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Directora Ejecutiva, Abierto Mexicano de Diseño
Es directora del Abierto Mexicano de Diseño, el primer festival internacional de diseño en México dedicado a celebrar todos los aspectos del diseño y a acercarlo a la sociedad. Graduada de la maestría MA Curating Contemporary Design de la Kingston University y el Design Museum de Londres, Renata ha trabajado como curadora asistente en Vitra Design Museum de Alemania y el Design Museum de Londres. Entre las exposiciones que ha curado se encuentran: About Change (diseño emergente Latinoamericano y del Caribe) con Centro de diseño, cine y televisión para el Banco Mundial, la sección de México para la Bienal de Arquitectura de Londres 2008 en el RIBA (Royal Institute of British Architects), Tapetes en el Franz Mayer.
¿Cómo encontraste la escena de diseño mexicana al volver de Londres y cómo la ves el día de hoy? ¿Alguna diferencia fundamental? ¿Crees que se ha desarrollado en algún sector en especial?
Definitivamente la diferencia en la escena del diseño de hace cinco años y ahora es la conexión entre las partes y la búsqueda por la colaboración. Diseñadores, colectivos, plataformas, industria, consumidores, medios y otras disciplinas están más relacionados, se buscan, se promueven.
¿Qué condiciones crees que detonan este desarrollo?
Operar de manera colaborativa, además de multiplicar proyectos, deriva en resultados inesperados que empujan a la disciplina y la conecta con otras. Que el diseño esté probando ser más que generador de objetos e imágenes, lo está vinculando a básicamente cualquier disciplina, creativa o no.
Esta multiplicidad de posibilidades, además, se dispara por las plataformas que han surgido para hacer más visible lo que sucede al interior. Espacios como el Abierto Mexicano de Diseño conectan de manera natural a todas las partes y se vuelven clave para potenciarlas.
¿Qué opinas sobre el uso de la robótica y nuevas tecnologías aplicadas al diseño contra el reencuentro con técnicas artesanales?
Es curioso, porque mientras los materiales se están volviendo tecnología en sí mismos, la pulsión del hombre justamente siempre busca acercarnos y recordarnos la parte humana, natural; he ahí las fundas de madera para los iPhone, por ejemplo. “El diseño es cambio”, así comienza un ensayo que escribí para un catálogo del Banco Mundial. La reflexión suscitada por la exhibición About Change reside en que el diseño siempre ha promovido evolución y ha empujado a la humanidad hacia nuevas realidades y límites. A través de él la materia cambia de forma, toma función y adquiere valor. Se está convirtiendo en la máxima herramienta tecnológica y cultural del hombre.
¿Puedes mencionarnos a algunos de tus diseñadores favoritos?
Precisamente esta cualidad del diseño por ser instrumental para el cambio, por encausar igual lo tecnológico que lo manual, lo local que lo multicultural, lo tangible que lo intelectual, lo funcional que lo estético, dirigió mi interés a estudiarlo, entenderlo y acercarlo a todo público, para así generar conciencia y lograr que respondamos, informados y constructivamente, a nuestro entorno material.
Estas condiciones son las que encuentro en tres de los diseñadores que admiro:
William Morris, el diseñador victoriano fundador del movimiento Arts and Crafts, lo considero pilar en la formación y concepción del diseño como lo conocemos. Sus creaciones inigualables —igual textiles que poesía, mobiliario que paisaje o diseño editorial— e inscritas en procesos colaborativos— son el resultado de un pensamiento holístico, de una obra de arte total como la concibió Wagner.
Hella Jongerius, pieza fundamental en la formación de la escuela de diseño holandés promovida por el colectivo Droog del que forma parte, hace tangible el poder intelectual del diseño a través de objetos —mismo industriales que artesanales, utilitarios que contemplativos— concebidos como entes portadores de emociones y significados.
Jonathan Ive, el diseñador inglés que ha cambiado contundentemente la manera en que interactuamos con la tecnología por sus creaciones como vicepresidente de diseño de Apple, ha logrado acercarnos de manera natural —aludiendo a la tactilidad, intuición y sencillez— a algo sumamente complejo y antinatural en el sentido estricto.
Algún destino en el mundo para ver diseño.
La Semana del Diseño de Eindhoven, la pequeña ciudad holandesa donde se fundó Philips, es sin duda el lugar y el momento para ver propuestas jóvenes, independientes, frescas y visionarias.
Edificio o espacio favorito.
Stourhead, el jardín inglés del siglo XVII al sur de Londres, lo considero idilio materializado por el hombre. Más de mil hectáreas de jardín diseñadas y planeadas en absoluto detalle por una sola persona, con plantas traídas de varias partes del mundo para dar diferentes tonos de verde, crear y enmarcar panoramas únicos en cada paso, delinear vistas utópicas italianas, lo hacen un lugar extraordinariamente único. Una villa paladiana, grotos o follies —construcciones que me han atraído por su posibilidad de insertar en un pequeño espacio ambientes radicales a su contexto— suman a lo inigualable del lugar y a su condición de obra de arte (diseño) total.
Película favorita.
The Draughtsman’s Contract del director Peter Greenaway me cautiva cada vez que la veo. Es una de esas películas que puedes ver en varias capas: por su riqueza visual, conceptual, sonora. Materializa también la concepción del paisaje inglés, creado en su totalidad por el hombre y detonador de la pintura al óleo inglesa.
Platillo favorito.
La comida. Muy difícil ser categórica. Disfruto todo, aunque tal vez más lo dulce que lo salado. El pastel de tres leches de El Cardenal y tuétanos, son los contendientes más cercanos.
Platícanos sobre el objeto que escogiste.
Este collar victoriano de vulcanita concentra todas las cualidades que aprecio en el diseño. Tecnológicamente es intrigante. La vulcanita es el invento más remoto del plástico, medio siglo antes que la bakelita, ya se fabricaba con él (Goodyear fue probablemente su inventor), y su método de vaciado es precursor del plástico inyectado. Conceptualmente es atrayente. Al morir el príncipe Alberto, la reina Victoria instauró la moda del negro que perdura hasta hoy. Funcionalmente es rico. Como joyería de luto (de este collar debió colgar un crucifijo) tiene una doble función: ornamental y semiótica. En lo formal es atrayente y en su estética, atemporal.
