tinajani by ANDEAN, Perú
Andean continúa expandiéndose con propósito, y Tinajani es su proyecto más revelador hasta ahora. Situado en su primera área privada de conservación, este refugio de tiendas de bajo impacto se despliega entre formaciones rocosas monumentales, cielos sin contaminación y huellas ancestrales talladas en piedra. Un puente entre Cusco, el lago Titicaca y el valle del Colca que lleva lo inmersivo a un nuevo nivel.
2. Awasi Santa Catarina, Brasil
Awasi extiende su filosofía de privacidad y libertad a la Costa Esmeralda. Su nueva propiedad ofrece 25 villas frente al mar, spa Sisley Paris y experiencias guiadas por expertos locales. Un escape íntimo que celebra la naturaleza tropical desde un enfoque profundamente personalizado.
3. Awasi Mendoza, Argentina
En Luján de Cuyo, Awasi introduce un lodge rodeado de 14 hectáreas de viñedos. La experiencia gira alrededor de rituales de cosecha, paseos con gauchos locales y recorridos sensoriales que invitan a descubrir la tradición vinícola desde una perspectiva íntima.
Uno de los últimos hoteles independientes del Upper East Side continúa siendo sinónimo de elegancia discreta. Con 74 suites y chimeneas reales, The Lowell reafirma el encanto del lujo que no necesita anunciarse.
5. The Beaumont, Londres
Tras una renovación profunda, este edificio Art Déco de Mayfair presenta ROSI, el nuevo restaurante de Lisa Goodwin-Allen. Un concepto que revitaliza la escena gastronómica londinense con una aproximación moderna a los clásicos británicos.
La apertura más esperada del Mediterráneo llega en 2026. Casa Bonavita es un palacio del siglo XVIII restaurado con una mirada sensible y contemporánea. Sus 17 habitaciones, envueltas entre jardines y limoneros, celebran un diseño íntimo que combina muebles antiguos, azulejos sicilianos y texturas hechas a mano.
En primavera de 2026 abrirá la primera propiedad de La Réserve en Italia. Seis apartamentos privados dentro de un palacio renacentista decorado con frescos, terrazas luminosas y vistas al Arno. Un híbrido entre residencia y hotel palaciego para quienes buscan privacidad con servicio a medida.
The Newt suma una nueva propuesta de hospitalidad rural con Yarlington Lodge. Una casa georgiana de uso exclusivo para hasta 16 huéspedes, rodeada de jardines y diseñada para ofrecer experiencias culinarias creadas directamente con horticultores y productores de la finca.
9. Passalacqua, Lago de Como
Reconocido como uno de los mejores hoteles del mundo, Passalacqua continúa ampliando su legado con un nuevo libro Assouline y un spa desarrollado en colaboración con Seed to Skin. Una finca histórica que reafirma lo que significa el refinamiento a orillas del lago.
10. Ultima Promenade Gstaad, Suiza
A finales de 2025 abrirá uno de los chalets más esperados para la temporada invernal 2026. Ultima Promenade Gstaad ofrece cine privado, discoteca, hammam, servicios de bienestar a la medida y vistas privilegiadas a los Alpes.
11. NIHI Rote, Indonesia
La nueva aventura de NIHI abrirá en 2026. Con 25 villas de techo de paja y piscina privada frente a una playa de surf de clase mundial, NIHI Rote redefine la desconexión en uno de los rincones más remotos de Indonesia.
12. Bawah Reserve, Indonesia
Este eco-resort en un archipiélago remoto presenta su nuevo Santuario Aura, especializado en terapia de contraste con sauna de sal roja, sala polar y baños de vapor. Una experiencia inmersiva de bienestar en seis islas rodeadas de lagunas turquesas.
13. Chenot Palace Weggis, Suiza
Con un spa de 5,000 m², programas médicos de longevidad, diagnósticos avanzados y protocolos basados en el Método Chenot, Weggis continúa como uno de los destinos más relevantes en bienestar físico y revitalización profunda.
14. Raffles Hotels & Resorts
Raffles reafirma su presencia global con nuevas aperturas y experiencias personalizadas dentro de su campaña El Mayordomo lo Hizo. Un homenaje al servicio a medida, al legado cultural y a la elegancia que acompaña a la marca desde 1887.
En el centro histórico de San José del Cabo, a unos pasos de Plaza Mijares y del Distrito de Arte, Flamboyan Hotel & Residences se alista para un diciembre con planes relajados: cine navideño, galletas, chocolate caliente y días de playa. ¿No te encantarían unas vacaciones así?
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Más que un hotel, Flamboyan es una base cómoda para caminar la ciudad, visitar galerías y descubrir restaurantes locales. Sus habitaciones y residencias cuentan con cocina equipada, ideales tanto para un fin de semana como para una estancia larga. Arriba, la terraza con alberca y vista panorámica se vuelve el punto favorito al atardecer.
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La temporada arranca esta semana. El 29 de noviembre, huéspedes y familias ayudan a decorar el árbol del lobby; el 30 se realiza el encendido oficial, marcando el inicio del mood navideño. En diciembre, los sábados hay noches de cine con palomitas; en Nochebuena ofrece galletas y chocolate caliente, y en Navidad, buñuelos con más chocolate, un clásico que combina perfecto con el clima fresco de invierno.
La experiencia alrededor del hotel también suma para unas vacaciones inolvidables: Salón Noción (restaurante con vibe artístico), acceso a Veleros Beach Club frente al mar y tratamientos de Gypsy Soul House Spa para equilibrar la energía de la temporada. Además, hay servicio de transfer y transporte privado para moverte fácil por Los Cabos.
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Flamboyan Hotel & Residences forma parte del exclusivo portafolio de hoteles boutique de ODENTIO. Hoy se ha posicionado como un espacio actual, cómodo y auténtico para disfrutar San José del Cabo en modo chill.
D. Av. Centenario 1718, Centro, 23400 San José del Cabo, B.C.S., México
Este noviembre, Orangetheory celebra una década impulsando el bienestar en México. Para conmemorar, lanza una clase temática de aniversario que estará disponible en todos sus estudios el 27 de noviembre. Será una experiencia diseñada para celebrar todo lo que nos ha traído hasta aquí y para invitar a más personas a comenzar su propio camino de transformación.
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Desde su llegada en 2015, Orangetheory ha inspirado a miles de personas a moverse con propósito. A través de un sistema que combina tecnología, ciencia y comunidad, ha demostrado que el ejercicio no tiene que ser exclusivo: puede ser emocionante, personalizado y verdaderamente inclusivo.
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La clase de aniversario no es solo una rutina especial: es un homenaje a los entrenamientos, logros y momentos compartidos durante estos 10 años. Diseñada con una temática única, busca reconectar con lo que realmente nos mueve: sentirnos bien, superarnos y compartir el camino.
“Orangetheory llegó a México con una visión clara: cambiar la forma en que las personas se relacionan con el ejercicio. Diez años después, celebramos una comunidad fuerte, diversa y comprometida con su bienestar. Esta clase especial es nuestra forma de agradecer y seguir inspirando.” — Maricela Hernández, franquiciataria de Orangetheory en México.
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¡Tú también sé parte del aniversario! Entrena con ellos este 27 de noviembre y da el primer paso hacia una nueva forma de vivir el bienestar.
Entre los talleres silenciosos de Le Brassus, rodeados por los bosques centenarios del Vallée de Joux, Blancpain escribe un nuevo capítulo en la historia de la alta relojería. Ocho años de desarrollo, más de mil componentes y un nivel de precisión casi musical dan vida al Grande Double Sonnerie, la creación más compleja de la manufactura y una verdadera revolución para los amantes de las grandes complicaciones.
Un reloj que no marca la hora: la interpreta
Pensado para trascender los límites tradicionales de la sonería, el Grande Double Sonnerie es el primer reloj de pulsera capaz de ofrecer dos melodías completas seleccionables con solo presionar un botón:
el emblemático carillón Westminster
y una composición original escrita por Eric Singer, baterista de KISS y colaborador cercano de la maison.
Ambas melodías utilizan cuatro notas perfectamente afinadas (Mi, Sol, Fa, Si), interpretadas por cuatro martillos independientes y reguladas por un sistema magnético silencioso que asegura un tempo impecable. Esta búsqueda de musicalidad, rara vez alcanzada en relojería sonora, coloca a Blancpain en un territorio completamente nuevo: el del tiempo que se convierte en emoción.
Una pieza donde cada detalle cuenta
Detrás de esta proeza técnica se encuentra el calibre 15GSQ, un movimiento totalmente integrado que reúne grande sonnerie, petite sonnerie, repetición de minutos, un tourbillon volante de 4 Hz y un calendario perpetuo retrógrado diseñado especialmente para esta pieza. Todo ello protegido por cinco mecanismos de seguridad que garantizan un manejo intuitivo y sin riesgos.
Los 26 puentes y la platina principal están elaborados en oro de 18 quilates, un material exigente que revela la maestría de los artesanos encargados del anglage, el pulido espejo y los acabados invisibles, esas superficies ocultas que solo ve el relojero pero que hablan del espíritu de la manufactura.
Sonido, tradición y estética
Para amplificar la resonancia de la melodía, Blancpain integra una membrana acústica de oro en el bisel, una innovación patentada que transforma la caja en una cámara sutilmente amplificada.
El estuche que acompaña la pieza mantiene ese homenaje a la acústica: está fabricado con madera proveniente del legendario bosque de Risoud, famoso por ofrecer los abetos más apreciados por los luthiers. Una continuidad poética entre el origen del sonido y su interpretación.
Más que un reloj: un manifiesto
Con apenas dos piezas producidas al año, el Grande Double Sonnerie encarna la visión de Marc A. Hayek: crear un reloj concebido para ser usado, admirado y escuchado; una pieza que combina complejidad técnica con una experiencia sensorial profunda.
“Quise un Grande Sonnerie que hiciera sonreír al dar la hora, que despertara una emoción genuina”, afirma Hayek. Y eso es precisamente lo que logra esta obra: convertir el tiempo en un instante memorable.
La temporada invernal llega acompañada de una energía que invita a detenernos, observar la luz distinta en la ciudad y reencontrarnos con pequeños rituales que transforman los días. En este espíritu, y bajo esa idea nace este gift guide de holiday, una selección curada de objetos que acompañan, reconfortan y elevan la experiencia sensorial de quien los recibe.
Desde productos que honran la piel con texturas envolventes hasta fragancias que capturan el pulso de la temporada, cada pieza aquí elegida responde a un deseo: regalar momentos. No se trata de llenar cajas bajo el árbol, sino de elegir aquello que suma calma, luz y carácter a las rutinas personales.
En un año donde los detalles adquieren un valor distinto, regalar belleza es regalar pausa. Es ofrecer un respiro en medio del ritmo acelerado, una invitación a construir rituales propios en la intimidad del invierno. Esta guía no pretende dictar tendencias, sino sugerir caminos: texturas, aromas y gestos que nos recuerdan que el autocuidado también es una forma de celebración.
Que esta selección funcione como punto de partida para descubrir lo que cada persona necesita: luminosidad, suavidad, renovación o simplemente un instante para sí misma. Envolvemos esta temporada con intención y dejamos que la belleza —la auténtica— se convierta en el mejor obsequio.
Hay casas que no fueron diseñadas solo para vivir, sino para revolucionar una era. Residencias que no siguieron tendencias: las crearon. Estos espacios cuestionaron qué significa habitar y reescribieron la historia desde sus muros, su luz, su silencio. Estas son 10 casas que cambiaron la arquitectura para siempre.
1. Villa Savoye — Francia, 1931 / Le Corbusier
Una casa elevada sobre pilotes, libre de muros y ornamentación. Un manifiesto: la arquitectura podía ser máquina, no adorno. El punto exacto donde nació la modernidad.
2. Fallingwater — Estados Unidos, 1935 / Frank Lloyd Wright
Una casa construida sobre una cascada. Sin metáfora: literalmente sobre el agua. Orgánica, salvaje, perfectamente imposible. La naturaleza ya no rodeaba la casa; en cambio, la habitaba.
Luz dorada, muros que respiran silencio, color como emoción espiritual. Más que casa, este espacio promueve introspección pura. Además, fue declarada Patrimonio por la UNESCO.
Es roja, solitaria y parece esculpida por el viento. Una escalera monumental que sube al cielo. Drama mediterráneo. El cine la convirtió en mito eterno.
Estos espacios, más que casas, son puntos de inflexión. Algunas residencias no se recuerdan por cómo se ven, sino por cómo hicieron pensar distinto al mundo.
Del 24 al 30 de noviembre, Nobu Hotel Los Cabos se consolida como un epicentro cultural al presentar la segunda edición de On Exhibition, una experiencia artística inmersiva que transforma los espacios del resort en una galería viviente. Esta iniciativa, en colaboración con Chayul Collective —plataforma con sede en Nueva York dedicada a impulsar talentos emergentes—, propone una semana donde el arte se manifiesta como lenguaje, como diálogo y como terreno común entre visitantes, creadores y coleccionistas.
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Este año, On Exhibition gira en torno al tema “Un sentido de pertenencia”, explorando cómo el arte puede convertirse en refugio emocional, espejo de identidad y punto de encuentro entre memorias, culturas y formas de habitar el mundo. A través de pintura, escultura, cine, motion design, música y experiencias performativas, los artistas participantes crean un recorrido sensorial que cuestiona lo íntimo y lo colectivo.
Hotel Nobu Los Cabos. Photo by: Victor Elias Photography.
Entre los talentos confirmados, destacan Julia Wheatley, cuya exploración del color y el collage revela capas de historia personal; Nicolás Manrique, nominado al Emmy por su innovadora estética surrealista en animación 3D; Jenna Krypell, quien combina arte y diseño en piezas dimensionales con profundo impacto visual; y Mateo Sicilia, cineasta que utiliza la comedia oscura para reflexionar sobre la identidad, el poder y la sociedad. Los acompañan Frank Alcock y Markciano, artistas sonoros que fusionan disco, house y ritmos latinos para transformar la atmósfera del hotel en un paisaje sensorial.
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El programa ofrece sesiones de pintura en vivo, subastas en el Jardín Shiawase, proyecciones de cine, cenas curatoriales en Muna, sunset sessions y una soirée de clausura en M Bar. Más que actividades, son experiencias pensadas para activar conversaciones y abrir nuevas formas de apreciar el arte contemporáneo en un contexto de hospitalidad y lujo.
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On Exhibition se presenta como una plataforma que trasciende el concepto tradicional de exposición: es vivencia, diálogo y comunidad. Nobu Hotel Los Cabos reafirma así su compromiso con el arte, posicionándose como un destino donde la creatividad se vive, se comparte y se celebra.
D. Polígono 1. Fracción D. Fraccionamiento Diamante, Los Cangrejos, 23473 Cabo San Lucas, B.C.S.
Hay momentos del año en los que el cuerpo parece hablar más despacio. El aire se vuelve nítido, la luz cambia de ángulo, y lo cotidiano adquiere un matiz de pausa. En esa quietud que trae la temporada fría, la piel se convierte en un recordatorio de cómo habitamos el tiempo. Las bajas temperaturas muestran fragilidad, piden abrigo, reclaman un regreso al cuidado íntimo.
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Seasons Love Your Skin responde a ese gesto con una filosofía que huye del exceso y se inclina hacia la escucha. Desde sus fórmulas funcionales y naturales, diseñadas para las necesidades de las pieles latinas, propone una belleza que pretende restablecer. La marca trabaja con texturas ligeras, activos botánicos y combinaciones precisas que dialogan con el clima frío: ingredientes como la menta purificante, la niacinamida equilibrante, el ácido hialurónico en diferentes pesos moleculares, la coenzima Q10, el retinol nocturno o los aceites de rosa mosqueta y argán, todos destinados a devolver suavidad, energía y confort.
En esta temporada, en la que la piel seca busca reparación profunda y la piel grasa ansía control sin fricción, las fórmulas de Seasons encuentran un punto medio entre eficacia y suavidad. Los limpiadores respetan la barrera; los serums se integran sin peso; las cremas nutren sin saturar; los protectores solares se convierten en una capa de claridad frente al clima y la contaminación. Cada gesto es simple, pero deliberado.
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Más allá de la rutina, la marca amplifica la experiencia a través de sus cabinas profesionales, donde sus fórmulas se transforman en rituales de bienestar profundo. Y celebra la temporada con un Calendario de Adviento que convierte cada día en una invitación a redescubrir la piel desde el cuidado personal.
Con más de 13 años en el mercado, Seasons ha construido un lenguaje propio dentro de la dermocosmética mexicana: uno que combina estándares internacionales con un entendimiento íntimo de las pieles latinoamericanas. Su presencia en spas, tiendas departamentales y plataformas digitales ha consolidado un código de belleza contemporáneo, honesto y profundamente sensorial.
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En una temporada que invita a volver a lo esencial, Seasons no busca imponer un ideal, sino acompañar un proceso: permitir que la piel encuentre su ritmo natural y que ese ritmo se convierta en una forma de habitar el invierno con intención, suavidad y luz propia.
En un mundo lleno de historias que nos hacen reír, llorar, reflexionar o librar batallas épicas, el cine sigue siendo ese refugio donde la creatividad y la emoción se fusionan para transportarnos a otros mundos, vidas y realidades. Cada género nos invita a experimentar diferentes emociones: el vértigo de la acción, la intensidad de un drama, la magia de la animación o la adrenalina del suspenso.
Hoy te presentamos una selección cuidadosamente curada de películas que, sin duda, dejarán huella en tu memoria y te darán razones para enamorarte aún más del cine. Desde historias que desafían la mente hasta comedias que arrancan carcajadas, estas propuestas te acompañarán en cualquier momento del día. ¿Listo para descubrir los filmes que te harán vivir experiencias inolvidables? ¡Aquí van las mejores recomendaciones para todos los gustos y estados de ánimo!
Acción – Fight Club
Un oficinista insomne forma un club clandestino de lucha para escapar de su monotonía, solo para ver cómo su vida se descontrola en esta historia llena de intensidad y reflexión sobre la identidad.
Credits: IMDB
Comedia – Wedding Crashers
Dos amigos que disfrutan infiltrándose en bodas para divertirse, acaban en situaciones inesperadas que los llevan a replantearse el amor, la amistad y la vida en comunidad.
Credits: IMDB
Drama – Whiplash
Un joven baterista se enfrenta a su duro profesor en una batalla por la perfección, en una historia que explora la obsesión, el sacrificio y la pasión por la música.
Credits: IMDB
Terror / horror – Heretic
Dos jóvenes misioneras se ven obligadas a demostrar su fe cuando llaman a la puerta equivocada y son recibidas por el Sr. Reed. Los tres se verán envueltos en un brutal juego del gato y el ratón durante una larga noche de tormenta.
Credits: IMDB
Ciencia ficción – Interestelar
Un astronauta emprende un viaje a través de un agujero negro para buscar un nuevo hogar para la humanidad, enfrentando dilemas éticos y científicos en un thriller espacial épico.
Credits: IMDB
Suspenso / thriller – Parasite
Una familia humilde se infiltra en la vida de una familia adinerada, desencadenando una serie de eventos que revelan las profundas desigualdades sociales en una trama llena de giros sorprendentes.
Credits: IMDB
Romance – About Time
Un joven descubre que puede viajar en el tiempo y usa esta habilidad para mejorar su vida amorosa y familiar, explorando el valor de los momentos cotidianos y el amor verdadero.
Credits: IMDB
Animación – Isle of Dogs
En una ciudad futurista, un perro es enviado a una isla llena de otros perros abandonados, donde enfrenta peligros y descubre un mundo mágico lleno de amistad y lealtad.
Credits: IMDB
Musical – La La Land
Dos artistas en Los Ángeles luchan por hacer realidad sus sueños en el mundo del espectáculo, mientras navegan por el amor y las dificultades de perseguir sus pasiones.
Credits: IMDB
Guerra – Fury
Un escuadrón de soldados en la Alemania nazi atraviesa los estragos de la Segunda Guerra Mundial, enfrentando la pérdida y la esperanza en medio del caos.
Credits: IMDB
Basada en hechos reales – The Boy Who Harnessed the Wind
La historia de un joven malawí que, con ingenio y determinación, construye una turbina para salvar a su comunidad de la hambruna, demostrando que la innovación puede cambiar vidas.
En un mundo en el que viajar se ha vuelto cotidiano, The Everywhere Home rescata la esencia del lujo: los detalles, la calidez y la atención genuina. Fundada sobre una filosofía simple, pero poderosa: “luxury is in the details, experiencing is living locally, and hosting is personal”, esta plataforma de boutique hosting y property management, transforma cada estancia y cada propiedad en una experiencia única y profundamente personal.
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Con presencia en México, Madrid y Colorado, The Everywhere Home redefine la hospitalidad desde una perspectiva global y profundamente local.
Para el viajero, The Everywhere Home crea el equilibrio perfecto entre comodidad y lujo. Es la oportunidad de vivir como un local, pero con el cuidado y la elegancia de un servicio cinco estrellas. Para el propietario, representa la tranquilidad absoluta de saber que su casa está en las mejores manos, gestionada con la misma dedicación y pasión con la que fue concebida.
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“Tu casa es nuestro hogar. Nos encargamos de los detalles, tú disfrutas del sueño.”
Con un equipo que entiende que recibir es un arte, The Everywhere Home no se limita a gestionar o rentar; sino que hospeda, acompaña y cuida. Cada bienvenida, cada espacio, cada experiencia está pensada para despertar una sensación de pertenencia: esa rara mezcla entre sofisticación y calidez que convierte una estancia en un recuerdo.
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Su promesa es clara: Hosting personal y personalizado y un recibimiento perfecto, cada vez. Porque el verdadero lujo no está en lo que ves, sino en lo que sientes al llegar.
Con su arquitectura, una combinación entre lo artesanal, lo minimalista y lo natural se integran con la vegetación nativa y el sonido del Pacífico, creando un ambiente donde cada espacio inspira calma. Con pocas habitaciones, Monte Uzulu, el santuario de la costa oaxaqueña, se enfoca en la intimidad y en un sentido de serenidad que se siente desde la llegada.
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Más que un hotel, Monte Uzulu es un lugar de experiencias. Sus nuevas amenidades, como la palapa y la alberca boutique, enriquecen cada estancia; mientras que su agenda de retiros y encuentros, que incluye tanto propuestas de bienestar como actividades culturales, convierte al espacio en un destino para reconectar de verdad. A ello se suma su colaboración con iniciativas locales, que lo posiciona como una opción respetuosa, amable y conscientemente integrada a la región.
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Monte Uzulu es el tipo de lugar al que uno llega buscando descanso, pero del que se va con algo más: una sensación renovada de claridad y una conexión íntima con la naturaleza que permanece mucho después del viaje.
D. Callejón Sin Nombre S/N, San Agustinillo, Oaxaca, México
Desde su apertura, Colima 112 ha consolidado su posición como uno de los referentes más innovadores de la óptica independiente en México. Situado en la vibrante colonia Roma Norte, este espacio se ha convertido en mucho más que un punto de venta: es una plataforma de encuentro donde converge un selecto grupo de marcas globales que fusionan artesanía, tecnología y un estilo disruptivo. En un mercado saturado de opciones, Colima 112 destaca por su curaduría meticulosa y su experiencia sensorial, que invita a clientes y creadores a reimaginar la visión y el diseño.
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Uno de los mayores atractivos de Colima 112 es su exhibición, una de las más extensas del mundo en marcas de alta gama. En sus vitrinas, convergen nombres como Jacques Marie Mage y Chrome Hearts, dos referentes absolutos del diseño óptico contemporáneo. Ambas marcas presumen de una atención obsesiva por el detalle, producciones limitadas y una fuerte identidad estética que trascienden la funcionalidad para convertir cada par de lentes en piezas de arte. Este enfoque ha posicionado a Colima 112 como un espacio dedicado a la autenticidad y la exclusividad.
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Pero la selección del espacio va más allá de los nombres occidentales. La firma también alberga una cuidada apuesta por marcas japonesas, como Yuichi Toyama, reconocida por su enfoque arquitectónico en el diseño de armazones. Sus líneas limpias, estructuras ligeras y la fusión entre técnica tradicional japonesa y experimentación moderna reflejan un equilibrio perfecto entre tradición y vanguardia. La opción por marcas que priorizan la innovación estéticas y técnicas es un sello distintivo en esta galería de la moda óptica.
Otra joya de Colima 112 es su condición de una de las cinco galerías oficiales de Kuboraum a nivel mundial. Originada en Berlín y fabricada artesanalmente en Italia, esta marca propone lentes que son más que armazones: son “máscaras” conceptuales, piezas cargadas de carácter, irreverencia y narrativa. Sus modelos disuelven los límites entre arte, diseño y función, haciendo de cada pieza una declaración de identidad.
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El valor de Colima 112 radica en su capacidad de transformar la manera en que vemos el mundo y, sobre todo, en cómo lo reinterpretamos. Cada modelo y cada marca en su espacio ha sido seleccionada para ampliar la visión, invitando a sus usuarios a reinterpretar sus propios mundos y estilos. En un panorama que evoluciona rápidamente, Colima 112 continúa posicionándose —y lo seguirá haciendo— como un hito en la moda y la óptica en México.
Más sobre Colima 112
Ubicado en la Roma Norte, Colima 112 es un espacio independiente dedicado a la curaduría de lentes de diseño. Cuenta con una de las selecciones más completas en el país, presentando marcas como Jacques Marie Mage, Chrome Hearts, Yuichi Toyama, Kuboraum, Akila, Peter and May, Lindberg, Thierry Lasry, Thom Browne, entre otras. Su propuesta redefine la óptica contemporánea como una experiencia sensorial y conceptual, invitando a vivir la moda desde una perspectiva más auténtica y personal.
Fotógrafo, cineasta, músico y escritor, Clément Beauvais (París, 1981) es un artista que se mueve con una naturalidad inquietante entre disciplinas. Su universo está hecho de imágenes que parecen surgir del sueño, de sonidos que evocan mitos antiguos y de palabras que buscan reencantar al mundo moderno.
Entre gigantes dormidos, mitos y memoria
Su obra, ya sea una instalación cinematográfica o un proyecto musical experimental, oscila entre la realidad y la ficción, entre lo humano y lo posthumano, entre lo que fue y lo que podría haber sido. En Sleeping Giants, su más reciente instalación, la humanidad ha desaparecido, pero sus vestigios duermen en forma de esculturas colosales.
Conversamos con él sobre la naturaleza de lo sagrado, las civilizaciones que nos precedieron y el lugar de la imaginación en una era donde la verdad se fragmenta.
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Has trabajado en fotografía, cine, música y escritura. ¿Cómo decides qué medio usar para cada idea?
Cada medio sigue, pero también crea, su propio ritmo y territorio, su propia relación con el tiempo y el espacio. Una misma idea resuena de manera diferente según el medio que se utilice. A veces los límites entre los medios se vuelven fluidos. Me gusta explorar la conexión y también la tensión que puede existir entre ellos, y cómo esto afecta nuestra percepción del tiempo y del espacio.
En Sleeping Giants imaginas un mundo sin humanos, habitado solo por gigantes dormidos. ¿Cómo nació esta idea? Estos gigantes simbolizan el impulso creativo de las primeras civilizaciones, quienes poblaron el mundo con espíritus y deidades. En este mundo despoblado, estas figuras actúan como guardianes de una historia sin narrador. Los antiguos espíritus de la naturaleza yacen en un sueño eterno, protegiendo los últimos ecos de nuestra existencia
. La pieza tiene una atmósfera casi mística, un silencio que parece hablar.
Sí. A través de estos gigantes dormidos, quería que el espectador se preguntara: ¿Qué sueñan estas figuras mientras descansan bajo el vasto cielo indiferente? ¿Son ruinas de civilizaciones o espíritus esperando despertar nuevamente?
El filme explora el umbral entre desaparición y persistencia, realidad y virtualidad, mostrando cómo la historia humana podría fusionarse con su propio comienzo.
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Técnicamente también es una experiencia inmersiva.
Es una instalación cinematográfica de 16 minutos, filmada en formato digital y proyectada en 4K DCI (4096×1716) con sonido Dolby Atmos. Más que una película, es una experiencia meditativa.
Tu primera exposición, The Man from Utah, debutó en París en 2021. ¿Qué te atrajo de ese territorio desértico?
Hanksville fue fundada por colonos en 1882 y sigue siendo un pequeño pueblo desértico. Justo más allá se encuentra la Mars Desert Research Station, un entorno simulado de Marte donde los investigadores viven en aislamiento, preparándose para la vida en el planeta rojo.
El mismo espíritu que impulsó a los colonos hacia el oeste ahora mueve a los investigadores hacia el espacio. Se puede imaginar que algún día habrá en Marte lugares como Hanksville, llamados así en honor a quienes descubrieron, resistieron y se establecieron allí, manteniendo vivo el espíritu de descubrimiento.
Tus obras dialogan con los mitos antiguos. ¿Qué te atrae de ellos?
Quise explorar nuestra relación con la naturaleza a través del prisma de las civilizaciones antiguas, cuando la naturaleza se percibía como sagrada y vivía con espíritus. Desde precolombinos, nativos americanos, griegos y mesopotámicos, la naturaleza era sagrada y algunos animales eran emisarios divinos.
Hoy, esa percepción ha desaparecido; la naturaleza refleja luchas políticas. Pero los mitos y artefactos en los museos nos recuerdan que alguna vez este mundo estuvo encantado.
Mi práctica artística se sitúa en la frontera entre documental y ficción, buscando ese punto donde la realidad se fragmenta y se transforma en múltiples narrativas posibles.
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Has colaborado con marcas como Dior, Givenchy, Kenzo y BMW. ¿Cómo logras mantener tu voz dentro del ámbito comercial?
He tenido la suerte de trabajar con marcas que me otorgaron mucho control creativo en algunos de los proyectos comisionados. Me interesa usar ese espacio para explorar, no solo comunicar. Cuando la industria confía en el artista, pueden surgir resultados poéticos incluso dentro del mercado.
Hablas mucho sobre la noción de verdad en la era contemporánea. ¿Cómo la defines?
Hoy existe una diferencia entre realidad y verdad. No siempre fue así. Descartes buscaba una verdad universal y estable para definir la realidad, pero hoy sabemos que puede ser fragmentada, múltiple y mediada culturalmente.
Documental y ficción no son polos opuestos, sino dos modos de revelar dimensiones distintas del mundo. Cada una tiene sus verdades y mentiras. La responsabilidad surge cuando una narrativa busca dominar sobre otra, como ocurre con la propaganda.
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Tus imágenes evocan nostalgia, pero también mundos posibles.
No se trata tanto de nostalgia como de la posibilidad de realidades alternativas. Una fotografía nunca muestra una sola verdad: la realidad que una imagen muestra cambia según quien la observe. Cada espectador aporta su percepción, memoria e imaginación. Al capturar un momento, se separa del flujo de tiempo, convirtiéndose en un punto de partida para múltiples narrativas alternas.
Además de tu obra visual, formas parte del dúo experimental Reptile Reptiles. ¿Cómo nace esa colaboración?
Comencé componiendo música para mis películas. Siempre ha sido algo muy intuitivo. Con Alexandre Bazin conectamos naturalmente y comenzamos a trabajar en un disco. Su experiencia en el Groupe de Recherches Musicales abrió un campo de experimentación sonora. Nuestro primer disco es narrativo: cuenta la historia de un alma que regresa a la tierra del alma en ocho secuencias, cada tema como un capítulo, acompañado de un libro de 18 páginas con fotos y poemas leídos por Gary Farmer.
Gary Farmer, actor nativo americano recordado por Deadman, de Jim Jarmusch, participa en el proyecto. ¿Qué representa para ti su presencia?
Este disco es también un homenaje a esa película y a ese gran personaje encarnado por Gary. Su voz aporta una dimensión espiritual profunda, una conexión con los mundos invisibles que siempre intento evocar.
Tus imágenes parecen detener el tiempo. ¿Qué te atrae del instante cotidiano?
Para mí, lo mundano es un umbral. Objetos o momentos cotidianos pueden sentirse extraños por su banalidad, apuntando a algo más allá. Me interesa cómo una imagen puede trascender su marco, sugiriendo un mundo fuera de la pantalla. Esa tensión entre presencia y ausencia, atracción y escape, es donde reside la poesía.
¿Qué artistas o cineastas te han influido más?
Muchos artistas me han marcado —libros, pintura, cine—, pero directores como David Lynch, Béla Tarr o Jim Jarmusch tuvieron un fuerte impacto en mí. La lentitud, el misterio y la profundidad con que abordan la realidad influyeron mucho en mi mirada.
Tus proyectos parecen diseñados para ser vividos más que vistos. ¿Cómo concibes la experiencia del espectador?
Sleeping Giants es una instalación inmersiva donde sonido e imagen son igualmente importantes. Más que un cortometraje, es una experiencia que invita al público a reflexionar sobre nuestro lugar en la naturaleza y nuestra historia. Busco crear un espacio de resonancia más que de narrativa. El uso del sonido Dolby Atmos y una imaginería lenta y meditativa disuelven la frontera entre cine, memoria y mito.
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¿Qué esperas que el público se lleve de esta experiencia?
Espero que el espectador reflexione sobre la relación del ser humano con la naturaleza, la memoria y la impermanencia de la civilización. En este universo posthumano, la naturaleza se convierte en la última guardiana de la memoria. Los gigantes dormidos custodian los últimos rastros de humanidad. Actualmente, estoy desarrollando un proyecto de instalación que combina sonido, imagen y aromas.
Su obra no busca respuestas, sino resonancias. En ella, el tiempo se detiene y la imagen se convierte en espíritu. En un mundo obsesionado con la inmediatez, Beauvais nos recuerda que la contemplación, como los gigantes dormidos, también puede ser una forma de resistencia.
Puntarena conmemora un hito muy especial: sus 25 años de historia, un camino que comenzó en 2000 en Palmas, Ciudad de México, y que hoy se extiende a España, consolidándose así como un referente de la gastronomía del Pacífico mexicano y su espíritu vibrante.
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Fundado por Federico Rigoletti, quien encontró en el mar su inspiración y razón de ser, Puntarena nació como un proyecto inspirado en las travesías oceánicas y las raíces mexicanas. Aunque Rigoletti fue formado como administrador en el ITAM, su verdadera pasión la descubrió en el contacto con el océano. Para él, el mar es un refugio, un lugar que le brinda claridad, inspiración y asombro, cualidades que se reflejan en cada uno de sus platos. Con esa esencia, reinterpretó conceptos gastronómicos que hoy son emblemáticos, como el pescado a la talla y la tostada de atún, que se han convertido en símbolos de la cocina del Pacífico y del restaurante Puntarena.
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A lo largo de estos 25 años, Grupo Puntarena ha evolucionado sin perder su autenticidad. Han surgido conceptos como Primos, Sobrinos y Torinos, complementando su propuesta con diversidad y creatividad. La expansión internacional fue un paso firme y exitoso: en 2018, abrieron su sede en la Casa de México en Madrid, que en 2024 evolucionó a Puntarena/Ticui, ganando reconocimiento en Europa y reafirmando su calidad y prestigio.
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Hoy, el grupo tiene siete unidades en México y una en España, cada una comprometida con ofrecer experiencias memorables que honren la cultura del Pacífico mexicano, promoviendo ingredientes de calidad, innovación y hospitalidad en cada mesa. Puntarena y Ticui en Madrid son prueba del impacto global de un concepto que combina tradición, innovación y pasión.
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Para conmemorar su 25° aniversario, Puntarena lanzará una edición especial de 300 botellas de tequila Siete Leguas, un tributo que une la cultura y tradición mexicana con el espíritu del grupo. El tequila, símbolo vivo de México, comparte con la cocina de Puntarena la pasión por lo auténtico y lo artesanal, celebrando así la identidad cultural que ambos representan.
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Más que un restaurante, Puntarena es un espacio que refleja el alma de México, un lugar donde la historia y la innovación se fusionan en recetas y experiencias que trascienden fronteras, reafirmando que la pasión por la buena mesa y las tradiciones mexicanas siguen más vivas que nunca en este 25° aniversario.
Desde que fue fundada en 1991, Quark Expeditions ha consolidado su posición como líder mundial en viajes de exploración polar, especializándose en aventuras únicas en los entornos más remotos y frágiles del planeta. La compañía ha sido pionera en abrir las puertas de los extremos del mundo a viajeros curiosos y aventureros que desean experimentar la naturaleza en su forma más pura, donde el tiempo parece detenerse y la belleza es casi intangible.
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Uno de los mayores hitos en la historia de Quark fue realizar en 1991 el primer viaje turístico al Polo Norte, una travesía que marcó un antes y un después en el turismo polar. Además, en sus más de 30 años de historia, la empresa ha llevado a la humanidad a lugares inexplorados, como la primera expedición turística en el Pasaje del Noreste, en el Ártico. Estos logros no solo reflejan su liderazgo, sino también su compromiso con la innovación y la sostenibilidad en un entorno tan sensible.
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La clave del éxito de Quark radica en su enfoque multidisciplinario, que combina la aventura, la ciencia y la conservación. La compañía trabaja con un equipo de expertos en ciencias polares, guías especializados y pilotos de alta experiencia, que aseguran que cada viajero no solo disfrute de vistas impresionantes, sino que también aprenda y valore la importancia de proteger estos ecosistemas únicos. Por otra parte, la flota de Quark está compuesta por buques modernos y ecológicos, diseñados para minimizar el impacto ambiental y ofrecer el máximo confort en viajes extremos.
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En particular, Quark Expeditions ha destacado en la exploración de la Antártida, considerada el destino más allá del fin del mundo. Sus itinerarios incluyen expediciones al territorio donde residen especies emblemáticas como los pingüinos emperador y rey, glaciares majestuosos y paisajes que parecen mundos de otro planeta. La experiencia en la Antártida no es solo un viaje; es una inmersión en una naturaleza radicalmente pura, en un lugar donde la tierra, el hielo y el mar se entrelazan en una danza que se repite en ciclos infinitos.
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Lo que diferencia a Quark no es solo su historia o su experiencia, sino su filosofía de sostenibilidad y respeto por los ecosistemas polares. Con equipos expertos, actividades de aventura como kayak, navegación en Zodiacs y vuelos en helicóptero, la expedición se convierte en una oportunidad para conectar profundamente con el planeta, comprender su vulnerabilidad y valorar su belleza incalculable.
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En definitiva, viajar con Quark Expeditions es mucho más que visitar un destino remoto: es ser testigo del planeta en su estado más auténtico y frágil, y entender por qué vale la pena llegar tan lejos para experimentar un lugar que parece de otro tiempo, y quizás, de otro mundo.
En los últimos años, los tratamientos estéticos han cambiado de propósito. Hoy no se trata de transformar el rostro, sino de mantenerlo fresco, descansado y natural. En ese cambio, Restylane de Galderma se ha convertido en una de las opciones más recomendadas por dermatólogos y médicos estéticos. Su secreto está en la ciencia: un tipo de ácido hialurónico diseñado para trabajar con la piel, no contra ella.
¿Qué es y cómo funciona Restylane?
Restylane es una línea de productos creada por Galderma, una compañía suiza especializada en dermatología. Su ingrediente principal, el ácido hialurónico, es una sustancia que el cuerpo produce de forma natural y que ayuda a mantener la piel hidratada y con volumen. Con el tiempo, esa reserva natural se reduce. Restylanela repone de manera precisa, aportando firmeza y suavidad sin alterar los rasgos.
El tratamiento se aplica mediante pequeñas inyecciones, realizadas por un profesional, que redefinen contornos, suavizan líneas o mejoran la textura de la piel. Los resultados son graduales y discretos: el rostro luce descansado, no diferente.
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¿Por qué es distinto a otros rellenos?
Galderma desarrolló dos tecnologías que hacen de Restylane algo particular:
NASHA®, que aporta estructura y firmeza.
Restylane OBT, que mantiene la flexibilidad de los tejidos y la expresión natural.
Esto significa que la piel puede seguir moviéndose con naturalidad: sonreír, gesticular, hablar, sin esa sensación de rigidez que a veces se asocia con los tratamientos estéticos.
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Tipos de Restylane y sus usos más comunes
La línea incluye varias opciones según las necesidades de cada persona:
Restylane Kysse, para dar volumen y definición a los labios.
Restylane Lyft, para recuperar volumen en pómulos y contorno facial.
Restylane Defyne y Refyne, para suavizar líneas de expresión.
Restylane Skinboosters, que mejoran la hidratación y luminosidad general de la piel.
La elección depende de la zona, la edad y el resultado que se busque. Un especialista puede orientarte sobre cuál es el más adecuado.
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Resultados y duración
Los efectos suelen ser visibles de inmediato, aunque el resultado final se aprecia mejor tras unos días. Dependiendo del producto, puede durar entre 6 y 18 meses. Lo más importante es que el resultado no es permanente: la piel lo va absorbiendo poco a poco, de modo que el efecto se desvanece de forma natural con el tiempo.
En una época en la que el bienestar dejó de ser accesorio para convertirse en una extensión de la identidad, las decisiones que tomamos sobre nuestro cuerpo empiezan a tener una intención distinta. Ya no buscamos soluciones que lo fuercen ni procedimientos que lo transformen de manera brusca; buscamos tecnología que acompañe, que refine, que respete su naturaleza. En ese tránsito (entre el deseo de cambio y el deseo de conservar nuestra esencia) es donde KIOO Medical & Beauty Center ha construido su propuesta. Y dentro de ella, Endolyse Corporal aparece como un punto de inflexión: un tratamiento que se integra a la vida contemporánea sin interrumpirla y que redefine la forma de esculpir la silueta.
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Lo primero que sorprende de Endolyse es la discreción con la que trabaja. No hay cortes. No hay bisturí. No hay la narrativa dramática que solía acompañar cualquier intervención corporal. En su lugar, hay un láser de fibra interna que actúa bajo la piel con una precisión silenciosa. La energía térmica se dirige con exactitud hacia zonas donde la grasa es más resistente, al mismo tiempo que estimula la retracción del colágeno y mejora la textura general. El resultado no aparece como un “antes y después” radical, sino como una transición natural donde el cuerpo parece adoptar una versión más definida de sí mismo.
Esa naturalidad no es casual: es parte del enfoque de KIOO Center. La tecnología de cuarta generación utilizada en Endolyse no solo está diseñada para ser efectiva, sino para integrarse con cuidado a la fisiología del cuerpo. Lo que allí sucede es una lectura minuciosa de la anatomía, un análisis de la estructura y el movimiento cotidiano de cada persona, y un diseño de protocolo que se ajusta como una pieza hecha a medida. Es una manera de entender la estética que deja atrás los moldes rígidos y adopta una visión más contemporánea: personalizada, consciente y profundamente humana.
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La experiencia, además, se siente sorprendentemente ligera. La sesión es breve, el proceso es cómodo y no requiere pausas prolongadas en la rutina diaria. Para quienes viven entre agendas saturadas, viajes constantes o días impredecibles, esta cualidad lo convierte en un tratamiento que se adapta a la vida real. No se trata de detener el ritmo, sino de acompañarlo.
Y aunque es una tecnología compleja, sus efectos se perciben con una claridad muy simple: contornos más definidos, piel más firme, una textura más uniforme, una sensación de ligereza que se vuelve evidente cuando los resultados comienzan a instalarse con el paso de las semanas. Endolyse no promete milagros; promete precisión. Y en el universo de la estética avanzada, la precisión vale más que cualquier cambio drástico.
KIOO Center ha sabido llevar esta tecnología a un punto donde deja de ser un procedimiento y se convierte en una experiencia. Sus sedes en Roma Norte, Bosques de las Lomas, Cancún y Los Cabos comparten la misma filosofía: espacios donde el bienestar se aborda desde la ciencia, pero también desde la conexión personal.
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Para quienes están buscando cerrar el año con un cambio que se sienta auténtico, Endolyse Corporal ofrece una propuesta clara: definición sin cirugía, firmeza sin interrupciones, resultados visibles sin perder la naturalidad. Es una invitación a leer el cuerpo desde otro lugar, a entenderlo como algo en constante evolución y a elegir tecnologías que dialoguen con él en vez de imponerse.
KIOO Center sostiene una premisa que vale más que cualquier tendencia: los resultados reales provienen del equilibrio entre ciencia, precisión y cuidado.
Cuando el arte, la innovación y el diseño se encuentran, surgen espacios que trascienden lo cotidiano. Kohler, la firma global que redefine el lujo en cocina y baño, inaugura su primera Signature Store by Interceramic en México, un destino concebido para inspirar a arquitectos, diseñadores y amantes del buen vivir.
Ubicada en la emblemática Calzada del Valle, en el corazón de San Pedro Garza García, esta nueva boutique del diseño se erige como un santuario contemporáneo de 400 m², donde la estética, la tecnología y la funcionalidad dialogan con una elegancia natural. Cada rincón invita a experimentar el diseño desde una perspectiva sensorial: ver, tocar y habitar la innovación.
La alianza entre Kohler e Interceramic
Más que una tienda, la Kohler Signature Store by Interceramic es el resultado de una visión compartida: elevar la experiencia del diseño en México. La unión entre Kohler, con su legado de 150 años de innovación y excelencia, e Interceramic, referente mexicano en materiales y soluciones arquitectónicas, da vida a un espacio donde convergen la creatividad, la tecnología y la sofisticación.
“La Kohler Signature Store by Interceramic es mucho más que una tienda: es un punto de encuentro para quienes crean espacios extraordinarios”, comenta Roberto Martínez, Managing Director de Kohler Kitchen & Bath para Latinoamérica.
Diseño que se experimenta: tecnología, arte y materia
En su interior, el recorrido es una invitación a descubrir el universo de Kohler: inodoros inteligentes, duchas digitales, tinas de hidromasaje, griferías icónicas y acabados metálicos de última generación. Cada pieza es un testimonio del compromiso de la marca con la excelencia, el diseño vanguardista y la búsqueda constante de armonía entre forma y función.
El arte como hilo conductor: intervención de Olga Hernández
El arte ocupa un lugar central dentro del ADN de Kohler. Para la apertura, la marca colaboró con la artista mexicana Olga Hernández, quien creó un mural exclusivo que abraza el espacio con su lenguaje orgánico y vibrante.
Fotografías: Cortesía Kohler
Además, algunas piezas fueron intervenidas con su obra, generando una conexión íntima entre arte y funcionalidad. El resultado es una atmósfera envolvente, donde la creatividad fluye con la naturalidad del agua y cada detalle celebra la expresión humana.
Un hub para el diseño del futuro
La nueva Signature Store by Interceramic no solo es un punto de venta, sino un laboratorio de ideas, un espacio de encuentro para la comunidad creativa del norte del país. Bajo la visión de Kohler —ayudar a las personas a vivir una vida elegante y sostenible—, este espacio se posiciona como un referente de inspiración y bienestar.
La obra de la Alejandra Mijares es un espacio donde lo orgánico respira y las emociones toman forma. Su presencia en la Bienal de Florencia 2025, celebrada del 18 al 26 de octubre bajo el lema “The Sublime Essence of Light and Darkness”, fue una extensión natural del mundo que ha construido: íntimo, cósmico y profundamente ligado a la naturaleza.
Foto: cortesía de la artista
Nacida en la Ciudad de México en 1988 y actualmente establecida en Monza, Italia, Alejandra Mijares ha encontrado en la pintura un lenguaje para narrar sus procesos internos. Su formación en México y su experiencia en ciudades como París, Londres y Siena han moldeado una mirada que mezcla intuición y sensibilidad. En 2022, Alenjandra recibió el Luxembourg Art Prize y desde 2025 es representada por MEREA, galería asociada a Dior x UNESCO.
La obra dela artista nace de una conexión profunda con la naturaleza. Más que contemplarla, la transforma en un territorio emocional propio. Su lenguaje visual se mueve hacia un surrealismo biomórfico en el que montañas, pieles y formas se mezclan para crear paisajes que parecen tener vida propia.
Mijares trabaja principalmente con acrílico sobre lienzo, una técnica que le permite construir capas delicadas que remiten a lo orgánico y a los procesos de transformación. Cada pieza surge tanto de la observación minuciosa del mundo natural como de vivencias personales que se cuelan entre los colores, especialmente en etapas de transformación interior.
Fotos: cortesía de la artista
Para la XV edición de la Bienal de Florencia, Mijares presentó un lienzo de gran formato que explora un paisaje monumental atravesado por líneas curvas que sugieren vida interior. También llevó piezas de su serie Wombs, obras centradas en la energía creativa, la metamorfosis y la búsqueda de identidad. En el marco del lema “The Sublime Essence of Light and Darkness”, su trabajo funcionó como un puente entre la luz interna, la sombra que impulsa el cambio y cómo ambas habitan el cuerpo y el territorio.
Foto: cortesía de la artista
MEREA es una agencia de talentos visionaria dedicada a elevar a artistas femeninas talentosas de todo el mundo. MEREA existe para asegurar que la creatividad, el trabajo y la habilidad artística de las mujeres no solo sean vistas, sino valoradas, celebradas y recompensadas.
Durante décadas, los museos fueron contenedores silenciosos, eran edificios que no querían competir con las obras que albergaban. Hoy, en cambio, los museos no solo son espacios de exposición: son manifestaciones de identidad, símbolos urbanos, declaraciones estéticas.
Estos 7 museos son tan espectaculares que la arquitectura del recinto compite con el arte que resguardan. Estos espacios son manifiesto, escultura, paisaje y escenario al mismo tiempo. El diseño arquitectónico de estos museos se lleva la mirada, pues la forma no acompaña al contenido, sino que lo trasciende.
1. Guggenheim Museum Bilbao — Frank Gehry (1997)
Más que un museo, el Guggenheim de Bilbao es un punto de inflexión. Su arquitectura envuelta en titanio cambió para siempre la imagen de la ciudad y dio origen al llamado “efecto Bilbao”: el poder transformador de la arquitectura icónica en el desarrollo urbano.
Ubicado sobre el agua, está el Louvre Abu Dhabi. Su cúpula geodésica filtra la luz como si fuera una palmera. El recinto es una reinterpretación contemporánea de la arquitectura árabe.
3. MAXXI – Museo Nacional de las Artes del Siglo XXI — Zaha Hadid (2010)
En el corazón de Roma, Zaha Hadid diseñó un museo que rompe con toda rigidez clásica. El MAXXI no tiene una circulación lineal, sino una coreografía fluida de rampas, puentes y curvas. Es un espacio pensado para el movimiento, donde el visitante se convierte en protagonista del recorrido.
Este museo parisino combina tecnología estructural avanzada con una expresión visual casi onírica. Gehry juega con volúmenes, transparencias y reflejos. Es una arquitectura que no se conforma con enmarcar el arte: quiere ser arte.
Con su estructura orgánica cubierta de hexágonos brillantes, el Museo Soumaya en Ciudad de México es imposible de ignorar. Su fachada curva, sin ventanas, desafía lo tradicional. A pesar de la controversia estética, el edificio representa una apuesta arriesgada por hacer de la arquitectura un ícono urbano reconocible.
6. Museo Judío de Berlín — Daniel Libeskind (2001)
La fachada es parte del relato. Con muros cortantes, vacíos angulados y recorridos que desorientan, Libeskind diseñó un museo que transmite dolor, ausencia y memoria. No es un espacio neutro: es una experiencia emocional donde la arquitectura habla.
7. Museo de Arte Contemporáneo Niterói — Oscar Niemeyer (1996)
Como una nave espacial sobre un acantilado, este museo en Brasil desafía la gravedad. Niemeyer, maestro de la curva, creó un ícono futurista que dialoga con el paisaje natural. Más allá de su forma inusual, es una declaración sobre cómo la arquitectura puede ser también un acto poético.
Estos museos demuestran que la arquitectura no tiene por qué ser discreta. En ocasiones, lo más poderoso no está colgado en una pared, sino construido en concreto, vidrio o titanio. Cuando el espacio habla, el arte resuena más fuerte.
