Protips para una dieta de primavera-verano
La llegada de la primavera está siempre pintada de expectativa y alegría por el inicio de un nuevo ciclo. Dejamos atrás la temporada en la que nos resguardamos del frío con una cobija y un libro, mientras tomamos un chocolate caliente y admiramos un paisaje natural más ralentizado. El invierno es una época de conservación, reflexión y cuidado personal. Sin embargo, con el cambio de temperatura, los animales y las plantas despiertan poco a poco; y de esa misma manera, nuestras ganas de salir a respirar el aire tibio y a recibir la luz del sol.
Junto con estos cambios, debemos también hacer modificaciones en nuestra dieta que nos permitan seguir el ritmo y cubrir nuestra ingesta óptima de nutrientes. Por ello, ahora te compartimos 3 protips para una dieta saludable en esta temporada de primavera-verano.
1. Consume más líquidos
Una de las claves indispensables para sentirse bien en la temporada de calor es cumplir con el requerimiento adecuado de líquidos, especialmente de agua natural. Como es bien sabido, el cuerpo humano está compuesto en su mayoría por agua —entre 50 y 70%, dependiendo del sexo de la persona—; y es de suma importancia, ya que el agua es fundamental para el transporte de nutrientes, la regulación de la temperatura corporal, la lubricación de las articulaciones, la eliminación de desechos, así como para el mantenimiento de la salud natural de la piel.
Es recomendable que un adulto consuma de 1.5 a 2 litros de agua al día (y no, las 18 tazas de café que te tomas en la oficina no cuentan como agua, ya que el café es diurético y hace que vayas más al baño). Sin embargo, si no eres fan de cargar con tu termo, puedes también intercalar el agua natural con agua mineral con sabores artificiales, siempre y cuando sean bebidas sin azúcar.
2. Métele color a tu plato
En la mayor parte del planeta, esta temporada es ideal para cosechar todo tipo de frutas y verduras, por lo que no te costará mucho encontrar platillos que las incluyan a montones. Una de las ventajas de este grupo de alimentos es que precisamente contiene gran cantidad de agua y fibra, lo que te permitirá tener un sistema digestivo óptimo y mayor energía durante el día. Puedes ponerte creativo y hacer paletas congeladas de sandía o mango con chamoy y chile piquín, así tendrás un snack saludable para lidiar con los antojos de media tarde y, de paso, amortiguas el calor.
3. Pasa menos tiempo en la cocina
Este aspecto suele ser ignorado por muchas personas, pero también es muy importante. Durante el otoño y el invierno, nuestro cuerpo necesita más calorías y se nos antojan más platillos calientitos llenos de sabores que nos apapachan el alma; sin embargo, la primavera se trata de tomar los alimentos tal cual la naturaleza nos los regala. Elige comer ensaladas frescas, pasta fría con vegetales ligeramente cocidos y bowls de yogurt con fruta. Aprovecha el momento para salir un poco de la cocina y tómate ese tiempo extra para observar el florecimiento de la temporada.
Y lo más importante: la primavera nos recuerda que sin importar qué tan difícil hayan sido los meses pasados, todo se renueva. Esta época del año nos enseña que la vista debe ir siempre al frente, que no todo lo que se seca muere y que la vida sigue aquí para regalarnos las más hermosas de las flores y los colores más alegres.
Cuando la música dicta tendencia: íconos que transformaron la moda
La música es un lenguaje universal. Cruza fronteras, generaciones y culturas con una naturalidad que pocas expresiones artísticas logran. Sin embargo, hay artistas que extienden el mensaje más allá de lo sonoro. Para ellos, la moda es otro idioma: una extensión visual que amplifica discursos, provoca conversaciones y construye identidad. A lo largo de las décadas, ciertos músicos han demostrado que el estilo no es accesorio, sino parte esencial de su narrativa. ¿Ya los conoces?
David Bowie: la reinvención como estética permanente
No se puede hablar de moda en la música sin pensar en David Bowie. Él mostró desde el inicio que la imagen podía ser tan disruptiva como el sonido. Cada aparición pública era un manifiesto visual. Retó los códigos de lo masculino y lo femenino cuando el rock aún defendía una masculinidad rígida, y convirtió la androginia en declaración artística.
Desde la era de Ziggy Stardust hasta el minimalismo elegante de sus últimos años, Bowie se mantuvo en constante transformación. Su colaboración con diseñadores como Kansai Yamamoto marcó un antes y un después en la relación entre moda y performance. Su influencia fue tan transversal en la cultura pop que incluso apareció como figura de autoridad en la moda en la película Zoolander, consolidando su estatus como referente estilístico más allá de la música.
Bowie habitó la moda desde dentro: su relación con la supermodelo Iman también lo vinculó directamente con el universo editorial y de pasarela. Hasta el final, con el lanzamiento de Blackstar, mantuvo una coherencia estética que reafirmó su ética artística: reinventarse sin perder identidad.
Prince: sensualidad, exceso y autenticidad
Prince convirtió la individualidad en marca personal. Su estilo conjugaba encaje, terciopelo, volantes y trajes ajustados en una propuesta que desdibujaba los límites de género con elegancia y provocación. Lo andrógino, en su caso, no era tendencia: era postura.
Durante los años ochenta, la estridencia de su vestuario dialogaba con la energía de su música. Con el paso del tiempo, su imagen se refinó, pero nunca perdió intensidad. Prince demostró que la sofisticación no está peleada con el riesgo y que la autenticidad es el mayor lujo. Cada escenario era pasarela; y cada concierto, un acto de afirmación estética.
Miguel Bosé: elegancia y masculinidad no tradicional
Miguel Bosé ha sido un referente en el mundo hispanohablante no solo por su música, sino por la manera en que ha comunicado una masculinidad distinta: sofisticada, cuidada y sin miedo a explorar siluetas o texturas alejadas del molde convencional.
A lo largo de su carrera, Bosé ha colaborado con casas de moda y diseñadores internacionales, integrando sastrería impecable, líneas limpias y una presencia escénica que proyecta seguridad sin rigidez. Su estilo ha evolucionado con las décadas, mas siempre ha mantenido una narrativa coherente: la elegancia como forma de expresión.
Erykah Badu: identidad cultural y disrupción
Erykah Badu es sinónimo de representatividad. Desde sus turbantes monumentales hasta siluetas inspiradas en el afrofuturismo, su vestuario visibiliza raíces culturales y celebra la herencia afrodescendiente con orgullo.
Badu no teme incomodar. Fue reconocida en 2024 como ícono de la moda por el Council of Fashion Designers of America precisamente por esa capacidad de desafiar expectativas. Su estilo encarna la idea del “courage to be disliked”: asumir que la autenticidad puede generar fricción y a la vez inspiración. En ella, la estridencia es discurso y cada elección visual dialoga con su postura artística.
Rosalía: evolución conceptual en tiempo real
Rosalía ha demostrado que el look puede mutar al ritmo del proyecto musical. De la estética flamenca reinterpretada en El Mal Querer al futurismo experimental de Motomami, su imagen ha acompañado cada etapa creativa con coherencia conceptual.
Sus colaboraciones con casas como Balenciaga y su afinidad por la joyería y accesorios contundentes refuerzan la idea de que la moda puede narrar transformaciones personales y artísticas. Rosalía no solo adopta tendencias: las resignifica.
Las Áñez: otra latitud, otra sensibilidad
Desde Colombia, Las Áñez representan una aproximación distinta a la relación entre música y moda. Su propuesta vocal minimalista y experimental se acompaña de una estética etérea que dialoga con influencias latinoamericanas contemporáneas.
Su vestuario, desarrollado en colaboración con diseñadores locales, privilegia texturas naturales y siluetas que remiten tanto a lo ritual como a lo urbano. En su caso, la moda no es espectáculo estridente, sino atmósfera: una extensión sutil de su universo sonoro.
En todos estos casos, la moda funciona como amplificador del mensaje musical. Se trata de construir y reforzar una identidad a través de la vestimenta. Estos íconos han demostrado que cuando sonido e imagen se alinean, el impacto cultural trasciende generaciones.
Casa Elena: cocina mexicana con vocación cotidiana en la Condesa
Casa Elena: cocina mexicana con vocación cotidiana en la Condesa
En una colonia donde las aperturas suelen buscar atención inmediata, Casa Elena se presenta desde otro lugar. Aquí no hay estridencias ni discursos grandilocuentes, sino una idea clara: cocina mexicana bien hecha, pensada para distintos momentos del día.
Ubicado en el Hipódromo Condesa, el restaurante nace como una evolución natural de Elena 147, el proyecto que comenzó como cafetería y que, en diciembre de 2024, dio el paso a convertirse en un espacio de mayor formato sin perder su esencia original. Casa Elena mantiene ese espíritu familiar y cercano, pero lo traslada a una propuesta más amplia y pausada.
El menú acompaña el ritmo del día. Por la mañana, conviven opciones clásicas fruta fresca, omelettes, huevos rancheros o tortilla española con platos que ya se han vuelto distintivos del lugar, como la tosta verde, el sándwich de vegetales rostizados o la baguette de jamón serrano. Hay especial atención en esos detalles que hacen que un desayuno se quede en la memoria, como los gorditos de nata, a medio camino entre la gordita tradicional y el hotcake, o los molletes de hojaldre hecho en casa con frijoles al epazote y quesos bien equilibrados.
La sección del comal refuerza el vínculo con la cocina mexicana cotidiana: quesadillas de flor de calabaza o hongos, tacos de cecina o de aguacate con flor de jamaica, todos con el maíz como eje. Para acompañar, la barra ofrece más que café: chocolate preparado desde cero con cacao puro y cardamomo, smoothies de fruta fresca, kombucha de la casa y una selección cuidada de tés y bebidas sin alcohol.
A la hora de la comida y la cena, la propuesta se vuelve más profunda sin perder claridad. Destacan platos como las flores de calabaza capeadas rellenas de requesón y hongos, servidas con mole artesanal, o la sopa de quesillo y rosita de cacao, con molotitos de plátano macho. La ensalada escarlata, con betabeles horneados y jitomates heirloom, aporta frescura y contraste, mientras que la tlayuda del huerto ofrece una lectura contemporánea de un clásico oaxaqueño, ligera pero llena de sabor.
El apartado dulce se apoya en la panadería de Elena 147, integrada de forma natural al restaurante. Panes y pasteles que funcionan como cierre o como excusa para alargar la sobremesa.
El diseño del espacio acompaña sin imponerse. A cargo del estudio E DE ESPACIO, Casa Elena apuesta por materiales naturales, colores tierra y una iluminación cálida que envuelve sin distraer. La barra de granito rosa actúa como punto de encuentro y resume bien la intención del lugar: invitar a quedarse. Inspirado en la flor del clavel, el diseño privilegia las transiciones suaves y una sensación constante de hogar.
Casa Elena no pretende reinventar la cocina mexicana ni seguir tendencias pasajeras. Su fortaleza está en la coherencia, en el cuidado de los detalles y en ofrecer un espacio al que se puede volver. Un restaurante que entiende la hospitalidad como algo cotidiano y, precisamente por eso, se siente honesto dentro de la escena gastronómica de la Condesa.
D: Avenida Tamaulipas 147, 06170 Cdmx, 06170 Ciudad de Mexico
T: 56 3230 2731
De inventario perdido a contenido de valor: conoce DONDE dentro de la hospitalidad
DONDE es una plataforma curada fundada en México que convierte habitaciones vacías en capital cultural. En hotelería, las habitaciones no vendidas se pierden para siempre. DONDE las transforma en oportunidades para crear contenido de calidad y fortalecer la marca. La idea central es simple: usar noches disponibles para invitar a creadores de contenido cuidadosamente seleccionados que cuenten historias alineadas con la identidad del hotel.
La función de DONDE es conectar hoteles con creadores a través de colaboraciones intencionales y controladas. A diferencia de los acuerdos informales con influencers —que suelen ser impredecibles y mal coordinados—, la plataforma estructura cada estancia. Los hoteles revisan solicitudes, aprueban creadores, definen entregables y mantienen el control sobre cómo se desarrolla la colaboración. La plataforma prioriza la afinidad entre el creador y el hotel, buscando que las piezas generadas reflejen la estética, los valores y la narrativa del lugar.
Para la industria de la hospitalidad, DONDE representa una oportunidad importante hoy en día. Primero, convierte inventario perecedero en contenido orgánico y alcance real, generando valor que va más allá de una reserva puntual. Segundo, profesionaliza la relación con creadores, reduciendo el tiempo y los errores operativos que suponen las negociaciones directas. Tercero, ayuda a construir una narrativa consistente y a largo plazo: cada colaboración deja material que alimenta campañas, redes y la reputación del hotel.
Además, DONDE impulsa un ecosistema más amplio. Restaurantes, marcas de moda, estudios de bienestar y otros socios pueden integrarse en las estancias, creando momentos culturales completos y memorables.
En un mercado donde la experiencia y la visibilidad digital son clave, DONDE ofrece infraestructura para que los hoteles transformen noches vacías en historias que atraen huéspedes y posicionan la marca. En resumen, DONDE no es solo una herramienta de marketing: es un motor para reimaginar cómo se comunica y se vive la hospitalidad hoy.
Ahau Tulum: del amanecer al anochecer en un resort consciente
Ahau Tulum es un resort de playa que mezcla lujo rústico y conciencia ambiental frente al Caribe. Ubicado entre la selva maya y playas de arena blanca, ofrece cabañas y villas frente al mar, clases diarias de yoga y meditación, y experiencias orientadas al bienestar, la cultura y la sostenibilidad. Pensado para el viajero que busca desconexión sin renunciar al confort, Ahau Tulum propone una estancia donde el diseño natural y la comunidad se integran con el paisaje.
Ahau Tulum propone una experiencia que se vive momento a momento. Imagina el amanecer entrando por la ventana de la cabaña: la luz cálida invade la habitación, se oye el mar y en la puerta aparecen una taza de café y unas galletas. Ese primer ritual define el ritmo de la estancia: no hay prisa, más se prioriza la atención a los detalles y al propio cuerpo.
Tras el desayuno, el huésped se dirige al shala. La clase de yoga o meditación, incluida con la estancia, ocurre rodeada de vegetación. El aire huele a sal y a tierra, La práctica invita a conectar la respiración con el entorno. Es un momento que marca el tono consciente de las mañanas en Ahau Tulum: lujo rústico sin ostentación, enfoque en bienestar y respeto por la naturaleza.
El recorrido continúa en Kapok, el restaurante frente al mar, donde el desayuno es una extensión del ritual matutino. Distintos platos que celebran ingredientes locales y sabores honestos se sirven con la brisa de fondo. Comer en Kapok no es sólo alimentarse: se trata de prolongar la calma y la atención, una experiencia gastronómica integrada al paisaje.
Más tarde, la jornada puede incluir el emblemático Jungle Gym. Entrenar al aire libre, entre palmeras y arena, transforma el ejercicio en una vivencia sensorial: cada repetición se siente conectada al ritmo del lugar. Este gimnasio al natural, incluido con la estancia, refuerza la filosofía de vida activa y consciente que promueve Ahau Tulum.
Por la tarde, Ahau Tulum enlaza con la dimensión cultural. Una visita al cercano Art With Me Park muestra cómo arte, naturaleza y conciencia se entrelazan. Frente a la escultura monumental “Ven a la Luz” de Daniel Popper, el huésped percibe una continuidad entre creación y paisaje. El arte aquí amplifica la sensación de pertenencia al sitio.
Dentro de Kapok, las sesiones de música en vivo acompañan la puesta del sol, generando una atmósfera colectiva y relajada.
Al caer la noche, Ahau deja una sensación clara: no se trata solo de hospedarse, sino de habitar un lugar que invita a bajar el ritmo, reconectar y vivir con intención. Sus cabañas y villas frente al mar, su compromiso con el entorno y su oferta de prácticas diarias convierten una estancia en Tulum en una escapada consciente, donde cada instante suma a una memoria coherente y profunda.
D. Carr. Tulum a Boca Paila Km. 7.5, Zona Costera Tulum, QR, Mexico 77760
P. https://ahaucollection.com/es/ahau-tulum-es/
IG. @ahautulum
Pecorino romano: una tradición italiana que encuentra en 2026 su punto álgido
La hipotética y popular cuestión sobre si es preferible nunca volver a comer queso o chocolate siempre me ha parecido absurda. Claramente —y bajo ninguna circunstancia— dejaría de comer queso. Sé que es una opinión controversial, pero imaginemos una vida sin: fondue, quesadillas, gratinados, pizzas, lasañas… ¡Nuestras carnes frías se quedarían sin maridaje! Una vida así no vale la pena ser vivida.
Para quienes ya aman el queso y también para quienes están por enamorarse de este, hemos compuesto una oda al pecorino romano, uno de los quesos italianos más populares. Como todos los quesos antiguos, esta es una historia de gran tradición que tiene lugar en la hermosa región de la Toscana y que, a pesar de la rampante demanda actual, hay todavía quienes se obstinan a preservar esta tradición y proteger el patrimonio gastronómico de este país.
La Roma antigua
El pecorino romano es uno de los quesos más antiguos de Italia. Existen registros de haber sido otorgado a las legiones romanas, como complemento a alimentos como pan y sopa de farro, un grano de trigo con sabor a nuez e importante valor nutrimental. Se les daba a los soldados la cantidad de 27 gramos al día, ya que les daba vigor y era fácil de digerir. Asimismo, en las altas clases sociales, se usaba como un preciado aderezo en los banquetes. Por otra parte, su capacidad para ser almacenado por mucho tiempo le permitía ser un alimento base en la vida de los romanos.
Come si fa?
El pecorino romano, cuyo nombre viene de ‘pecora’ que significa oveja, es un queso con denominación de origen (D.O.) que se produce con leche de ovejas que pastan exclusivamente en la campiña de Lazio y Cerdeña desde hace más de 2,000 años. Su proceso de elaboración, así como las áreas geográficas donde se produce, está protegido con dos fines: que sea un producto lo más artesanal posible y que garantice su calidad original.
En las granjas de Lazio, una vez obtenida la leche, esta se filtra y se calienta a 68°C por no más de 15 minutos en tanques de acero inoxidable. En seguida, se le agrega “scotta innesto”, un grupo de bacterias lácticas termófilas indígenas, cuya receta ha sido pasada de generación en generación. Luego se separan los cuajos del suero y se envasa en un contenedor que permite que poco a poco siga saliendo el líquido, con el fin de evitar que crezcan bacterias nocivas para la salud. Finalmente, las ruedas se salan a mano y se dejan añejar en bodegas bajo tierra por entre 5 y 8 meses, dependiendo de si su consumo será para mesa o para gratinar.
El pecorino romano hoy
Al igual que muchos productos tradicionales, el pecorino romano ha pasado por un incremento de demanda, especialmente en Estados Unidos, que ha alterado su proceso de elaboración. Actualmente hay muchos lugares más allá de Lazio y Cerdeña que fabrican un queso similar y lo exportan en grandes cantidades. Sin embargo, este fenómeno afecta no solo a los productores de estas zonas, sino también al consumidor que, en muchas ocasiones, no sabe si lo que está comprando es el queso original.
No obstante, Giuseppe Capuani, director de I Buonatavola, una de las granjas que aún produce el pecorino romano original de Lazio, cree que “el queso sigue a los hábitos alimenticios” y que las personas que realmente quieran un producto de calidad estarán dispuestas no solo a buscar los sellos de autenticidad, sino también a pagar el precio de una historia gastronómica de más de 2,000 años.
Terceros lugares: el rediseño de nuestra vida social y productiva
Durante décadas, nuestra vida cotidiana estuvo organizada en dos territorios claros: el hogar y el trabajo. Uno íntimo y privado; el otro productivo y jerárquico. Sin embargo, en los últimos años esa frontera se ha diluido. El trabajo remoto ha invadido la casa y la vida personal se filtra en la jornada laboral. En este nuevo escenario, el tercer lugar, también conocido como third place en la teoría sociológica, reaparece como una necesidad contemporánea: un espacio intermedio que equilibra nuestra vida social, emocional y productiva.
¿Qué es el tercer lugar?
El término fue acuñado por el sociólogo Ray Oldenburg en su obra The Great Good Place (1989). Oldenburg plantea que para una existencia equilibrada y una democracia saludable, el ser humano requiere tres entornos diferenciados:
- Primer lugar: el hogar (espacio privado y doméstico).
- Segundo lugar: el trabajo (espacio de producción y jerarquía).
- Tercer lugar: espacios de encuentro informal que facilitan la vida comunitaria.
La transición hacia estos entornos es un fenómeno que reconoce que la estructura binaria entre casa y trabajo se puede complementar con espacios que ofrecen una dinámica distinta.
Características que definen un tercer lugar
Para que un entorno sea analíticamente considerado un tercer lugar, debe reunir características específicas que garanticen su función social:
- Neutralidad: es un terreno donde las personas entran y salen libremente, sin obligaciones ni presiones externas.
- Nivelador social: no hay requisitos de estatus para participar; la jerarquía propia del ámbito laboral se disuelve.
- La conversación como actividad principal: el diseño permite y fomenta el intercambio de ideas y el diálogo.
- Accesibilidad y alojamiento: son lugares cercanos, fáciles de encontrar y que ofrecen comodidad para permanecer.
- Los “habituales”: el carácter y el tono del lugar se mantienen gracias a quienes lo frecuentan regularmente.
- Perfil bajo: la estética es acogedora y sin pretensiones, lo que evita intimidar al visitante.
- Estado de ánimo lúdico: el tono suele ser de relajación e ingenio, permitiendo un descanso de las responsabilidades cotidianas.
- Un “hogar fuera del hogar”: los usuarios experimentan una sensación de regeneración y pertenencia.
El tercer lugar en la ciudad contemporánea
La diversificación de la vida moderna ha dado lugar a distintas manifestaciones de estos espacios:
| Categoría | Ejemplos |
| Comerciales | Cafés de especialidad, librerías con cafetería y mercados gastronómicos. |
| Cívicos | Bibliotecas públicas, centros comunitarios, parques urbanos y jardines botánicos. |
| De interés | Clubes de ajedrez, estudios de yoga, gimnasios de barrio y talleres compartidos. |
| Efímeros | Mercados itinerantes, festivales de calle y pop-ups culturales. |
Beneficios del tercer lugar para la salud y la productividad
El cambio de conducta hacia estos espacios se explica a través de la naturaleza biopsicosocial del ser humano. El tercer lugar permite una vida que integra la neutralidad del individuo y la inspiración que surge de la exposición a lo imprevisto.
1. Gestión del confinamiento funcional
Con el auge del trabajo digital, el hogar ha integrado responsabilidades laborales, lo que puede generar una saturación psicológica. El tercer lugar surge como el entorno necesario para marcar rituales de transición y permitir que el cerebro diferencie entre el descanso y la ejecución, facilitando tanto la concentración como la desconexión.
2. La importancia de los “lazos débiles”
Basado en el concepto de Mark Granovetter, el tercer lugar ofrece interacciones de baja intensidad con personas ajenas al círculo íntimo o profesional. Mientras que en casa la intensidad emocional es alta y en el trabajo es transaccional, en el tercer lugar se busca ser parte de una comunidad sin obligaciones de rendir cuentas, lo cual es fundamental para la salud mental.
3. Bienestar biológico y estímulos sensoriales
El tercer lugar ofrece una arquitectura de la pausa frente a entornos controlados o con luz artificial. Proporciona una curaduría visual y auditiva que reduce la fatiga mental. Además, el desplazamiento hacia estos sitios fomenta la movilidad urbana activa (caminar o usar bicicleta), lo que promueve la circulación y el sistema linfático.
4. Democratización y extensión del espacio vital
En contextos urbanos donde los hogares pueden ser reducidos, estos entornos funcionan como una extensión de la propiedad privada, ofreciendo la amplitud e infraestructura (jardines o mesas amplias) necesarias para la reflexión o el esparcimiento.
El impacto en la salud y la longevidad
Desde una perspectiva de bienestar a largo plazo, habitar terceros lugares genera beneficios biológicos medibles. Funcionan como una herramienta contra la inflamación crónica derivada del estrés; al cambiar de entorno, el sistema nervioso simpático se relaja, permitiendo una mejor regulación del organismo.
- Reducción del estrés oxidativo: la interacción social de baja intensidad libera oxitocina y regula los niveles de cortisol.
- Prevención del deterioro cognitivo: el intercambio constante de ideas mantiene activa la plasticidad cerebral.
- Regulación metabólica: su función como puntos de destino integra el movimiento en la rutina diaria.
¿Puede el entorno digital funcionar como tercer lugar?
Existe un análisis necesario sobre si las redes sociales cumplen esta función. La sociología sugiere que el tercer lugar físico posee ventajas distintivas:
- Presencialidad: ofrece señales no verbales y contacto sensorial que lo digital no replica.
- Diversidad social: mientras el algoritmo digital suele agrupar por afinidad (burbuja de filtros), el espacio físico expone al individuo a la diversidad, fortaleciendo la nivelación social.
¿Se puede patentar un color? Vantablack, Pantone y marcas registradas
La luz es un fenómeno físico universal: una frecuencia que atraviesa el espacio sin reconocer fronteras ni contratos. Sin embargo, en la intersección entre tecnología, arte y mercado surge una pregunta inquietante: ¿puede un color convertirse en propiedad privada?
El debate no es meramente estético. Involucra patentes, derechos de uso, marcas registradas y una discusión ética sobre los límites de la creatividad. Cuando el espectro visible entra en el terreno legal, la física y el mercado chocan.
Vantablack: el negro más profundo y la polémica artística
En el corazón de este debate se encuentra el Vantablack: una sustancia compuesta por millones de nanotubos de carbono que absorbe el 99.96% de la luz visible. Su origen es científico y profundamente valioso: fue diseñado para la industria aeroespacial, donde su capacidad de eliminar el reflejo permite que los telescopios capturen imágenes de galaxias lejanas con una precisión sin precedentes.
Cuando la empresa Surrey NanoSystems otorgó derechos exclusivos de uso artístico al escultor Anish Kapoor, la tecnología se convirtió en una herramienta de distinción. El abismo visual dejó de ser un concepto universal para convertirse en una propiedad protegida. No obstante, este movimiento funcionó como un poderoso catalizador: la comunidad artística respondió desarrollando pigmentos alternativos y abiertos, reafirmando que el espectro cromático es un territorio de exploración colectiva. La exclusividad financió la investigación original, pero la resistencia creativa democratizó la posibilidad de capturar el vacío.
¿Se puede patentar un color?
En términos legales, un color no puede ser propiedad en abstracto. Nadie puede reclamar el rojo o el azul como conceptos universales. Sin embargo, sí es posible registrar un color como marca comercial en contextos específicos.
El azul Tiffany está protegido en el sector de joyería y empaque de lujo. El magenta de T-Mobile también funciona como marca registrada en telecomunicaciones. En estos casos, el color no pertenece a la empresa como fenómeno físico, sino como signo distintivo dentro de una categoría comercial concreta.
Esta estrategia responde a una lógica clara: en un entorno saturado de estímulos, el color se convierte en identidad inmediata. Funciona como atajo cognitivo, reduce la fatiga de decisión y refuerza la memoria visual. Así, el espectro visible se transforma en activo estratégico.
Esta protección no congela la creatividad ; al contrario, la desplaza. Cuando ciertos tonos están legalmente asociados a marcas específicas, diseñadores y artistas se ven impulsados a explorar nuevas combinaciones y matices. El límite redefine el campo de juego. La propiedad cromática, entonces, no elimina el espectro: lo reorganiza.
Pantone: cuando el color se convierte en narrativa visual
Hablar de propiedad del color también implica hablar de quién lo traduce y lo vuelve lenguaje compartido. En ese territorio, Pantone no privatiza el espectro, pero sí lo organiza y lo convierte en referencia cultural. Pantone no solo clasifica colores: los nombra. Y en ese gesto hay una dimensión estética profunda.
Cuando se anuncia un “Color del Año”, no se señala únicamente una preferencia cromática, sino una sensibilidad que parece resonar con el ánimo colectivo. Esa selección, más que imponer una estética, la sintetiza. Con frecuencia, los matices elegidos comienzan a aparecer en moda, diseño, arquitectura y entornos digitales, hasta integrarse de manera natural al paisaje visual de la época.
Cada nombre sugiere una atmósfera, una emoción, una lectura del momento histórico. Tonos como “Living Coral”, “Very Peri” o “Greenery” no son descripciones neutras; son construcciones culturales. Si bien el color no determina emociones de forma automática, sí contribuye a crear atmósferas. Y estas atmósferas influyen en la manera en que percibimos y habitamos los espacios.
Pantone no posee el color como propiedad privada. Más bien, actúa como un sistema de traducción: convierte el espectro en lenguaje ; y el lenguaje en experiencia compartida.
El color como territorio de libertad
A lo largo de la historia, cada intento por delimitar el color ha generado una respuesta creativa. En la antigüedad, el púrpura de Tiro —extraído del molusco murex y reservado a élites imperiales por su costo extraordinario— simbolizaba poder y exclusividad. Sin embargo, con el tiempo surgieron tintes vegetales y mezclas minerales que democratizaron tonalidades similares, debilitando su carácter estrictamente aristocrático.
Algo similar ocurrió con el ultramarino, elaborado a partir del lapislázuli traído desde Afganistán durante el Renacimiento. Era uno de los pigmentos más caros del mundo y se reservaba para figuras sagradas, como la Virgen María. En el siglo XIX, la invención del ultramarino sintético permitió reproducir ese azul profundo a bajo costo, ampliando su acceso y transformando su estatus.
Incluso en el debate contemporáneo, el patrón se repite. Cuando el uso artístico del Vantablack fue restringido, el artista Stuart Semple desarrolló pigmentos como Black 2.0 y posteriormente Black 3.0, comercializados como alternativas accesibles para la comunidad creativa. El negro más oscuro dejó de ser un privilegio exclusivo y volvió a convertirse en campo de experimentación colectiva.
El caso del azul de Yves Klein también ilustra esta tensión. Klein registró su célebre International Klein Blue (IKB) en 1960, no para impedir su uso generalizado, sino para preservar la intensidad exacta del pigmento. Sin embargo, lo que volvió icónico ese azul no fue su fórmula química, sino la experiencia que generaba: superficies monocromáticas que buscaban provocar una sensación de inmersión, casi espiritual. El color dejó de ser materia para convertirse en acontecimiento perceptivo. Más que posesión, fue atmósfera.
La creatividad no se agota: se desplaza.
El espectro visible ha sido disputado una y otra vez, pero siempre encuentra fisuras. Si un tono se restringe, surge otro. Si un pigmento es costoso, aparece una versión sintética. Si una marca protege una frecuencia específica, el diseño explora nuevas combinaciones.
El espectro puede regularse en contextos específicos, pero nunca deja de pertenecer al territorio común de la percepción. En ese movimiento constante, el color revela su naturaleza expansiva. No es solo materia ni mercancía, sino posibilidad abierta.
¡Moda hoy! en el Museo Franz Mayer: la fuerza del diseño latinoamericanx y latinx contemporáneo
La moda latinoamericana nunca ha tenido una sola voz: es territorio, migración, memoria, política, artesanía, lujo y resistencia. Esa diversidad se presenta reunida en la exposición ¡Moda hoy! Diseño latinoamericanx y latinx contemporáneo, en el Museo Franz Mayer.
La muestra, realizada en colaboración con el Museum at FIT (Fashion Institute of Technology, Nueva York), reúne más de 70 piezas de 47 diseñadores y diseñadoras latinoamericanos o de herencia latina. Desde nombres que transformaron la industria en el siglo XX hasta voces emergentes que hoy lideran conversaciones globales, la exposición propone una revisión amplia y matizada del diseño latinoamericano contemporáneo.
De Nueva York a la CDMX: el antecedente en FIT
“¡Moda hoy!” fue concebida en 2023 por las curadoras Tanya Meléndez-Escalante y Melissa Marra-Alvarez para el Museum at FIT en Nueva York. Su intención fue clara: replantear la narrativa dominante sobre la moda latinoamericana en el circuito internacional.
Lejos de presentar una estética homogénea o “exótica”, la curaduría optó por organizar la exhibición de manera temática —y no geográfica— para evidenciar la pluralidad de enfoques que atraviesan el trabajo de estos creadores. Así surgieron núcleos dedicados al patrimonio indígena, la sostenibilidad, el arte, el género, la política, la elegancia, la cultura popular y la artesanía.
Esa misma estructura se mantiene en el Franz Mayer, permitiendo que el público mexicano dialogue con una lectura internacional del fenómeno. La exposición se acompaña además de una publicación editorial que profundiza en los ensayos curatoriales y en el análisis crítico de la moda latinoamericana como expresión cultural.
La mirada curatorial: identidad, influencia y diversidad
Tanya Meléndez-Escalante —recientemente reconocida con el Premio Vilcek de Moda y Cultura en Estados Unidos— ha destacado por su trabajo académico y curatorial enfocado en diseñadores de origen latino dentro del panorama global. Junto con Melissa Marra-Alvarez, plantea que la moda creada por personas latinoamericanas no debe entenderse como categoría periférica, sino como parte activa de la construcción del diseño internacional contemporáneo.
Para las curadoras, el punto central no es definir un “estilo latino”, sino mostrar cómo distintas trayectorias dialogan con temas universales desde contextos específicos. La exposición subraya que la identidad puede manifestarse a través de la técnica, el material, la narrativa o la postura política, y que la moda es un vehículo legítimo para explorar estas dimensiones.
Diseñadores que han marcado el camino
La selección incluyó diseñadores con reconocimiento regional, presencia mediática sostenida y marcas activas al momento de la exhibición, lo que permite trazar un mapa contemporáneo del sector.
Entre las piezas exhibidas conviven figuras históricas como Carolina Herrera, Óscar de la Renta e Isabel Toledo, junto a creadores contemporáneos como Gabriela Hearst, Willy Chavarria y Carla Fernández.
También destacan propuestas de Esteban Cortázar, Francisco Costa, Rick Owens, Rodarte, así como colaboraciones como Carla Fernández x adidas. Esta constelación de nombres confirma que el impacto del diseño latinoamericano trasciende fronteras y categorías tradicionales.
Moda, sostenibilidad y nuevas generaciones
Uno de los ejes más relevantes de la exposición es la sostenibilidad y el rescate de técnicas artesanales. Diseñadores como Carla Fernández han trabajado con comunidades indígenas bajo modelos colaborativos que reivindican el textil como patrimonio vivo.
Además, el programa Cross-Pollination del Museum at FIT se activó en México mediante una alianza con la Universidad Iberoamericana. Estudiantes de la licenciatura en Diseño de Moda y Textiles Sostenibles desarrollaron piezas originales inspiradas en la muestra, integrando investigación, identidad y conciencia ambiental.
Una exposición para repensar la moda latinoamericana
“¡Moda hoy! Diseño latinoamericanx y latinx contemporáneo” estará disponible en el Museo Franz Mayer hasta el 12 de abril de 2026. La exhibición funciona como plataforma crítica: cuestiona estereotipos, amplía referentes y confirma que la moda es un lenguaje cultural complejo.
Rice Lipids + Ectoin Microemulsion, el nuevo hidratante de The Ordinary
The Ordinary presenta Rice Lipids + Ectoin Microemulsion, un hidratante intenso con textura ultraligera que promete hasta 24 horas de hidratación. La propuesta responde a una tendencia clara: cuidar la piel con productos eficaces que no se sientan pesados. En lugar de una crema densa, la marca ofrece una microemulsión que funciona como crema, pero se siente como suero, ideal para quienes buscan confort y rendimiento sin dejar sensación grasa.
La hidratación es fundamental porque mantiene la barrera cutánea, evita la pérdida de agua y mejora la función protectora de la piel. Una piel bien hidratada se ve más luminosa, tolera los factores ambientales y reduce la aparición de enrojecimiento y la sensibilidad. Por eso, el paso de “sellar” en la rutina —el que fija y retiene la hidratación— es clave, y Rice Lipids + Ectoin propone una alternativa moderna para ese momento.
Los ingredientes centrales del producto son los lípidos de arroz y la ectoína. Los lípidos de arroz, derivados del arroz integral, ayudan a nutrir y reforzar la barrera cutánea, favoreciendo la retención de humedad con una sensación ligera. La ectoína, por otra parte, actúa como protector y reparador celular y humectante, contribuyendo a calmar la piel y reducir el enrojecimiento. Además, la fórmula incorpora aceite de jojoba y factores hidratantes naturales. Gracias a la microfluidización, la mezcla de fases oleosa y acuosa se estabiliza en partículas finas que mejoran la absorción y la sensación al aplicarlo.
En la práctica, se recomienda aplicar una pequeña cantidad mañana y noche. Para mayor luminosidad, The Ordinary sugiere usarlo junto con su tónico Saccharomyces Ferment 30% Milky Toner.
The Ordinary, parte de DECIEM, se distingue por su enfoque educativo, su transparencia y accesibilidad. La marca prioriza la eficacia y la comunicación clara, acercando tecnologías clínicas a un público amplio. Con Rice Lipids + Ectoin Microemulsion, The Ordinary no solo ofrece un producto nuevo, sino que reafirma su rol en el skincare: cuestionar normas, innovar en texturas y hacer que el cuidado de la piel sea efectivo y comprensible para todos.
Game On, Florida Off: dónde recargar energía entre partidos del Mundial en Florida
Florida más allá del estadio: qué hacer entre partidos del Mundial
Durante el Mundial, Florida no solo será sede de algunos de los partidos más esperados: será el escenario ideal para transformar cada jornada entre encuentros en una experiencia curada. Playas icónicas, design hotels, rooftops con vista al mar, parques temáticos, HOTspots gastronómicos y atardeceres que redefinen el ritmo del viaje.
Si estás planeando vivir el Mundial en Florida, estas son las ciudades donde vale la pena quedarse, y cómo aprovechar cada momento entre partidos.
Miami: energía, diseño y mar entre partidos
Miami es intensidad bien editada. Aquí el fútbol se mezcla con arte contemporáneo, cultura y una escena gastronómica que no descansa.
Qué hacer en Miami entre partidos
- Caminar temprano por South Beach y recorrer Ocean Drive.
- Visitar el Miami Design District para explorar arquitectura, arte y boutiques internacionales.
- Recorrer Wynwood Walls y sus galerías independientes.
- Recorrer Crandon Prak en bicicleta
- Descubrir la oferta moderna de Brickell.
Dónde comer en Miami
Sunny’s Steakhouse
Uno de los spots más comentados de Little River. Sunny’s combina espíritu relajado con ejecución precisa: cortes al carbón, pastas bien trabajadas y una atmósfera que se siente local, pero elevada. Ideal para una cena larga entre amigos después del partido. El patio al aire libre es parte esencial de la experiencia.
Qué pedir: ribeye, pastas frescas y martinis clásicos.
Sadelle’s
Un clásico neoyorquino reinterpretado en Miami, ubicado en el Design District. Sadelle’s es perfecto para un brunch largo entre partidos: bagels artesanales, torres de salmón ahumado, huevos perfectamente ejecutados y una estética elegante pero relajada. Es el tipo de lugar donde el Mundial se comenta entre mimosas y luz natural.
Qué pedir: salmón ahumado con bagel clásico, French toast y caviar si quieres elevar la experiencia.
Joe’s Stone Crab
Institución histórica de Miami Beach. Abierto desde 1913, Joe’s es sinónimo de tradición y mariscos impecables. Durante temporada, el stone crab es obligatorio. Aquí se viene por la experiencia clásica: servicio formal, ambiente icónico y una carta que ha resistido el paso del tiempo.
Qué pedir: stone crab claws y key lime pie.
Orlando: balance estratégico y escapismo bien planeado
Orlando es mucho más que parques temáticos. Entre partidos del Mundial, puede convertirse en una pausa estratégica donde el entretenimiento y el descanso conviven con naturalidad. Aquí la clave está en diseñar el día con intención.
Qué hacer en Orlando entre partidos
- Reservar un resort day en propiedades con amenidades únicas, spa y servicio personalizado. Dedicar el día completo a descansar bajo palmeras antes del siguiente encuentro.
- Experiencia VIP en parques temáticos para optimizar tiempos y vivir la adrenalina sin filas largas. Ideal si el itinerario es corto pero quieres aprovecharlo al máximo.
- Pasear por Winter Park, recorrer sus calles tranquilas, galerías y lagos. Un contraste elegante frente al ritmo más turístico de la ciudad.
- Golf en campos de nivel profesional, perfectos para una mañana estratégica antes del partido.
Tampa: ritmo costero y recuperación frente al mar
Tampa ofrece un ritmo más pausado, ideal para equilibrar la intensidad del Mundial. Aquí el mar y los espacios abiertos marcan el tempo entre partidos.
Qué hacer en Tampa entre partidos
- Recorrer el Tampa Riverwalk al atardecer, caminando o en bicicleta, con vista directa a la bahía y skyline relajado.
- Escaparse a Clearwater Beach o St. Pete Beach, playas del Golfo con arena clara y aguas tranquilas perfectas para un día completo de descanso.
- Reservar un paseo en bote al sunset por Tampa Bay, una experiencia privada que redefine la pausa entre encuentros.
- Explorar Ybor City, el distrito histórico con arquitectura de influencia cubana, cafés tradicionales y una vibra más local.
- Visitar el Tampa Museum of Art, una pausa cultural breve y bien curada antes de volver al ritmo del torneo.
Fort Lauderdale: elegancia discreta y descanso intencional
Fort Lauderdale ofrece una versión más serena del sur de Florida. Aquí el mar, las marinas y las avenidas arboladas construyen un escenario ideal para recargar energía entre partidos del Mundial sin alejarse de la acción.
Qué hacer en Fort Lauderdale entre partidos
- Caminar al amanecer por Fort Lauderdale Beach, cuando la luz es suave y la ciudad todavía se mueve en silencio.
- Recorrer Las Olas Boulevard, entre galerías, boutiques independientes y cafés con terrazas abiertas.
- Reservar un tour privado por los canales, navegando entre yates y residencias frente al agua que le dan a la ciudad su apodo de “Venecia de América”.
- Pasar la tarde en un beach club frente al mar, alternando descanso con vistas abiertas al Atlántico.
- Disfrutar un sunset dockside, con vista a la marina y brisa constante, antes de trasladarse al siguiente partido.
Yoo Inspired by Starck : la apuesta internacional en Bosque Real
Unique Yoo Inspired by Starck llega a Bosque Real como una propuesta que busca transformar la forma de vivir el lujo residencial en México. Más que un conjunto de departamentos, el proyecto se plantea como una comunidad con servicios y diseño pensados para mejorar la calidad de vida de sus habitantes. Firmado bajo la filosofía de YOO y con la participación creativa de Philippe Starck, propone estándares de calidad y experiencia comparables a desarrollos internacionales.
El desarrollo ofrece más de veinte amenidades que cubren desde el ejercicio y la relajación hasta el entretenimiento y la convivencia social. En el centro del conjunto se encuentra un parque privado de más de 20,000 m2 que actúa como pulmón verde y punto de encuentro. Este espacio integra áreas deportivas —como canchas de pádel— zonas para práctica de yoga, gimnasio, áreas para niños y espacios dedicados a mascotas. La intención es que el parque no sea solo estético, sino un elemento activo que fomente la salud, la interacción y el bienestar de diferentes generaciones.
La propuesta combina diseño contemporáneo con funcionalidad. Las áreas comunes están pensadas para facilitar encuentros entre vecinos y actividades cotidianas que reflejan tendencias actuales en wellness living: vida sana, contacto con la naturaleza y espacios flexibles que se adaptan a diversas rutinas. Este enfoque busca atender a un comprador de perfil global, exigente con la calidad arquitectónica y los servicios disponibles dentro del desarrollo.
El evento de presentación de Unique Yoo Inspired by Starck en Bosque Real reunió a directivos del grupo, colaboradores del diseño, medios especializados y potenciales compradores para mostrar el concepto y la visión del proyecto. Durante la presentación se realizaron recorridos por maquetas y renders, se explicaron las 22+ amenidades y se destacó el papel central del parque de 20,000 m2 como núcleo social y de bienestar. La comediante Sofía Niño de Rivera fue parte del evento, lo que aportó un tono cercano y contemporáneo, y también hubo música en vivo que acompañó la experiencia y reforzó el ambiente social del lanzamiento. Los organizadores subrayaron la alianza con YOO y la firma creativa detrás del proyecto, así como el compromiso de Grupo Bosque Real con la calidad y la innovación en el segmento residencial.
Grupo Bosque Real, con una trayectoria de más de dos décadas, se posiciona nuevamente como impulsor de proyectos de marca en México. La desarrolladora ha venido integrando conceptos internacionales al mercado local, y con este proyecto refuerza su estrategia de apostar por alianzas con firmas de reconocimiento mundial para elevar la oferta residencial premium. Según sus representantes, la llegada de firmas de prestigio consolida a México en el mapa mundial de branded residences, demostrando que el país atrae inversión y talento en este segmento.
En síntesis, Unique Yoo Inspired by Starck en Bosque Real representa un avance en bienes raíces al combinar diseño de autor, amenities de alto nivel y un gran espacio verde central que redefine la experiencia residencial. Para estudiantes y jóvenes profesionales interesados en urbanismo, arquitectura o negocios inmobiliarios, el proyecto y su presentación pública son un caso relevante de cómo las alianzas internacionales, el enfoque en bienestar y una estrategia de comunicación contemporánea pueden cambiar la percepción y el valor del mercado de lujo en México.
Marcas de slow beauty que debes conocer en 2026
La tendencia slow beauty emerge como una respuesta consciente y sofisticada ante la industria cosmética. Es una filosofía que propone desacelerar el consumo, elegir fórmulas más limpias y priorizar procesos responsables con la piel y el medio ambiente. Para 2026, sin duda fijará estándares dentro del lujo contemporáneo.
Pero ¿qué significa realmente slow beauty? Se trata de una aproximación integral al cuidado personal que privilegia ingredientes botánicos, procesos éticos, transparencia en las fórmulas y una producción más cercana al origen. Aquí la premisa es calidad sobre cantidad: menos productos, sí, pero mejor formulados y alineados con la salud cutánea a largo plazo.
¿Qué define la slow beauty?
Las marcas que abrazan esta corriente suelen compartir ciertas características: fórmulas libres de parabenos, sulfatos y fragancias sintéticas; ingredientes de origen vegetal, certificaciones cruelty-free y, en muchos casos, estándares veganos. También hay un interés creciente por reducir la huella ambiental mediante empaques biodegradables o reciclables y cadenas de suministro más cortas. La belleza consciente se convierte así en un acto de coherencia: lo que aplicamos sobre la piel también refleja la manera en que habitamos el mundo.
A continuación, te presentamos algunas marcas mexicanas y latinoamericanas de slow beauty que no pueden faltar en tu tocador.
Xamania
Con más de 15 años de trayectoria y laboratorio propio en la Ciudad de México, Xamania se posiciona como una de las pioneras de slow beauty en el país. Su propuesta integra ciencia y sensibilidad, con fórmulas que priorizan la salud cutánea desde un enfoque preventivo.
Sus productos se mantienen dentro de un rango de toxicidad bajo en la escala del Environmental Working Group (EWG), evitando conservantes potencialmente dañinos, sulfatos, parabenos, perfumes sintéticos y derivados del petróleo. La marca apuesta por la transparencia y la educación del consumidor, elementos clave dentro de la cosmética consciente.
Ahal
Ahal parte del concepto de “biocosmética”, entendiendo que el maquillaje y el cuidado facial deben acompañar la función natural de la piel, no cubrirla. Su enfoque combina antioxidantes, vitaminas y activos botánicos que buscan equilibrar la salud cutánea.
Uno de sus diferenciales es la implementación de empaques biodegradables, reforzando su compromiso con la sustentabilidad. La marca trabaja desde una narrativa donde la piel se cuida antes de embellecerse, alineándose con la esencia de la slow beauty: menos artificio, más bienestar.
Raw Apothecary
Fundada en 2019 en México por dos amigas con la inquietud de transformar su entorno, Raw Apothecary desarrolla productos elaborados con ingredientes naturales, sustentables y libres de crueldad animal. También evita el aluminio en sus formulaciones, priorizando alternativas más seguras.
Su línea está organizada por tipo de piel, y en su sitio web ofrecen un diagnóstico interactivo para orientar la elección personalizada. Puedes tomar un quiz en su sitio web.
Loto del Sur
Fundada en Colombia por Johana Sanint, Loto del Sur conecta la cosmética botánica con la riqueza natural latinoamericana. Su narrativa gira en torno a rituales de bienestar inspirados en la biodiversidad regional, con fórmulas que maximizan el uso de ingredientes de origen vegetal y evitan aceites minerales, siliconas y parabenos.
La marca está disponible en México a través de El Palacio de Hierro y su tienda en línea.
Slow beauty no implica renunciar al lujo, sino redefinirlo. En 2026, la verdadera sofisticación estará en elegir marcas que respeten la piel, el entorno y la comunidad. La belleza consciente ya no es alternativa: es el nuevo referente dentro de la cosmética contemporánea.
Dixy Rodríguez nombra “lo demasiado” mexicano: meximalismo
El Pantone Institute eligió como color del año para 2026 el PANTONE 11-4201 Cloud Dancer, un tono blanco, muy etéreo… Un color que se supone servirá como base para toda clase de diseños: moda, aparatos electrónicos, muebles, Post-it, e incluso salió una masilla de Play-Doh de este color. Esto para un mexicano —y en general para un latinoamericano— no tiene sentido. Explosión de colores, de música, de ingredientes; un arrebato de dulces y ornamentos, familia, rituales y fiestas; eso somos los mexicanos. Dixy Rodríguez, fundadora del movimiento meximalista, lo dijo claramente en una frase: somos lo demasiado.
Los orígenes del meximalismo
Si bien el término meximalismo surge como una respuesta contestataria a la tendencia internacional que pondera los colores neutros, los espacios limpios y los diseños minimalistas, sus orígenes en realidad pueden rastrearse hasta el siglo XVII, en la época novohispana. Este estilo artístico se caracterizó por la fusión exuberante de elementos españoles con motivos indígenas y materiales locales destacados por su decoración excesiva y extremadamente colorida, que pretendían reflejar la riqueza de la Nueva España. Asimismo, y al igual que hoy en día, las temáticas solían ser religiosas, enfocadas tanto en los santos como en la Vírgen María; de ahí que esta última se haya convertido en un ícono del meximalismo, así como de la cultura pop actual.
Lo identitario
A pesar de que este estilo visual se mueve en un contexto de tendencias (o, mejor dicho, contratendencias), la creadora del meximalismo Dixy Rodríguez afirmó, en una entrevista con The New York Times Style Magazine, que:
“[En 2023] Comencé haciendo producciones editoriales independientes con un estilo kitsch y ecléctico, pero con esa esencia mexicana. Aún no tenía nombre. Lo llamaba Mexican style, aunque sentía que no era suficiente. Hasta que entendí que no se trataba solo de kitsch, sino de identidad. Entonces lo nombré Meximalismo. Al principio fue un manifiesto personal, pero después me di cuenta de que no era solo mío, sino de todos los que vemos lo “demasiado México” como orgullo cultural, no como tendencia.”
Lo demasiado como identidad, de eso se trata. Ningún mexicano necesita justificación ante una manteconcha, una gomichela con camarones o una terraza con infinidad de macetas cada una con plantas diferentes. No necesitamos explicación ante el dicho “te colgaste hasta el molcajete”. Sabemos que amamos el exceso y que este le da vida a nuestra cultura.
El tamaño sí importa
Lo grande es quizá la característica principal del meximalismo: una gran expresión de lo cotidiano. Son los textiles saturados de flores y aves; es la cerámica de barro plagada de color; son las paredes llenas de corazones de repujado y diablitos; es el baile del venado, con su ajuar y su máscara cornuda; son las piñatas y el ponche. México en todo su desbordante esplendor.
Es América… latina
Rodríguez afirma que con este auge de color y cultura mexicana se ha impulsado también la unión de nuestras raíces con el resto de América Latina. Por ello, Dixy habla también de un MaxiLatinismo, el cual promueve la comunión de orígenes desde “un color que no pide permiso”. Y el espectáculo de Bad Bunny durante el Super Bowl LX no podría encajar mejor: nombrar imagen a imagen lo que nos hace ser un continente que, desde la comunidad, el color y la exuberancia resiste a un mundo que dice que el diseño es neutralidad con bordes impecables.
MMAC: arquitectura y arte contemporáneo que respiran el paisaje
En el mapa de la arquitectura contemporánea en México, el Museo Morelense de Arte Contemporáneo (MMAC) se ha consolidado como una pieza clave, lejos del protagonismo capitalino, donde el entorno es protagonista. Inaugurado en 2018 en Cuernavaca, el recinto alberga una de las colecciones más relevantes de arte contemporáneo del país y propone una reflexión sobre cómo la arquitectura puede convertirse en puente entre ciudad, naturaleza y comunidad.
Diseñado por JSa Arquitectura, despacho liderado por Javier Sánchez Corral y Aisha Ballesteros, la propuesta apostó por generar un sistema urbano abierto: un umbral que conecta el Centro Histórico de Cuernavaca con el barrio de Amatitlán, cuyos orígenes se remontan a más de tres siglos.
Concreto blanco y vacío como gesto urbano
En sus más de 7,000 metros cuadrados, el museo articula salas de exposición, talleres, biblioteca y restaurante a través de volúmenes de concreto blanco aparente que funcionan como contenedores neutros. Estos planos limpios actúan como lienzos donde el arte contemporáneo adquiere protagonismo, mientras los vanos y encuadres revelan fragmentos del entorno natural.
El proyecto no impone una arquitectura icónica aislada del contexto; al contrario, respeta las preexistencias del predio y conserva especies arbóreas como amates, ceibas y casahuates. Incluso el apantle —un antiguo canal de agua— se integra como elemento narrativo dentro del recorrido. Aquí, la arquitectura dialoga con el paisaje.
El conjunto se organiza en seis espacios expositivos flexibles: Galería Principal, el Cubo, Museo Sonoro, Espacio Inmersivo, T1 y T2— capaces de transformarse según las necesidades museográficas.
El jardín como obra colectiva
Uno de los gestos más contundentes del MMAC es su jardín, que ocupa cerca del 80% del terreno, un espacio público de libre tránsito que difumina la frontera entre museo y ciudad. La pregunta surge inevitable: ¿dónde termina el edificio y dónde comienza el paisaje?
El jardín alberga 18 esculturas monumentales de Juan Soriano, figura central del arte moderno mexicano. Su presencia transforma el recorrido en una experiencia inmersiva donde naturaleza y escultura coexisten sin jerarquías.
La colección del museo incluye además más de mil obras entre pintura, obra gráfica, tapices y cerámica, consolidando al recinto como un nodo esencial para comprender el desarrollo del arte contemporáneo en México.
Biblioteca y tejido cultural
Más allá de las salas de exhibición, la biblioteca especializada del MMAC resguarda alrededor de 6,000 ejemplares dedicados al arte moderno y contemporáneo, teoría crítica, museología y arquitectura. Fondos provenientes de colecciones personales de creadores y teóricos mexicanos enriquecen este archivo, que funciona como espacio de investigación abierto al público.
El museo se integra a una red cultural que ha revitalizado Cuernavaca en los últimos años, junto a espacios como La Tallera y Centro Cultural Teopanzolco, que emplean la arquitectura contemporánea como herramienta de regeneración urbana.
Reconfigurar la ciudad
Desde su fundación en 1996, JSa Arquitectura ha promovido intervenciones que buscan rehabilitar y reactivar el tejido urbano mediante proyectos que aprenden del contexto y se adaptan a dinámicas sociales y ambientales cambiantes, siendo el MMAC una encarnación de dicha filosofía.
En tiempos donde la ciudad tiende a fragmentarse, este museo propone lo contrario: un atajo que conecta barrios, un umbral que invita a cruzar y un espacio donde la arquitectura, el paisaje y el arte contemporáneo se entrelazan para producir nuevas formas de habitar.
D. C. Dr. A. Nápoles Gandara, Amatitlán, 62410 Cuernavaca, Mor.
Glamping aéreo: las 5 mejores casas de árbol para hospedarse con lujo
No cabe la menor duda de que actualmente vivimos a un ritmo y una velocidad que poco a poco ha ido desgastándonos física y emocionalmente. No es gratuito que hoy en día, el burnout y los padecimientos mentales vayan en aumento. Es por ello que al mismo tiempo están incrementando las experiencias enfocadas en liberar el estrés a través de la conexión con la naturaleza: una forma efectiva de vincularnos con lo verdaderamente esencial en la vida.
Entre estas experiencias, están las lujosas estadías en casas de árbol, las cuales además nos conectan con nuestro niño interior al evocar los más hondos y alegres recuerdos de la infancia, cuando no vivíamos a un ritmo acelerado y teníamos todo el tiempo para jugar y explorar nuestras curiosidades. De la misma manera, al estar completamente inmersas en la naturaleza, te alejan completamente del ruido y el estrés urbano. Por ello, a continuación, te compartimos las 5 mejores casas de árbol que te darán la máxima experiencia de glamping en tus próximas vacaciones. Y no te imaginas dónde está la última…
1. The Woodsman’s Treehouse, Inglaterra
Construido en la copa de un antiguo roble, este chalet cuenta con todos los elementos de una escapada romántica de ensueño: un puente colgante, una chimenea giratoria, un sauna y un horno para pizza. Todo ello envuelto en un ambiente acogedor y lujoso. Esta joya arquitectónica embebida en la naturaleza es una colaboración entre Guy Mallinson y Keith Brownlie de BEaM, la cual fue construida completamente de manera artesanal. Además, en 2016 ganó el premio RIBA South West y el “small project of the year”, en George Clark’e Amazing Spaces y Grand Designs House of the Year.
2. Treehotel, Suecia
Este complejo sueco cuenta con ocho cabañas aéreas, cada una con un concepto y diseño únicos, desde una biósfera, una casa de espejos, y un nido de pájaro, hasta un diseño que asemeja un OVNI. Todas estas casas de árboles fueron creadas para generar una experiencia de completa inmersión en la naturaleza, que le permite al huésped vivir “desde adentro” el entorno sin alterarlo.
P. Treehotel
3. Cabañas de Salagnac, Francia
Seis cabañas construidas a los alrededores de una maison francesa del siglo XVII y XIX, en medio de 40 hectáreas de bosque protegido. Estas casas de árbol contemporáneas fueron diseñadas por Apolline Terrier y cuentan con todos los servicios y lujos necesarios para una estadía inigualable en uno de los entornos naturales más románticos del planeta. ¿Necesitamos decir más?
4. Geejam, Jamaica
A las faldas de las Montañas Azules, se encuentran estas cuatro exclusivas casas de árbol en la selva tropical de Jamaica. Cada una cuenta con un diseño diferente que le da su propia vibra y un paisaje único. Todas están equipadas con jacuzzi, veranda privada, vapor y vista tanto al mar como a la selva.
P. Geejam Hotel
5. The Trillium, México
Esta exclusiva cabaña se encuentra en la península yucateca y simboliza el crecimiento, renovación y belleza que surge de la perseverancia y la conquista de los obstáculos. En palabras de ellos mismos, “duerme una vez en AWAKENING y despierta para siempre”. Aquí encontrarás un jacuzzi y una alberca que son espejo de una delicada flor que emerge del suelo profundo de los cenotes mexicanos. Además, su cuidadoso diseño que fusiona sustentabilidad con opulencia le da un ambiente de reflexión y relajación perfectos para una estancia que se percibe eterna.
P. Awakening
¿Cuál de estas lujosas casas de árbol llamó tu atención? Sin duda, el glamping en las alturas lleva la experiencia a otro nivel.
¿Por qué el cielo es azul? La arquitectura de la luz y nuestra percepción
El cielo es el primer recordatorio diario de nuestra conexión con la inmensidad. Representa un lienzo que evoca libertad, calma y una claridad que invita a la introspección. El firmamento es la obra maestra donde la física se convierte en poesía visual.
Lo que percibimos es el resultado de un acuerdo biológico entre el planeta y nuestro cerebro. La verdadera magia reside en que la atmósfera es un “teatro tridimensional” donde el color envuelve todo el campo visual. El azul es producto de una arquitectura de la luz que organiza la energía solar para definir nuestra realidad estética.
La carrera de los fotones: el filtro de la atmósfera
La luz solar viaja en frecuencias de distintos tamaños e interactúa con el aire de forma selectiva:
| Onda de luz | Estilo de viaje | Interacción con el aire | Resultado visual |
| Rojo / Naranja | Larga y fluida | Supera las moléculas sin desviarse | Atraviesa el aire directamente |
| Amarillo | Media y estable | Mantiene su trayectoria original | Luz clara y definida |
| Azul / Violeta | Corta y dinámica | Choca y se esparce en las partículas | Inunda el cielo con su brillo |
1. El mecanismo de Rayleigh y la densidad de la distancia
Esta física fue comprendida de forma intuitiva por mentes brillantes antes de ser codificada. Leonardo da Vinci observó que el aire posee cuerpo y densidad, creando la técnica del sfumato para pintar la profundidad. Siglos más tarde, Antoine de Saint-Exupéry reforzó esta visión desde las alturas, notando que la distancia tiende inevitablemente hacia el azul. Es lo que la escritora Rebecca Solnit denomina “el azul de la distancia”: esa luz que se pierde y se esparce antes de llegar a nosotros. El azul es la manifestación visual del propio volumen del aire; es el color de lo inalcanzable revelado por la luz.
La luz del sol entra en nuestra atmósfera como una corriente de energía constante. Mientras las ondas rojas actúan como corredores de zancada larga que esquivan los obstáculos, la luz azul viaja en ondas pequeñas que chocan con las moléculas de nitrógeno y oxígeno. Este fenómeno se conoce como dispersión de Rayleigh: la luz azul se fragmenta y se esparce en todas direcciones, convirtiendo al aire en una esfera emisora de color.
2. La complicidad biológica: la mirada del observador
Físicamente, el cielo posee una carga violeta dominante, ya que su longitud de onda es aún más corta que la del azul. Sin embargo, nuestra mirada percibe azul gracias a la sofisticación de nuestra biología. La retina humana posee una sensibilidad superior al espectro azul, permitiéndonos procesar un horizonte nítido y equilibrado.
Esta subjetividad se confirma a través del daltonismo. En condiciones como la tritanopia, la estructura del ojo interpreta estas frecuencias de forma distinta, transformando el azul en matices grisáceos. Históricamente, nuestra relación con el color es evolutiva: en La Odisea, Homero describía el mar como “del color del vino”, sugiriendo que la categorización del azul es un desarrollo tanto biológico como cultural. El color es una interpretación específica de nuestra especie ante la energía del entorno.
3. La absorción del mar y la estética de Shinkai
Existe la noción común de que el mar es azul solo por reflejar el cielo; sin embargo, su color real responde a la absorción molecular. Mientras el aire dispersa la luz azul, el agua actúa como un filtro que retiene las ondas rojas y libera las azules. Cielo y océano convergen en una armonía donde dos procesos físicos distintos definen nuestra identidad visual.
Esta precisión visual es lo que el director Makoto Shinkai captura en su obra (Your Name, Weathering with You, The Garden of Words), donde los cielos eléctricos y profundos no son solo fondos, sino estructuras que definen la atmósfera emocional de la historia. Shinkai utiliza la arquitectura del azul para recordarnos que el firmamento es un espacio de transición, claridad y una belleza técnica inagotable.
4. El ocaso y el pulso de las auroras
Al final del día, al atardecer, la luz azul se dispersa casi por completo debido a la mayor distancia que debe recorrer, permitiendo que las ondas largas de rojos y rosas tomen el escenario. Por su parte, las auroras boreales representan la atmósfera encendiéndose por el viento solar; una descarga de energía que transforma el oxígeno y el nitrógeno en neones verdes y púrpuras. El cielo es una estructura viva en constante transformación.
El equilibrio de la percepción
Apreciar la arquitectura de la luz es reconocer que habitamos dentro de un sistema diseñado para nutrir nuestra capacidad de asombro. El cielo azul, los matices del ocaso y el brillo de las auroras son pruebas de que la armonía técnica es la base de la estética más pura. Al levantar la mirada, encontramos en ese azul infinito una fuente inagotable de vitalidad, sincronía visual y un profundo sentido de balance biológico.
The Agency x Georgina Pounds Gallery: cuando el mito se vuelve cuerpo en Art Week CDMX
En el contexto de la Art Week CDMX 2026, la capital volvió a confirmarse como un punto de cruce para distintas narrativas artísticas globales. Esta vez, el encuentro sucedió en Casa Lamm con Paraíso de monstruos: conversión a la bestia divina, la exposición de la artista británica Vanessa Raw, presentada por The Agency Art House en colaboración con Georgina Pounds Gallery.
La muestra no solo marca la llegada de The Agency Art House a la CDMX, sino también la apertura de Georgina Pounds Gallery como un nuevo espacio dedicado al diálogo internacional. Más que una inauguración, el proyecto se plantea como un gesto de intercambio cultural: uno que conecta la escena artística global con el pulso simbólico y emocional de la ciudad.
Es también la primera exposición individual de Vanessa Raw en México y América Latina, un debut que se siente potente y necesario. A través de pinturas de gran formato, Raw construye universos donde lo femenino, lo mitológico y lo emocional se entrelazan. Sus figuras habitan paisajes exuberantes e imaginarios, espacios donde lo divino y lo psicológico conviven como territorios de transformación constante. Inspirada tanto en mitos clásicos como en lecturas contemporáneas sobre lo monstruoso y lo sagrado, la artista propone una feminidad lejos de lo idealizado: vulnerable e intensa.
Casa Lamm funcionó como un punto de resonancia entre pasado y presente, reforzando la idea de los recintos culturales como lugares vivos donde nuevas narrativas visuales pueden emerger. Ahí, la obra de Raw dialogó tanto con referentes históricos como con sensibilidades contemporáneas, moviéndose entre lo ancestral y lo íntimo.
Actualmente, Paraíso de monstruos: conversión a la bestia divina continúa su exhibición en Galería Georgina Pounds, consolidándose como una de las propuestas más evocadoras de la temporada. Una muestra que reafirma a la Ciudad de México como un territorio para el intercambio artístico y para imaginar —desde el arte— nuevas formas de habitar lo femenino, lo simbólico y lo sagrado.
P. https://georginapounds.com/
D. Av. Álvaro Obregón 99, Roma Norte, CDMX
Hotel El Ganzo: donde arte, música y mar se encuentran
En un destino conocido por sus grandes resorts, Hotel El Ganzo destaca por ir en una dirección más íntima, creativa y auténtica. Ubicado frente a la marina de San José del Cabo, este hotel boutique se ha convertido en un punto de encuentro para viajeros que buscan algo más que sol y playa.
El Ganzo fusiona la belleza natural con una hospitalidad visionaria para dar vida a un espacio donde el arte independiente y la música florecen de manera orgánica. Desde su fundación en 2012, se ha consolidado como un enclave único dentro del mundo creativo: un refugio para mentes inquietas, con instalaciones artísticas en vivo y una agenda vibrante de experiencias que suceden dentro del propio destino.
Con la expresión artística como eje, El Ganzo se posiciona como un referente del viaje inmersivo, apostando por experiencias hechas a la medida que buscan inspirar, provocar y conectar. Un refugio para quienes crean, exploran y se expresan sin límites. Cuenta con programas creativos que atraviesan el arte, la gastronomía y la música, diseñados para fomentar la co-creación, la conexión y una experiencia inmersiva que evoluciona con cada visita.
La música es parte del ADN de El Ganzo desde 2012. A través de su programa musical y del Underground Studio, el hotel se ha convertido en un punto de encuentro para músicos de distintas latitudes, impulsando la colaboración y el intercambio cultural en Los Cabos. Artistas como L’Impératrice, Khruangbin, Damien Rice, Anderson .Paak, Kings of Convenience, Mayer Hawthorne, Caloncho, Natalia Lafourcade, Silvana Estrada y Julieta Venegas han dejado su sonido, formando una comunidad creativa que sigue creciendo.
A través de su programa de arte y residencia de artistas, creadores de todo el mundo han intervenido habitaciones, fachadas y espacios comunes, dejando huellas que evolucionan con el tiempo. Murales, esculturas y gestos ocultos convierten cada estancia en una experiencia inmersiva de co-creación, con artistas como Pedro Reyes, Aldo Chaparro, Jeff Zimmerman, Dulce Chacón, Clara Cebrián, Omar Rodriguez-Graham y Fernanda Caballero, entre otros.
En El Ganzo, la cocina es una extensión del territorio. Bajo la dirección del chef José Luis Hinostroza, el programa culinario celebra una filosofía fronteriza que fusiona tradición mexicana y técnicas internacionales, colocando a los ingredientes locales de Baja California en el centro. Formado en cocinas icónicas como Noma y El Celler de Can Roca, y fundador de ARCA Tulum, Hinostroza trae una propuesta honesta y emotiva: sabores que nacen del fuego, la tierra y el mar.
Su arquitectura contemporánea dialoga con el paisaje desértico de Baja California Sur, mientras que cada rincón está impregnado dearte original, música y una energía creativa que se siente viva. No es casualidad que cuente con un estudio de grabación profesional por el que han pasado músicos y artistas internacionales. Este espíritu musical se refleja en conciertos íntimos, sesiones en vivo y una programación cultural que conecta a huéspedes y creadores.
En 2022, El Ganzo se convirtió en el primer hotel de México en obtener la certificación B Corp, uniéndose a una comunidad global de empresas que miden el éxito no solo por las ganancias, sino también por el propósito. Este reconocimiento refleja años de esfuerzo por reducir la desigualdad, disminuir su huella ambiental y fortalecer la comunidad de La Playa y San José del Cabo.
Diseño, gastronomía y relajación frente al mar
Las habitaciones y suites combinan diseño minimalista, materiales naturales y detalles artesanales. Todo está pensado para dejar que el entorno y la creatividad hablen. Muchas habitaciones cuentan con terrazas privadas y vistas al mar de Cortés o a la marina, ideales para comenzar el día con calma o cerrar la noche con una copa de vino.
El rooftop es uno de los espacios más icónicos del hotel. Con una piscina infinita, camastros y una vista espectacular al mar, se convierte en el lugar perfecto para ver el atardecer mientras suena buena música y el ambiente se vuelve casi cinematográfico.
Para quienes buscan equilibrio y descanso, El Ganzo también ofrece experiencias de bienestar. Desde sesiones de yoga al amanecer hasta tratamientos de spa diseñados para reconectar cuerpo y mente, todo ocurre en un entorno donde el vaivén de las olas marca el ritmo.
Además, el hotel cuenta con un beach club privado accesible en barco, que añade un toque de aventura y exclusividad a la estancia. Playa El Ganzo se encuentra en una de las únicas playas aptas para nadar de todo San José del Cabo.
Desde festivales de arte hasta aventuras al aire libre, rituales de bienestar hasta conciertos y festivales culturales, Puerto Los Cabos es un lugar donde cada día invita a la inspiración, el descubrimiento y la pertenencia, donde florece la comunidad, las posibilidades parecen infinitas y cada momento ofrece la oportunidad de formar parte de algo significativo.
D. Boulevard Tiburón s/n La Playa, 23403 San José del Cabo, B.C.S.
IG. @hotelelganzo
Diario de un Humano: Ludwika Paleta y la decisión consciente de vivir con perspectiva
Diario de un Humano ha consolidado un espacio donde las conversaciones se alejan de la superficialidad para habitar la honestidad del día a día. Creado y conducido por Emilio Antún, el podcast propone diálogos que exploran la identidad, los vínculos y los procesos íntimos que configuran la vida cotidiana. Antún, economista de formación que encontró en la escucha su vocación, ha convertido su proyecto en una plataforma semanal que privilegia la vulnerabilidad y la reflexión.
En su nuevo episodio, estrenado este lunes 16 de febrero de 2026, recibió a Ludwika Paleta para una charla que pivotea entre el tiempo, la maternidad y la libertad interior.
Ludwika Paleta, actriz cuya carrera arrancó en la infancia y se consolidó con el paso de los años como una figura reconocida del cine y la televisión mexicana, se presenta menos como personaje público y más como un humano en constante desarrollo. Paleta comparte, con una mezcla de lucidez y templanza, la transformación personal que la ha llevado a desprenderse progresivamente de la opinión ajena. Esa renuncia no es abrupta ni grandilocuente: es el resultado de años de reflexión y de decisiones pequeñas que, reunidas, han redefinido su relación con la mirada externa.
El hilo conductor del episodio es una frase que Ludwika pronuncia con sencillez, pero con hondura: “Depende de nosotros cómo llegamos a los 90 años”. Esa imagen —pensar en la mujer que será a los 90 como brújula para las decisiones presentes— devuelve la conversación a una ética de coherencia. No se trata de proyectarse en una versión idealizada del futuro para negar el ahora; más bien, es una invitación a elegir desde la calma, a involucrar la perspectiva en los actos cotidianos.
Emilio Antún guía la charla con preguntas que permiten a Ludwika desplegar recuerdos, dudas y aprendizajes sin buscar respuestas fáciles. Uno de los momentos más emotivos surge cuando Paleta habla de la maternidad. Relata la diferencia entre su experiencia con Nico —marcada por la juventud, la improvisación y el aprendizaje acelerado— y su maternidad más reciente, que aparece teñida por la serenidad y una mayor conciencia emocional. “No se trata de hacerlo perfecto, sino de hacerlo presente”, plantea. Y en esa sentencia se condensa una lección práctica para quienes navegan entre la urgencia profesional y los compromisos personales.
La actriz ofrece imágenes cotidianas —paseos sin mapa, sobremesas largas, escuchar más— que funcionan como pequeñas instrucciones para una vida menos reactiva.
La conversación también revisita las raíces familiares y la influencia formativa de sus padres. Paleta recuerda con gratitud la decisión de su padre, músico de origen polaco, de mudarse a México en busca de oportunidades. Ese gesto, calificado por Ludwika como un acto de valentía y previsión, alimentó su entendimiento del esfuerzo como responsabilidad intergeneracional: construir condiciones para quienes vendrán después. En otro pasaje, la actriz reconoce la larga batalla contra la opinión pública y cómo hoy prefiere gobernar sus elecciones desde criterios propios, sobre todo al considerar la persona que desea ser dentro de décadas.
Emilio Antún logra sostener el tono del diálogo sin convertirlo en confesionario: las preguntas invitan a la narradora a sostener su pensamiento y a detallar decisiones concretas. Entre los momentos reflexivos, emergen anécdotas que ilustran cambios de ritmo —la atención al detalle, el valor del silencio, la paciencia como forma activa de resistencia— y citas que resuenan más allá de su biografía. La combinación de intimidad y claridad convierte al episodio en un manual práctico para transitar la adultez con intencionalidad.
Para el público adulto joven y de mediana edad, este capítulo ofrece herramientas para repensar prioridades: cómo modular la relación con la opinión ajena, cómo cultivar la presencia en la maternidad o la paternidad, y cómo usar la imaginación del futuro como orientadora de actos presentes. No es un llamado moralista, sino una conversación que privilegia la honestidad y la posibilidad de ajuste permanente.
Diario de un Humano con Ludwika Paleta se escucha como una tregua necesaria: una pausa que propone mirar la vida con menos ruido y más perspectiva. Los interesados pueden seguir las redes de Diario de un Humano y de Emilio Antún para no perder los próximos episodios y materiales complementarios que amplían la conversación. Este capítulo reafirma al podcast como un espacio donde lo cotidiano se vuelve motivo de reflexión y las decisiones pequeñas adquieren el peso de una vida elegida.
YouTube: @EmilioAntunm
Tessa Ía: construyendo un lenguaje propio
Habitar el cambio implica aceptar que la identidad no es un punto fijo, sino un movimiento constante. En ese tránsito, la creación se convierte en un espacio de exploración donde el riesgo, la intuición y la honestidad emocional marcan el ritmo.
El trabajo de Tessa Ía se construye desde ahí: una mirada que cruza lenguajes, disciplinas y procesos, y que entiende la transformación como una condición natural del acto creativo.
¿En qué momento supiste que el arte iba a ser tu forma de estar en el mundo?
Crecí inmersa en el arte gracias a mis padres. Entre visitas a museos, tardes de teatro y el descubrimiento constante de música nueva, mi entorno familiar siempre fue culturalmente rico. Más allá de esa herencia, el verdadero hallazgo ocurrió en la lectura. Al perderme durante horas en los libros, entendí que el arte estaba destinado a convertirse en mi voz y en mi forma de habitar el mundo.
Creciste rodeada de referentes artísticos. ¿Cómo fue construir una identidad propia dentro de ese contexto?
Desde chiquita tuve una actitud rebelde ante la vida, con ganas de ir a contracorriente del deber ser. Esa curiosidad por explorar fuera de la zona de confort y abrazar la incomodidad me ha llevado a descubrir experiencias y conceptos reveladores sobre quién soy.
Te describen como una artista mutante. ¿Qué significa para ti estar en constante transformación?
Estar entre dos mundos artísticos distintos genera una sensación particular. Con el tiempo entendí que mi lugar está en el cambio. Mientras mantenga mi esencia personal, cualquier espacio puede convertirse en un escenario para crear.
¿Cómo navegas la industria sin perder la autenticidad de tu propuesta?
Ser fiel a uno mismo implica no dejar de perderse en la búsqueda constante. Es un proceso de extravío y reencuentro que exige aprender a confiar en la intuición.
¿Qué tipo de personajes te atraen más y por qué?
Me atraen las historias emocionalmente densas. Habitar esas complejidades permite darles voz y cuerpo. El arte existe para que el espectador se asome a mundos internos que, de otra forma, serían inaccesibles. Es una experiencia que sucede en el encuentro entre el personaje y quien observa.
Nadie nos vio partir aborda temas duros. ¿Qué fue lo más retador a nivel emocional?
La complejidad emocional de las decisiones de Valeria. Es una mujer que lucha contra lo que la sociedad y su comunidad esperan de ella, pero sigue una intuición que resuena como verdad. Hay fidelidad a sí misma, pero también culpa hacia su familia, y esa tensión atraviesa todo el personaje.
¿Cómo fue habitar un personaje en una historia tan íntima que conectó a nivel global en Netflix?
El proyecto fue un sueño. Estoy profundamente agradecida con Tamara Trottner por confiar en nosotros para contar esta historia. Rodar en distintas partes del mundo fue fascinante, pero lo más especial fue el equipo. Nos convertimos en una familia, y esa intimidad se tradujo en una resonancia global. No sucede todos los días que un proyecto tan personal conecte de esa manera.
¿Cómo construyes la narrativa de tus canciones?
A veces tengo claro el tema y, al sentarme a escribir, aparece algo completamente distinto. Aprendí a fluir con ese proceso y a entender que ciertos temas encuentran su propia forma de salir. Lo veo como un collage donde ideas, referencias visuales y colores se van entretejiendo hasta cobrar sentido.
¿Cómo ha cambiado tu relación con la música desde tu primer álbum?
Cambió el lugar desde el que la abordo. Antes era una chispa creativa sin una comprensión clara. Hoy existe la posibilidad de elegir qué hago y cómo lo hago, algo que llega con el camino recorrido.
¿Sientes que tu faceta musical ha enriquecido tu forma de actuar, o viceversa?
Moverme entre la música y la actuación genera tranquilidad. Saber que existe otro universo creativo al cual recurrir permite canalizar ideas y energía. Cuando uno termina, el otro aparece como un espacio de libertad.
¿Qué riesgos creativos estás dispuesta a tomar hoy?
El impulso constante es empujar un poco más fuera de la comodidad. Esa incomodidad es la que hace crecer y enriquecer el proceso. Siempre es emocionante descubrir qué aventura aparece después.
¿Qué te gustaría que el público entendiera de ti más allá de la pantalla o la música?
Creo por una necesidad interna. Busco una conexión real y orgánica. Lo más valioso es que las personas perciban esa verdad y se identifiquen con la evolución. El deseo es seguir construyendo un camino propio y que, desde esa libertad, otros encuentren algo que también les pertenezca.
IG. @tessaurusrex
Vertebral: habitar el tiempo y el contexto
Fundado en 2016 en Ciudad de México por Elías Kalach y Teddy Nanes, el estudio parte de una sensibilidad construida a partir de relaciones, memorias y experiencias acumuladas con el paso del tiempo. Su trabajo no responde a un estilo arquitectónico fijo, sino a una mirada que se adapta a cada lugar y proyecto desde una comprensión profunda del entorno.
La práctica de Vertebral entiende la arquitectura como una forma de pensar el tiempo, el contexto y la manera en que las personas habitan el espacio.
Del pensamiento a la forma
Para Vertebral, las ideas son como nubes: no pueden tocarse desde dentro, solo comprenderse a la distancia. El proceso creativo implica salir del proyecto, repetir una idea como un mantra hasta que encuentra su forma final. Proyectar es imaginar; construir arquitectura es petrificar aquello que fue imaginado, haciendo que una idea sobreviva al presupuesto, al tiempo y al cambio.
El lujo silencioso
La arquitectura de Vertebral se define como un lujo silencioso: la capacidad de que un gesto mínimo transforme por completo la experiencia de un lugar. A veces basta una línea en el horizonte o una intervención sutil para modificar la manera en que se habita un espacio, sin recurrir a gestos estridentes.
Arquitectura en diálogo con el mundo
Desde Casa Escalera en el bosque de niebla de Avándaro, hasta una casa en un acantilado de Uluwatu, Bali, cada proyecto es una respuesta específica a su contexto geográfico, climático y cultural. Vertebral confirma que no existe una sola escala ni tipología desde la cual pensar la arquitectura, sino una misma sensibilidad capaz de adaptarse y encontrar sentido en la diversidad del mundo natural, social y construido.
Creatividad como forma de existir
Para el estudio, la creatividad es un ingrediente indispensable para la vida. Existe una línea delgada entre el trabajo y la vida personal: crear los une. Diseñar debería ser un acto cotidiano, tan esencial como comer o amar. La arquitectura contemporánea, en este sentido, es una manera de pensar y de vivir.
Un estilo que pregunta
Más que un estilo definido, el trabajo de Vertebral se mantiene unido por la dedicación a cuestionar tendencias espaciales. Hacer preguntas y encontrar respuestas únicas para cada proyecto es lo que define su práctica como estudio de arquitectura.
Paisaje, vegetación y percepción
El paisaje y la vegetación ocupan un lugar central en su arquitectura. Vertebral busca diseñar el viento, la sombra y el respiro: aquello que hace posible estar. La buena arquitectura no aliena del entorno, lo revela, mostrando la belleza que siempre estuvo ahí.
La casa como experiencia
Una casa puede cambiar la vida. En segundos, el umbral entre el miedo y la conmoción frente a la belleza puede transformarse. Para Vertebral, una casa no es un objeto, sino la experiencia de habitarla: un espacio que produce emociones y construye memorias.
La luz como color
En la arquitectura de Vertebral, el color es la expresión de la luz. Más que paletas cromáticas, el estudio piensa en materiales, texturas y en cómo la luz dialoga con ellas para coexistir dentro de un proyecto.
IG. @vertebral.mx
