5 datos curiosos sobre El laberinto del fauno para conmemorar su 20° aniversario
Del 12 al 23 de mayo se llevó a cabo el Festival de Cannes y sin duda alguna uno de los momentos más emotivos fue la presentación y proyección de la versión remasterizada de El laberinto del fauno, dirigida por Guillermo del Toro, con motivo de su 20° aniversario de creación. El cineasta mexicano dio unas breves palabras en las que expresó lo difícil que fue para él la realización del proyecto, así como su vigencia en un mundo donde la guerra, la crisis económica y el autoritarismo son el pan de cada día. Por ello, ¡te compartimos 5 datos curiosos sobre esta extraordinaria película para que vayas corriendo a verla!
1. El cuaderno perdido
Guillermo del Toro pasó años dibujando diseños y anotando ideas para la película en un cuaderno personal. Al bajarse de un taxi en Londres, olvidó el cuaderno en el asiento trasero y pensó que el proyecto estaba muerto. Por fortuna, el taxista notó el valor de las anotaciones, rastreó el hotel del director y se lo devolvió intacto. Del Toro tomó esto como una señal mística para filmar la película sí o sí.
2. Logró asustar a Stephen King
Durante una función privada, el célebre escritor de terror Stephen King se sentó junto a Guillermo del Toro. En la icónica escena donde el Hombre Pálido persigue a Ofelia, Del Toro notó que Stephen King saltó de la silla del susto. El director mexicano describió la reacción de King como “el equivalente absoluto a ganar un Óscar”.
3. El maquillaje prostético usado para el Fauno y el Hombre Pálido les valió un Óscar
El estudio español, fundado por David Martí y Montse Ribé, diseñó los icónicos trajes mecánicos y el maquillaje prostético del Fauno y del Hombre Pálido. Su impecable labor les valió ganar el Premio Óscar al Mejor Maquillaje.
4. Del Toro renunció a su salario
Para mantener un control creativo absoluto, el director rechazó ofertas de estudios de Hollywood que le daban el doble de presupuesto si filmaba en inglés. Al faltar dinero para la producción en español, Del Toro renunció a su sueldo de director y productor, e incluso aportó su propio dinero para asegurar que la película tuviera la calidad visual deseada.
5. La ovación más larga en Cannes
Cuando la película se estrenó en el Festival de Cine de Cannes en 2006, al encenderse las luces el público estalló en aplausos. Recibió una ovación de pie de 22 minutos, convirtiéndose en una de las muestras de reconocimiento más largas y emotivas en toda la historia del festival internacional.
Una noche con Rado: 40 años de cerámica de alta tecnología
El pasado 21 de mayo, Rado reunió a invitados especiales en Casa HOTBOOK para celebrar los 40 años de la cerámica de alta tecnología, uno de los materiales más importantes en la historia de la marca. De 7:00 p.m. a 12:00 a.m., el rooftop del espacio se convirtió en el punto de encuentro para conocer más sobre la trayectoria de la firma suiza y su apuesta por la innovación.
Durante la noche, los asistentes pudieron descubrir algunas de las piezas más representativas de Rado y conocer cómo la cerámica de alta tecnología se ha convertido en uno de sus sellos distintivos. Ligera, resistente y cómoda de llevar, este material ha permitido a la marca crear relojes que destacan tanto por su diseño como por su durabilidad.
La historia comenzó en 1986 con el lanzamiento del Rado Integral, el primer reloj fabricado en serie con cerámica de alta tecnología. Desde entonces, la marca ha seguido explorando nuevas formas de utilizar este material y desarrollando tecnologías que la han posicionado como una de las firmas más innovadoras dentro de la relojería.
Más que una celebración, el evento fue una oportunidad para recorrer cuatro décadas de innovación y diseño. En un ambiente relajado y con vistas a la ciudad, los invitados conocieron de cerca la evolución de una marca que ha convertido la investigación de materiales en una parte fundamental de su identidad.
A 40 años de aquel primer lanzamiento, Rado continúa demostrando que la innovación y el diseño pueden ir de la mano, manteniéndose como una de las referencias más importantes de la relojería contemporánea.
Ruffles lleva su visión del deporte a Sports Summit CND 2026
Ruffles continúa fortaleciendo su vínculo con el deporte y el entretenimiento en México. El pasado 23 de abril, la marca participó como patrocinador en Sports Summit CND 2026, uno de los foros más relevantes para la industria deportiva en Latinoamérica.
Celebrado en Ciudad de México, el encuentro reunió a líderes, marcas, plataformas, ligas y tomadores de decisión para conversar sobre el futuro del deporte, el fan engagement y las nuevas formas de conectar con las audiencias.
En un contexto donde el deporte se vive mucho más allá de la cancha, la presencia de Ruffles respondió a una estrategia enfocada en formar parte de esos espacios donde las personas se reúnen para compartir la experiencia deportiva. Hoy, los partidos también suceden alrededor de conversaciones, reuniones, contenidos y momentos colectivos que transforman la manera en que los fans interactúan con el deporte.
Más allá de la visibilidad de marca, Ruffles buscó integrarse de manera orgánica al entorno del Summit, reforzando su conexión con los momentos de convivencia que acompañan al deporte y que forman parte esencial de la experiencia del aficionado.
Sports Summit CND se ha consolidado como una plataforma estratégica para entender hacia dónde evoluciona la industria deportiva en la región, reuniendo a actores clave de sectores que van desde el entretenimiento y la tecnología hasta los medios y las marcas globales.
Con esta participación, Ruffles reafirma su lugar dentro del ecosistema deportivo en México y continúa construyendo una relación cercana y auténtica con las audiencias que viven el deporte como una experiencia social y compartida.
Ladurée presenta un brunch especial con Michelle Catarata
Ladurée continúa consolidando su serie de brunch dominicales con una nueva colaboración gastronómica en la Ciudad de México. El próximo 31 de mayo, la maison francesa recibirá a Michelle Catarata, chef pastelera y cofundadora de Galea e iddi’s Bakery, para protagonizar la segunda edición de esta experiencia mensual en su sede de Polanco.
La propuesta, que busca reunir cada último domingo del mes a distintos talentos culinarios invitados, se ha convertido en un espacio donde diferentes estilos gastronómicos dialogan alrededor de la mesa. Para esta edición, Michelle Catarata presentará un menú especial inspirado en ingredientes de temporada y productos locales, manteniendo el equilibrio entre la esencia de su cocina y el estilo francés característico de Ladurée.
Disponible de 7:00 a 15:00 horas, el brunch incluirá tres platillos creados exclusivamente para la ocasión. Entre las opciones saladas destaca una frittata preparada con huevo, espinaca y queso brie, acompañada de salmón ahumado y ensalada de arúgula. También se presentará una reinterpretación del clásico BEC neoyorquino con huevo, tocino y queso servido sobre pan tradicional de Ladurée con un giro francés.
La propuesta dulce llegará de la mano del Pain Perdue de iddi’s, elaborado con brioche de Ladurée, nuez pecana y salsa toffee con trozos de macarrón de caramelo salado, combinando la pastelería francesa con la visión contemporánea de la chef invitada.
Los asistentes podrán ordenar los platillos individualmente o elegir el paquete especial diseñado por la maison, que incluirá pan dulce, plato fuerte a elección, Pain Perdue y café o jugo.
Reconocida recientemente como Repostera del Año 2025 por la Guía México Gastronómico, Michelle Catarata ha desarrollado una propuesta culinaria que privilegia frescura, técnica y temporalidad, consolidándose como una de las figuras más interesantes dentro de la escena gastronómica mexicana actual.
Con esta segunda edición, Ladurée reafirma su interés por crear experiencias gastronómicas exclusivas y abrir espacio a nuevas colaboraciones dentro de uno de los formatos más populares de la ciudad.
La poética del error: Daisuke Yokota y la fotografía analógica como resistencia
Hay un momento en la biografía de Daisuke Yokota que lo explica todo. Durante una larga enfermedad que lo confinó a su apartamento en Tokio, comenzó a experimentar con su proceso. Sin poder moverse, con rollos de película y los químicos del cuarto oscuro como únicos materiales, empezó a hacer las cosas mal a propósito. A sobreexponer. A usar agua demasiado caliente. A acercar el negativo a la llama de un encendedor. No porque no supiera hacerlo bien — sabía — sino porque descubrió que el daño decía algo que la imagen perfecta no podía decir.
Lo que salió de ese apartamento no eran fotografías en el sentido convencional. Eran otra cosa: superficies quemadas, emulsiones derretidas, sombras que ya no recordaban del todo lo que habían sido. Y eran, paradójicamente, más honestas que cualquier imagen nítida.
El proceso: destruir para revelar
Yokota disrumpe deliberadamente los métodos tradicionales de revelado, exponiendo la película a fugas de luz, chamuscando negativos, o sometiéndolos a agua hirviendo y tratamientos ácidos. Lo que queda no es el sujeto en sí sino un mundo abstraído de sombras, texturas y distorsiones impredecibles.
Para su trabajo en blanco y negro, Yokota escarba en un archivo de más de diez años de fotografías en su apartamento de Tokio. Cuando encuentra algo que le habla — una figura desnuda, una silla, un edificio, una arboleda — hace una imagen digital, la revela y la refotografía hasta quince veces, hasta que se degrada progresivamente. Cada ciclo de refotografía añade ruido, grano, pérdida. La imagen original se aleja. Lo que permanece es su huella, su eco, algo parecido a un recuerdo de segundo o tercer orden.
Para su trabajo en color, el proceso va aún más lejos: toma hojas de película en color de gran formato sin exponer, las apila y las desarrolla con agua hirviendo para que emerjan nuevos colores a medida que la emulsión se derrite y la plata se oxida. Las hojas dañadas, que ya no pueden revelarse de manera convencional, se escanean para crear la obra final. En sus propias palabras: “Intenté recontrolar el tiempo en una fotografía afinando las partículas.”
No es vandalismo ni provocación vacía. Es una investigación sobre qué es una imagen cuando se le quita la claridad. Sobre qué queda cuando el tiempo hace su trabajo.
La imagen degradada como memoria
Aquí es donde Yokota deja de ser solo un fotógrafo experimental y se convierte en algo más: un filósofo de la percepción.
La memoria humana no funciona como una cámara digital. No guarda archivos limpios, fechados, recuperables con un clic. Guarda impresiones. Fragmentos. Imágenes que cada vez que se recuerdan se modifican un poco — como los negativos de Yokota que se refotografían quince veces hasta casi desaparecer. Recordar no es reproducir: es reconstruir, y en cada reconstrucción algo se pierde y algo se añade.
Una fotografía perfecta, en ese sentido, miente. Afirma una precisión que la experiencia vivida no tuvo. Dice: esto es exactamente lo que pasó, cuando lo que pasó fue más turbio, más difuso, más parecido a las superficies chamuscadas de Yokota que a un archivo de alta resolución.
La imagen degradada, en cambio, acepta su condición. Dice: algo pasó aquí, pero ya no puedo decirte exactamente qué. Y en esa honestidad reside su humanidad.
Wabi-sabi y el celuloide
No es casual que Yokota sea japonés. Existe en la estética japonesa un concepto que Occidente ha tardado siglos en entender del todo: el wabi-sabi, la belleza de lo imperfecto, lo incompleto, lo efímero. La taza de té con la grieta reparada con oro. El jardín que no es simétrico. La madera que envejece sin pintura.
Yokota aplica esa lógica al celuloide. Una fotografía que se degrada no es una fotografía fallida: es una fotografía que acepta su propia finitud. Que no pretende durar para siempre ni conservar el mundo tal como fue. Que reconoce que el tiempo pasa también sobre las imágenes, como pasa sobre los cuerpos y los recuerdos.
Frente a eso, la imagen digital es su opuesto exacto: eterna, perfecta, sin cuerpo. Una fotografía digital no envejece. No se quema ni se derrite ni acumula el polvo de los años. Puede copiarse infinitamente sin perder un solo pixel. Es, en ese sentido, inhumana — no porque sea mala, sino porque no comparte nuestra condición más fundamental: la de terminar.
Elegir el error en 2026
En un mundo donde cada teléfono produce imágenes perfectas a una velocidad que hace imposible mirarlas todas, donde Instagram archiva cada momento en alta resolución y los algoritmos deciden qué merece ser visto, elegir el proceso de Yokota es un acto de desobediencia.
No es nostalgia. Sería un error ver a Yokota como un artista nostálgico — no es un purista del analógico, dado que mezcla procesos digitales y analógicos libremente. Lo que le interesa no es el pasado sino una pregunta muy contemporánea: ¿qué significa percibir? ¿Qué le hacemos a una imagen cuando la miramos, y qué nos hace ella a nosotros?
Elegir la imperfección hoy es negarse a la ilusión de que todo puede capturarse, archivarse y recuperarse sin pérdida. Es insistir en que la experiencia tiene una textura que ningún sensor puede registrar del todo. Es afirmar, con agua hirviendo y ácido y fuego, que lo que no dura para siempre puede ser más verdadero que lo que dura eternamente.
El fuego como obra final
Yokota presentó una instalación monumental con 100,000 impresiones fotográficas cubiertas de cera en la Trienal de Aichi en 2016. Cuando la exposición en Xiamen terminó, la instalación fue quemada en el espacio vacío. Ese proceso de quema fue documentado en 4,000 fotografías, que luego fueron procesadas, manipuladas y transformadas en una nueva obra: Matter/Burn Out.
La destrucción no fue el final. Fue el material.
Hay algo profundamente coherente en ese gesto: un artista que pasa su carrera dañando imágenes lleva ese principio hasta sus últimas consecuencias y quema la obra entera. No como fracaso sino como conclusión lógica. La fotografía que acepta su finitud acepta también, al final, desaparecer. Y en ese desaparecer — documentado, procesado, transformado — encuentra su forma más completa.
Los holy grails de e.l.f. Cosmetics que están definiendo el glow del verano
Hay productos que simplemente se convierten en parte de tu rutina. Los que llevas contigo a todos lados, los que usas una y otra vez porque funcionan, se ven increíbles y hacen que maquillarte sea mucho más fácil.
Este verano, la tendencia no se trata de capas pesadas ni looks complicados: se trata de piel luminosa, maquillaje que dura y labios glossy con efecto juicy. Y e.l.f. Cosmetics sabe exactamente cómo crear productos que pasan de “quiero probarlos” a “no puedo vivir sin ellos”.
Power Grip Primer, el ride or die que comenzó todo
El primero de estos holy grails es el Power Grip Primer, el primer viral que se convirtió en favorito de miles de amantes de la belleza. Su fórmula en gel con efecto grip ayuda a fijar el maquillaje para una aplicación uniforme y de larga duración, mientras el ácido hialurónico aporta hidratación y prepara la piel para un acabado fresco y cómodo durante todo el día. No es casualidad que siga siendo uno de los favoritos de TikTok y uno de los productos más buscados de la marca. Ahora puede ser tu nuevo beauty essential por $320 MXN.
Halo Glow Liquid Filter, el glow booster que redefinió la piel satinada
Después llegó el Halo Glow Liquid Filter, el potenciador de brillo multiusos que redefinió el significado de la piel satinada. Úsalo solo, debajo del maquillaje o mezclado con tu base favorita para lograr un acabado luminoso de efecto soft-focus que se ve increíble tanto en persona como en cámara. Enriquecido con escualeno y ácido hialurónico, su fórmula mantiene la piel hidratada mientras aporta ese effortless glow que se ha convertido en sinónimo de la estética “no foundation summer”. Todos estos beneficios por $430 MXN.
Glow Reviver Lip Oil, el toque final del que ningún look puede prescindir
Ningún look está completo sin unos labios glossy, y el Glow Reviver Lip Oil lo tiene todo. Combina brillo, hidratación y color en una fórmula no pegajosa enriquecida con aceite de jojoba, diseñado para suavizar y nutrir los labios mientras deja un acabado juicy irresistible. Su textura cómoda, aplicador oversized y acabado ultrabrillante lo han convertido en uno de los favoritos de la comunidad de la belleza y el toque final perfecto para cualquier rutina de maquillaje. Disponible por $260 MXN.
Tres productos, tres categorías clave que juntos representan lo que e.l.f. Cosmetics hace mejor: crear fórmulas virales, accesibles y de alto desempeño que elevan cualquier rutina de belleza. Encuentra el Power Grip Primer, Halo Glow Liquid Filter y Glow Reviver Lip Oil en tiendas Sephora y en sephora.com.mx, y descubre por qué se han convertido en los holy grails que todos quieren tener en su cosmetiquera.
Sustos, juguetes y dragones: ¡ya vienen los estrenos de películas y series en junio!
En un abrir y cerrar de ojos hemos llegado a la mitad del año, y con ello se aproximan los estrenos de películas y series de televisión que sí o sí debes ver si no te quieres quedar fuera de las conversaciones de tus reuniones. ¡Así que abre el calendario de tu teléfono y ponte un reminder para que no se te pase ninguna fecha!
PELÍCULAS
Scary Movie 6 (4 de junio)
Después de 13 (ja, ja) años de espera, la más reciente película de esta franquicia de comedia hace nuevamente una extraordinaria parodia del terror estadounidense, entre risas y guiños a la cultura woke. Está dirigida por el cineasta Michael Tiddes, conocido principalmente por A Haunted House y 50 Shades of Black. Dentro del elenco se encuentra la actriz y comediante Anna Faris, Marlon y Shawn Wayans, Regina Hall y Dave Sheridan, entre otros.
Backrooms (28 de mayo)
Esta versión cinematográfica de la creepypasta —historias cortas de terror o leyendas urbanas creadas en internet que se viralizaron a través de foros, blogs y wikis con la intención de asustar o perturbar al lector— del mismo nombre promete ser una de las películas de terror más esperadas del año. Su creador, Kane Parsons, desarrolla en una tienda de muebles un mundo misterioso que va “armando” habitaciones escondidas a manera de laberinto, que al ser explorado por los personajes los expone a creaturas extrañas y posibles desapariciones. Un destacado ejemplo de las nuevas narrativas de terror que exploran mundos que son tan ficticios como posibles.
Masters of the Universe (4 junio)
2026 será el año en que los millennials podremos compartir con las nuevas generaciones una de las historias más entrañables de nuestra infancia: Masters of the Universe. Aquí podremos ver el origen de He-Man y su gran batalla contra Skeletor para recuperar su mundo perdido. Este espectacular re-make dirigido por Travis Knight cuenta con un talentoso elenco de la talla de Nicholas Galitzine, Jared Leto (Skeletor), Camila Mendes, Idris Elba y Morena Baccarin.
Toy Story 5 (19 junio)
Los tiempos han cambiado y los juguetes tienen que enfrentar a un nuevo enemigo común: la tecnología. Bonnie recibe de cumpleaños una pantalla y Jessie y sus amigos no saben cómo hacer que vuelva a jugar con ellos, pero un viejo amigo en retiro los ayudará… Una bella historia con una importante reflexión “los juguetes sirven para jugar, pero la tecnología sirve para todo”. ¿Quién triunfará en la batalla por la atención de los niños?
Supergirl (25 junio)
Todas las personas vivimos en una constante búsqueda de “nuestra gente”, ese núcleo de familiares y amigos que nos alegran el día a día y nos sostienen en los momentos más difíciles… incluso los superhéroes. Al perder todo su mundo, Kara Zor-El se ha refugiado en Crypto, su peludo fiel compañero, para evadirse de la soledad del universo. Pero en un inesperado giro de suerte lo pierde y se ve obligada a emprender una carrera contratiempo para salvarlo; y en el camino quizá encontrará una fuerza que no sabía que tenía.
Obsession (26 junio)
Este extraordinario filme de terror no necesita mayor presentación, salvo: ten cuidado con lo que deseas…
SERIES
The House of the Dragon (22 junio)
No cabe duda de que la tercera temporada de La casa del dragón nos tendrá al borde del asiento cada semana. En ella, veremos a cada uno de los Targaryen decidir el rumbo de su propio destino y descubrir lo que están dispuestos a hacer por conseguirlo.
Dónde ver: HBO max
Sugar (19 junio)
La búsqueda continúa para el detective John Sugar, interpretado por el apuestísimo actor nominado al Óscar Collin Farrel. Esta historia es un extraordinario ejemplo de uno de los géneros más populares de tanto de la literatura como del cine: el misterio policiaco. John Sugar es contratado para investigar la desaparición de una mujer que pertenece a una de las familias más famosas de Hollywood y en el recorrido va destapando sus oscuros secretos.
Dónde ver: Apple TV
CHANEL presenta su nueva colección Métiers d’art 2026
El eclecticisimo, la libertad de identidad y la artesanía francesa convergen en la nueva colección de CHANEL: Métiers d’art. Concebida por Matthieu Blazy, fue presentada este mayo de 2026 con una narrativa profundamente cinematográfica en el metro de Nueva York.
Inspirada por la energía de una ciudad cosmopolita y el encuentro entre diferentes personalidades, la colección explora la idea de la moda como una herramienta de transformación. “Me gusta la idea de que la moda te permite ser quien quieras ser. Es casi una sensación de inventar tus propios superpoderes”, afirma Matthieu Blazy, retomando el espíritu de libertad que siempre definió a Gabrielle Chanel.
La propuesta mezcla lo extraordinario con lo cotidiano a través de siluetas que atraviesan distintas épocas, desde los años veinte hasta la actualidad. Vestidos largos, denim, faldas pintadas a mano, pantalones fluidos y nuevos esenciales dialogan con algunos de los códigos más emblemáticos de la Maison. Una mirada contemporánea reinterpreta el icónico traje CHANEL, los zapatos bicolores, las camelias y las perlas que reaparecen a lo largo de toda la colección.
Con un fuerte lenguaje visual inspirado en el cine, las siluetas representan personajes y arquetipos diversos superhéroes, estudiantes, trabajadoras y socialités bajo la misma idea de movimiento y libertad. La funcionalidad también ocupa un lugar central a través de bolsos flexibles de cuero, faldas cruzadas y accesorios que aportan una dimensión narrativa propia.
Entre los detalles más llamativos destacan los tocados con estampado de leopardo, bolsos inspirados en jirafas y ardillas, broches con motivos animales y gorras de béisbol, elementos que refuerzan el carácter ecléctico y lúdico de la colección.
La campaña también pone en primer plano el savoir-faire de las maisons d’art que colaboran históricamente con CHANEL. Bordados intrincados, tweeds animales y referencias Art Decó reflejan el trabajo artesanal de Lesage,Massaro, Goossens,Lemarié, Atelier Montex y Maison Michel, todas parte dele19M, el centro creativo fundado por CHANEL en París en 2021.
Desde 2002, las colecciones Métiers d’art funcionan como un homenaje anual a los artesanos y talleres franceses que forman parte esencial del universo creativo de la Maison, reafirmando el vínculo entre innovación, tradición y excelencia artesanal.
Fotografiada por Craig McDean y filmada por Rahim Fortune en New York City, la campaña reúne a modelos como Anok Yai, Julia Nobis, Penelope Ternes, Bhavitha Mandava, Josephen Akuei, Jesi Evans, Feng Jiao, Anne Vyalitsyna y Riley Lusher, dando vida a distintas mujeres CHANEL reales e imaginarias desde una mirada visual sofisticada y contemporánea.
Una noche en LA: seis spots para un bar hopping de altura
Los Ángeles no es solo una ciudad de películas y playas. Es también una ciudad con cultura nocturna, bares que cuentan historias y cócteles que merecen tomarse despacio. Si alguna vez te preguntaste cómo sería recorrer la ciudad copa en mano, esta ruta es el punto de partida.
Sunset Tower Bar — Donde empieza la leyenda
Hay pocos lugares en el mundo donde el pasado y el presente conviven tan cómodamente como en el Tower Bar, dentro del histórico Sunset Tower Hotel en Sunset Boulevard. Diseñado en 1929 por el arquitecto Leland A. Bryant, el edificio fue un referente desde el momento en que abrió sus puertas, con su dramática ubicación en el Sunset Strip y su estilo Art Déco. Con los años se convirtió en residencia de innumerables leyendas de Hollywood, desde Errol Flynn y Elizabeth Taylor hasta Frank Sinatra y Marilyn Monroe. Hoy, entre paneles de nogal, luz cálida y vistas que se extienden sobre la ciudad, el Tower Bar sigue siendo el lugar donde la noche comienza con clase. Un martini aquí no es solo una copa: es entrar a una escena que lleva casi cien años escribiéndose.
The Roger Room — El secreto mejor guardado de West Hollywood
A unos minutos de distancia, en La Cienega Boulevard, la única señal del lugar es el letrero de neón de una antigua tienda de videncia. Más allá de unas cortinas oscuras, se abre un bar íntimo con decoración de principios de siglo: fotos circenses, vitrales vintage y tapices que bañan el espacio en tonos rojo y dorado. El menú supera los veinte cócteles clásicos con giros propios, todos servidos en vasos fríos con popotes metálicos característicos del lugar. Es el tipo de bar al que le cuentas a tus amigos en voz baja, como un secreto que no quieres que todo el mundo descubra.
Bar Benjamin — Arte, coctelería y Melrose Avenue
Subir las escaleras que llevan a Bar Benjamin, sobre el restaurante The Benjamin Hollywood en Melrose Avenue, es como cruzar a otra dimensión. El espacio Art Déco tiene techos bajos revestidos con panelería de madera intrincada, booths de mohair de respaldo alto y hasta los baños tienen personalidad propia, con papel tapiz de Dolce & Gabbana en print de cebra. Cada visita comienza con una copa de bienvenida cortesía de la casa, antes de sumergirse en una carta donde los cócteles se inspiran en ingredientes de cocina —desde un Old Fashioned con whisky de maíz y bitters de tabaco turco hasta versiones del Manhattan con miso—. Una terraza envolvente con vistas hacia las colinas de Hollywood completa la experiencia.
Dante Beverly Hills — La terraza perfecta para el atardecer
No cualquier bar logra trasladar el espíritu de dos ciudades a la vez. Dante Beverly Hills, instalado en el rooftop del hotel Maybourne, es la primera sede fuera de Nueva York de este bar fundado originalmente en 1915 en Greenwich Village. Desde su terraza al aire libre, rodeada de mármol blanco y vegetación exuberante, se abren vistas panorámicas sobre las colinas de Hollywood. La carta de cócteles gira en torno al estilo aperitivo italiano —negronis, spritzes, martinis— acompañada de platillos mediterráneos que salen directo del horno de leña. El ambiente es luminoso, social y genuinamente californiano. Si hay un lugar para ver caer el sol en Beverly Hills, es este.
Jaguar Room — Silver Lake tiene lo suyo
A unos kilómetros al este, en el corazón de Silver Lake, el Jaguar Room ocupa un espacio íntimo con estampado de jaguar en las paredes, sillones de cuero rojo, acentos dorados y una bola disco que gira sobre la pista. La carta, diseñada por el ex bar manager del restaurante Otium, se especializa en destilados mexicanos: desde una daiquiri de guayaba hasta un Old Fashioned de tabaco elaborado con whisky Abasolo. La música de rock psicodélico y el ambiente campy lo convierten en uno de esos lugares donde terminas pidiendo otra ronda sin darte cuenta. La entrada, discreta y señalizada apenas con una luz roja, promete algo especial desde el primer paso.
Polo Lounge — El cierre de noche más legendario de LA
Si existe un lugar donde el viejo Hollywood no ha muerto, es el Polo Lounge dentro del Beverly Hills Hotel. Inaugurado en 1941, el bar lleva décadas siendo el epicentro del poder y el glamour de Los Ángeles, frecuentado por estrellas de cine, negociantes y personajes de toda índole. El interior en rosa durazno, con alfombras profundas y booths verde oscuro, tiene una identidad visual tan reconocible que se ha convertido en sinónimo de la ciudad misma. Desde Charlie Chaplin hasta Marlene Dietrich y Elizabeth Taylor, cada mesa tiene su propia historia que contar. Terminar la noche aquí, entre palmeras y piano en vivo, es el tipo de experiencia que Los Ángeles regala a quienes saben buscarla.
De Sunset Boulevard a Silver Lake, con paradas en Beverly Hills y Melrose Avenue: esta es LA en su mejor versión. Copa en mano, por supuesto
Futari: el kappo sushi bar que CDMX necesitaba
Hay palabras que ya son un manifiesto antes de que el primer plato llegue a la mesa. Futari kappo sushi bar abre sus puertas en la colonia Roma con una propuesta clara: que la disciplina japonesa y la emoción europea pueden sentarse a la misma barra sin que ninguna le quite espacio a la otra. Detrás del proyecto están Daniel González y Edo López, dos chefs que formaron su mirada gastronómica entre Tokio, Kioto y Europa, y que regresan a la Ciudad de México con una convicción convertida en restaurante.
Los dos formaron su mirada gastronómica entre Japón y Europa. Vivieron la disciplina de las barras de sushi en Tokio, la ceremonia del kaiseki en Kioto, la informalidad cargada de significado de los izakayas cotidianos. Cuando regresaron, traían una convicción: que esas dos tradiciones podían conversar sin que ninguna tuviera que ceder su identidad. Hoy, esa convicción tiene dirección en el mapa de la ciudad.
Precisión japonesa y emoción europea: la filosofía detrás de Futari
Futari es un kappo style sushi bar que no intenta resolver una ecuación entre culturas sino abrir una conversación entre ellas. La cocina japonesa aporta su obsesión por el ingrediente exacto, el corte que no toca más de lo necesario, el respeto a la estación. La tradición europea llega con su capacidad narrativa, su estructura técnica, su voluntad de que cada plato cuente algo. Ninguna domina. Las dos escuchan.
El resultado no es fusión —esa palabra gastada que promete demasiado y entrega poco— sino algo más parecido a un diálogo entre personas que se respetan: fluido, honesto, sorprendente en los momentos justos.
La cocina es liderada por el chef Andrés Sánchez, quien llega con una extensa trayectoria en México y Europa, aportando la profundidad técnica que exige el estilo kappo: una disciplina que va mucho más allá del sushi y que integra técnicas de corte y cocción donde la influencia francesa aparece con naturalidad y sin forzamiento.
Cuando entras a Futari, entras a un lugar secreto
Hay restaurantes que se anuncian y hay restaurantes que se descubren. Futari pertenece a la segunda categoría. Cruzar la puerta de Colima 152 es como acceder a un universo propio: un lugar secreto donde el ruido de la ciudad desaparece y solo queda espacio para la buena comida, la buena música y la buena compañía.
La primera señal de que esto no es un restaurante ordinario la ofrece la cristalería y vajilla. Cada pieza ha sido seleccionada con la misma meticulosidad que un nigiri: vasos de perfil fino que capturan la luz de una manera casi irreal, cuencos de cerámica que pesan exactamente lo que deben pesar, platos que enmarcan el ingrediente sin competir con él. La delicadeza de la cristalería no es decoración, es comunicación: te dice, desde el primer momento, que aquí cada detalle importa.
Esa belleza de la vajilla —cerámica artesanal, cristal de línea pura, superficies que equilibran lo rústico y lo refinado— convierte el acto de comer en algo cercano a una ceremonia íntima. El plato llega y antes de probar el primer bocado ya hay una conversación entre el ojo y la mano, entre la forma y el contenido.
Futari kappo sushi bar: la filosofía detrás del menú
En Futari, el estilo kappo marca la pauta: una forma de cocinar que entiende el sushi como punto de partida, no como límite. Lo que llega a la mesa viaja entre dos mundos sin pedir permiso.
La barra de sushi.
Los nigiri, sashimi y temaki que salen de la barra tienen la austeridad de quien sabe que el ingrediente habla solo cuando el chef sabe callarse. Cada corte es una decisión. El arroz no es relleno, es columna vertebral. Aquí la técnica no se exhibe, se siente.
Los otsumami.
Los otsumami son el territorio donde la memoria europea entra en escena con naturalidad. No hay hibridación forzada ni guiños culturales decorativos: hay chefs que vivieron en ambas tradiciones y que cocinan desde ese lugar honesto. El resultado son bocados con profundidad de relato —platos que tienen pasado aunque lleguen al momento presente.
La barra también dicta el ritmo de la visita. Quien quiera conducir su propia experiencia puede hacerlo, copa en mano, a su velocidad. Quien prefiera soltar el volante tiene en el chef a alguien que conoce el camino y sabe cuándo acelerar y cuándo detenerse.
Precisión japonesa y emoción europea también en el espacio
Edo López y René Rabelo tomaron la misma pregunta que guía la cocina y la trasladaron al diseño: ¿cómo se ve un espacio donde Japón y Europa se encuentran sin que ninguno pierda su carácter? La respuesta está en la tensión entre materiales: el concreto que no cede y la madera que acoge, el acero frío y la luz que lo templa, la austeridad de las líneas y la calidez de los textiles.
La barra central es la pieza que lo resuelve todo: al colocar la cocina frente al comensal sin barreras, elimina la distancia entre quien cocina y quien come. No hay cuarta pared. Hay contacto. La cristalería y vajilla cierran el argumento: piezas que no son neutras, que tienen peso y forma propios, que llegan a la mesa ya diciendo algo antes de que el chef hable.
Dirección: Colima 152, Col. Roma, CDMX
Martes a jueves: 1:30–4:30 pm & 6:00–11:00 pm
Viernes y sábado: 1:30–4:30 pm & 6:00–12:00 am
Domingo: 1:00–8:00 pm
maison.futari
Velas Resorts renueva sus dos Estrellas Michelin 2026 con Cocina de Autor Riviera Maya y Cocina de Autor Los Cabos
Entre los restaurantes Michelin 2026 México destacan este año dos nombres que comparten propietario y categoría: Cocina de Autor Riviera Maya y Cocina de Autor Los Cabos, ambos de Velas Resorts, confirmaron su Estrella Michelin por tercer año consecutivo en la gala celebrada en Guadalajara. Son los únicos dos restaurantes del país con esta distinción dentro de un resort todo incluido de lujo, y los únicos en alcanzar la máxima calificación de dos estrellas en la edición 2026 de la guía.
Más allá del reconocimiento, la historia detrás de ambos restaurantes habla de una apuesta deliberada: llevar la cocina de autor al interior de un modelo vacacional donde históricamente predominaban los buffets y las propuestas masivas. Velas Resorts demostró que el formato todo incluido de lujo no tiene por qué ser sinónimo de mediocridad gastronómica.
La Guía Michelin México 2026
La tercera edición de la Guía Michelin en México se presentó el 20 de mayo de 2026 en Guadalajara, Jalisco —primera vez que la ceremonia salía de la Ciudad de México—, con una selección que alcanzó los 225 establecimientos reconocidos en todo el país. De ese total, apenas 27 restaurantes obtuvieron una Estrella Michelin y, notablemente, solo dos conquistaron la categoría de dos estrellas: precisamente los dos de Velas Resorts.
La distinción de dos Estrellas Michelin equivale, según los propios criterios de la guía, a una “cocina excepcional que vale la pena desviarse para conocer”. En un país con 225 restaurantes en la selección, solo ese par de mesas alcanzó ese nivel. La guía también amplió su cobertura geográfica al incluir por primera vez Jalisco, Puebla y Yucatán, lo que convierte al mapa gastronómico de México en uno de los más ricos del continente americano.
Cocina de Autor Riviera Maya: nueve tiempos entre el Caribe y la vanguardia vasca
Abierto desde 2008 dentro del Grand Velas Riviera Maya, en el tramo de carretera Cancún-Tulum, Cocina de Autor fue concebido desde el principio como una propuesta de alta cocina que rompiera con las convenciones del resort. Los artífices intelectuales del concepto son dos chefs vascos con credenciales impecables: Mikel Alonso, formado en la escuela de Juan Mari Arzak —tres estrellas Michelin y referente indiscutible de la nueva cocina española—, y Bruno Oteiza, cuyo restaurante Biko en Ciudad de México acumuló años consecutivos en la lista de los 50 mejores restaurantes del mundo. Juntos construyeron la columna vertebral filosófica de un restaurante que hoy luce el galardón 5 Diamantes de la AAA y la estrella roja de la guía francesa.
Al frente de la cocina diaria está el chef ejecutivo Nahúm Velasco, nacido en Ciudad de México. Su formación incluye una etapa determinante en Geranium, el restaurante danés de Rasmus Kofoed que ha ocupado los primeros lugares del ranking mundial. Velasco regresó a México con una mirada más amplia sobre el producto, la técnica y la presentación, y esa síntesis es lo que hoy el comensal encuentra en el menú de nueve tiempos de Cocina de Autor. Platos como la lonja de cerdo pelón, el tuétano con caviar o la pesca del día reflejan una cocina que celebra lo local sin abandonar la ambición técnica.
La propuesta incluye un maridaje con vinos mexicanos y destilados ancestrales, una decisión editorial que subraya el compromiso con la identidad nacional. No es solo un menú: es una declaración de principios sobre el potencial de la gastronomía mexicana contemporánea.
Cocina de Autor Los Cabos: el producto bajacaliforniano como punto de partida
La sede peninsular de Cocina de Autor abrió en noviembre de 2016 dentro del Grand Velas Los Cabos, sobre el corredor turístico al sur de la ciudad. La propuesta aquí es distinta en tono y en referentes, aunque comparte el mismo rigor. El arquitecto del concepto es el chef holandés Sidney Schutte, titular de dos Estrellas Michelin obtenidas en su restaurante Librije’s Zusje en el Waldorf Astoria de Ámsterdam —donde la segunda estrella llegó apenas siete meses después de su apertura—, y reconocido en los Países Bajos con el título SVH Meesterkok, la distinción más alta que puede recibir un chef en ese país. Su recorrido incluye cocinas de dos y tres estrellas en Bélgica, Hong Kong y Países Bajos, además de cuatro años de inmersión en la gastronomía asiática que marcaron profundamente su paladar.
Schutte define su cocina como una “explosión de sabores”: ingredientes como fuente de inspiración, técnica como herramienta, emoción como destino. En Los Cabos, esa filosofía se ejecuta a través del chef ejecutivo Francisco Sixtos, oriundo de Jalisco, con experiencia en cocinas europeas estrelladas y en el legendario hotel The Carlyle de Nueva York. Sixtos abraza la simplicidad como criterio estético supremo: el mejor producto disponible, la preparación más honesta posible.
El resultado es un menú de ocho o diez tiempos que arranca en el Bar Autor con coctelería de autor y concluye en una mesa donde cada plato dialoga con los ingredientes frescos del Pacífico bajacaliforniano. Los comensales reservan con meses de anticipación; la edad mínima es de 18 años.
El servicio como parte del plato: la filosofía de hospitalidad de Velas Resorts para restaurantes Michelin 2026 México
Una estrella Michelin no evalúa únicamente lo que ocurre en la cocina. Los inspectores anónimos de la guía valoran también el servicio, la coherencia de la experiencia y la capacidad del restaurante de cumplir su promesa en cada turno. En ese terreno, Velas Resorts tiene un historial que respalda el reconocimiento: en la edición 2025 de la guía, Cocina de Autor Riviera Maya fue distinguido además con el Premio al Servicio Michelin para México, reconocimiento que celebra equipos de sala que elevan la visita más allá de la cocina.
Dentro de la cultura corporativa de Velas Resorts, este estándar se articula alrededor del concepto del apapacho: esa forma de hospitalidad mexicana que no se reduce a la cortesía formal, sino que implica anticipar necesidades, leer el estado de ánimo del huésped y construir un ambiente donde la persona se siente genuinamente cuidada. En ambos restaurantes, esa filosofía se traduce en equipos de sala que conocen a fondo el menú, participan en catas de maridaje y tienen autonomía para personalizar detalles de la experiencia según el perfil del comensal.
La cadena ofrece además experiencias culinarias exclusivas: clases privadas con el chef Velasco o con los chefs consultores Alonso y Oteiza, donde parejas o grupos pequeños pueden preparar platillos del menú de autor y entender de primera mano la artesanía que hay detrás de cada presentación.
¿Por qué importa que sea un resort todo incluido de lujo?
La industria hotelera suele trazar una línea implícita entre la alta gastronomía y el modelo todo incluido. Los restaurantes Michelin viven habitualmente en hoteles boutique, propiedades urbanas de lujo o establecimientos independientes. Que Velas Resorts haya conseguido —y mantenido— este reconocimiento en dos propiedades vacacionales masivas desafía ese supuesto y abre una conversación sobre lo que es posible cuando hay voluntad institucional de invertir en talento culinario de primer nivel.
El vicepresidente de la cadena, Juan Vela Ruiz, ha señalado públicamente que la misión desde el origen fue construir una experiencia gastronómica de nivel Michelin dentro del modelo all-inclusive, sin compromisos. Los resultados de tres ediciones consecutivas de la guía sugieren que esa apuesta funcionó.
Para México como destino, el impacto es también relevante: con 29 restaurantes estrellados en 2026, el país consolida su lugar entre las grandes capitales culinarias del mundo. Y dentro de ese mapa, los dos restaurantes de Velas Resorts ocupan la cima, como los únicos con dos estrellas, en destinos de playa que reciben visitantes internacionales todo el año.
Dónde y cómo reservar
Cocina de Autor Riviera Maya se encuentra en el Grand Velas Riviera Maya, Carretera Cancún-Tulum Km 62, Playa del Carmen, Quintana Roo. Acepta comensales mayores de 12 años; se recomienda atuendo smart casual. Reservaciones disponibles en OpenTable y a través del resort.
Cocina de Autor Los Cabos está ubicado en el Grand Velas Los Cabos, Carretera Transpeninsular Km 17, Los Cabos, Baja California Sur. Exclusivo para mayores de 18 años. El dress code requiere camisa de cuello para caballeros y vestimenta formal para damas.
Ambos restaurantes forman parte de la oferta culinaria all-inclusive de sus respectivos resorts, aunque operan bajo reservación previa y con protocolos propios de la alta gastronomía.
COS presenta su colección spring-summer 2026
Tras presentar su colección Spring Summer 2026 en pasarela durante la semana de la moda en Seoul, COS llevó la celebración a Ciudad de México con un encuentro exclusivo realizado el pasado 14 de mayo en Perezoso, en la colonia Roma Norte.
La firma basada en Londres reunió a miembros de su comunidad, invitados especiales y referentes creativos en una noche marcada por una atmósfera relajada y contemporánea, donde diseño, conversación y estética convivieron de manera orgánica. Coctelería, música y gastronomía acompañaron el evento, concebido como una extensión natural del universo minimalista y sofisticado que define a COS desde 2007.
Entre los asistentes destacaron Azul Guaita, Bárbara López, Jorge López y Ximena de la Madrid, quienes lucieron piezas de la nueva colección.
La propuesta spring-summer 2026 explora siluetas atemporales y una confección precisa a través de materiales elevados y detalles contemporáneos. Entre las piezas destacan la sastrería fluida en seda, separates modulares en lino y propuestas refinadas en piel, manteniendo el equilibrio entre funcionalidad y sofisticación característico de la marca.
Todos los invitados vistieron looks de COS, apostando por líneas limpias, tonos neutros y una estética que dialogó naturalmente con la arquitectura del espacio y la identidad visual del evento.
Más allá del lanzamiento de una colección, la noche reafirmó la visión de COS de construir experiencias donde moda, cultura y comunidad convergen desde una perspectiva cercana y cuidadosamente curada. La colección spring-summer 2026 ya se encuentra disponible en tiendas y en línea.
Reset mental en 7 días: hábitos simples para bajar el ruido mental
Hay semanas en las que la cabeza simplemente no se apaga. Notificaciones pendientes, conversaciones pendientes, decisiones pequeñas que se acumulan… y de pronto el cansancio no es físico, sino mental.
La idea de un “reset” suele sonar extrema: desaparecer, desconectarse por completo o cambiar toda la rutina. Pero a veces el verdadero descanso empieza con algo mucho más simple. Pequeños ejercicios cotidianos que bajan el volumen interno sin exigir perfección.
Este reset mental de 7 días no busca transformar tu vida en una semana. Busca darte espacio y hacer algo diferente.
Día 1: camina sin estímulos
Sal a caminar diez minutos sin música, podcasts ni llamadas. Solo caminar. Al principio puede sentirse incómodo porque el cerebro está acostumbrado al ruido constante. Pero justo ahí aparece algo importante: silencio mental real, aunque dure poco.
Día 2: ordena un espacio pequeño
No toda la casa. Solo un cajón, una mochila o tu escritorio. El orden visual reduce sensación de saturación y genera una pequeña sensación de control que el cerebro agradece más de lo que parece.
Día 3: escribe lo que te da vueltas
Toma papel o notas del celular y escribe todo lo que tienes en mente, incluso cosas absurdas o incompletas. No es journaling perfecto. Es vaciar ruido.
Día 4: usa el teléfono más tarde
Evita mirar el celular apenas despiertes. Aunque sean quince minutos, cambiar ese primer estímulo del día modifica la sensación de ansiedad automática que generan mensajes, noticias y pendientes desde temprano.
Día 5: haz algo lento a propósito
Preparar café, cocinar algo simple, regar plantas o doblar ropa sin prisa. Hacer una actividad cotidiana con atención completa obliga al cerebro a bajar revoluciones y salir del modo multitarea.
Día 6: elimina un exceso digital
Borra una app que no usas, silencia cuentas que saturan o limpia fotos repetidas. El ruido mental también entra por acumulación visual y digital.
Día 7: una hora sin consumo
Sin redes, series ni contenido rápido. No para “ser productivo”, sino para recuperar atención propia. Leer, caminar, escuchar música o simplemente aburrirse un rato también cuenta.
El descanso mental no aparece haciendo más. A veces llega cuando dejamos de llenar cada minuto. Pequeños cambios cotidianos pueden parecer mínimos, pero juntos crean algo raro y valioso hoy en día: claridad mental. Si te interesa explorar más sobre bienestar y salud mental cotidiana, te recomendamos leer Wellness burnout: cuando el bienestar deja de sentirse bien.
Bvlgari presenta Eclettica, su nueva colección de alta joyería
Bvlgari vuelve a expandir los límites de la alta joyería con Eclettica, una colección que convierte el eclecticismo en una declaración artística. Inspirada en disciplinas como pintura, escultura y arquitectura, la propuesta reúne más de 150 creaciones y una selección de piezas transformables y millonarias que representan uno de los proyectos más ambiciosos en la historia reciente de la maison.
Definida por la firma como una nueva frontera creativa, Eclettica explora la relación entre intuición artística y maestría técnica a través de lo que Bvlgari denomina “artesanía”: un diálogo constante entre innovación, imaginación y excelencia artesanal. El resultado es una colección marcada por el contraste, la libertad estética y una visión profundamente ligada al ADN histórico de la casa romana.
En el centro de la colección aparecen nueve piezas excepcionales llamadas capolavori, palabra italiana para “obras maestras”, concebidas como la máxima expresión de creatividad, rareza y perfección técnica. Entre ellas destaca el collar Seres Scarf, inspirado en los textiles y geometrías del Art Deco, construido con más de 1,180 componentes individuales y más de 1,600 horas de trabajo artesanal. La pieza incorpora zafiros, esmeraldas y un zafiro de Sri Lanka de 31,90 quilates desmontable, pensado para reinterpretar el concepto de joya transformable característico de Bvlgari.
La colección también incluye creaciones como Secret Garden, un collar concebido alrededor de un excepcional zafiro padparadscha rosa-naranja de 26,65 quilates procedente de Sri Lanka. La composición, inspirada en los jardines ocultos de Roma al atardecer, combina esmeraldas cabujón, ónix y zafiros morados en un delicado equilibrio cromático.
El universo Serpenti ocupa igualmente un lugar central dentro de Eclettica. Piezas como Serpenti Infinia, Serpenti Illusio, Serpenti Spira y Serpenti Imperial Heart reinterpretan el símbolo más icónico de la maison desde una perspectiva escultórica y contemporánea. Diamantes talla baguette, zafiros antiguos, ónix e impresionantes gemas amarillas Fancy Vivid dialogan con estructuras tridimensionales desarrolladas a lo largo de más de 1,300 horas de artesanía.
Más allá de la alta joyería tradicional, Eclettica reafirma la manera en la que Bvlgari entiende el lujo: no únicamente como ornamentación, sino como una forma de arte ponible donde convergen historia, arquitectura, color y emoción. Desde la visión fundacional de Sotirio Bulgari hasta las revoluciones estéticas introducidas por la maison desde los años cincuenta, el eclecticismo ha funcionado como un método creativo que transforma contraste y diversidad en armonía visual.
Con esta colección, Bvlgari continúa fortaleciendo el diálogo entre joyería y arte contemporáneo, consolidando una visión donde la innovación técnica y la audacia estética se convierten en una misma expresión creativa.
The St. Regis Mexico City presenta A LOT OF BALLS
Entre galerías, museos y algunos de los espacios culturales más importantes de la ciudad, The St. Regis Mexico City se ha convertido en uno de los hoteles más representativos del lujo en la capital. Ubicado sobre Paseo de la Reforma, el hotel destaca no solo por sus vistas y su servicio personalizado, sino también por su conexión constante con el arte, el diseño y las experiencias culturales de la Ciudad de México.
Bajo esa visión llega A LOT OF BALLS, una exposición creada por Galería Ricardo Reyes y Ricardo Casas que reúne a 100 artistas, arquitectos, diseñadores e ilustradores mexicanos para intervenir balones y convertirlos en piezas de arte contemporáneo.
Después de su inauguración el pasado 22 de abril, una selección de las obras llegó a distintos espacios de The St. Regis Mexico City, transformando el hotel en un punto de encuentro entre arte, creatividad y hospitalidad.
La exposición toma un objeto cotidiano como el balón y lo convierte en esculturas, instalaciones y piezas llenas de identidad, color y distintas formas de expresión. Cada artista reinterpretó el balón desde su propio estilo, reflejando la diversidad creativa que existe actualmente en México.
Entre los participantes destacan nombres como Gildo Medina, Macario Jiménez, Ricardo Covalin, Javier Risco y Jessica Feldman, entre otros creativos que participaron en esta edición.
Además del enfoque artístico, el proyecto también tiene un componente social. Las piezas serán subastadas y lo recaudado será destinado a Fundación Origen, organización enfocada en apoyar a mujeres y familias mexicanas.
Como parte de la experiencia, The St. Regis Mexico City también presentó un menú especial en La Table Krug, creado por el chef ejecutivo Diego Niño e inspirado en el universo visual de la exposición.
El menú incluye platillos como un air bag acompañado de tártara de cangrejo y res con caviar, una gyoza de escamoles con mole amarillo y un pork belly glaseado con erizo fresco. La experiencia termina con un postre inspirado en el balón, reinterpretado desde una visión más sofisticada y contemporánea.
Con espacios como Diana Restaurant, King Cole Bar, The Glass House Café y La Table Krug, The St. Regis Mexico City continúa apostando por experiencias que mezclan gastronomía, diseño y arte dentro de una misma propuesta, consolidándose como uno de los puntos culturales y sociales más importantes de la ciudad.
Defender 110 Trophy Edition: el espíritu off-road de la marca
La aventura y la capacidad todoterreno siempre han sido parte de la historia de Defender. Ahora, la marca presenta el nuevo Defender 110 Trophy Edition, un modelo inspirado en los retos off-road más importantes de su legado y diseñado para nuevas expediciones en algunos de los terrenos más extremos del mundo.
Más que una edición especial, este lanzamiento busca conectar la historia aventurera de Defender con las necesidades de la movilidad actual. El resultado es un vehículo que combina lujo, tecnología, resistencia y desempeño todoterreno, manteniendo el carácter robusto que ha definido a la marca durante décadas.
La familia Defender fue creada con una idea muy clara: desarrollar vehículos resistentes, funcionales y capaces de adaptarse a prácticamente cualquier entorno. Actualmente, la gama está disponible en versiones 90, 110 y 130, pensadas para diferentes estilos de vida y necesidades, manteniendo siempre un equilibrio entre comodidad, diseño y capacidad off-road.
Como parte de su evolución, algunos modelos Defender también incorporan motorización híbrida eléctrica, integrando nuevas tecnologías sin perder el espíritu aventurero que caracteriza a la marca.
Dentro de la línea destaca también el Defender OCTA, considerado uno de los modelos más avanzados y potentes de la firma. Este vehículo combina lujo con capacidades extremas tanto dentro como fuera del camino y se ha convertido en una de las propuestas más importantes del segmento premium off-road.
La tecnología y desarrollo detrás de Defender también se refleja en su participación dentro del automovilismo internacional. En 2025, Defender se convirtió en socio automotriz oficial del Rally Dakar, una de las competencias off-road más exigentes del mundo.
Posteriormente, en 2026, la marca debutó oficialmente en el Campeonato Mundial de Rally Raid de la FIA dentro de la categoría Stock, enfocada en vehículos cercanos a modelos de producción. Estas competencias funcionan como una plataforma para demostrar la resistencia, tecnología y desempeño de los vehículos Defender en condiciones extremas.
La marca también ha participado en pruebas como el BP Ultimate Rally Raid Portugal y continúa preparándose para futuras competencias internacionales como el Desafío Ruta 40 en Argentina.
Más allá de la aventura y el desempeño, Defender también mantiene un compromiso con causas humanitarias y de conservación ambiental. Actualmente trabaja junto a organizaciones como la Cruz Roja y Tusk, enfocada en la protección de la vida silvestre.
Respaldada por más de 75 años de innovación de Land Rover, Defender continúa evolucionando sin perder la esencia que la convirtió en un ícono global. Con el nuevo Defender 110 Trophy Edition, la marca reafirma su visión de crear vehículos preparados para cualquier desafío, manteniendo siempre el equilibrio entre lujo, tecnología y espíritu aventurero.
Restaurante de cocina europea Lotti: Roma Norte, Ciudad de México
Si hay una colonia en Ciudad de México donde un restaurante de cocina europea puede encontrar su lugar natural, esa es la Roma Norte. Calles arboladas, edificios de principios del siglo XX y una escena gastronómica que lleva años consolidándose como referencia en el país. En ese contexto abre Lotti, un proyecto que llega con vocación de barrio y ambición culinaria: la de traer a la mesa los grandes clásicos de la gastronomía europea sin perder de vista los ingredientes y productores mexicanos que hoy marcan la conversación en la cocina de vanguardia.
Detrás del proyecto está Luc Liebster, cocinero de origen suizo cuya trayectoria habla por sí sola: pasó por Steirereck, uno de los restaurantes más reconocidos de Viena y referente de la alta cocina centroeuropea, y por Pujol, el restaurante de Enrique Olvera que durante años ha representado lo mejor de la cocina mexicana contemporánea a nivel global. Esa combinación de influencias —rigor técnico europeo, sensibilidad hacia el producto local— define lo que hoy es Lotti.
Una propuesta de restaurante de cocina europea con raíces mexicanas
La propuesta gastronómica de Lotti parte de una premisa que suena sencilla pero es difícil de ejecutar bien: cocinar con técnica europea usando lo mejor que ofrece el campo mexicano. El chef Liebster no busca reproducir menús de postal ni importar ingredientes de larga distancia. Su apuesta es más interesante: tomar preparaciones clásicas de la tradición culinaria suiza y europea y reinterpretarlas con los quesos de Querétaro, los mariscos del Pacífico, las trufas negras y los productos de temporada que encuentran en mercados y productores cercanos.
El resultado es un menú acotado y coherente donde cada platillo tiene una lógica clara. Los capuns son un buen ejemplo: se trata de una preparación tradicional de los Grisones, el cantón suizo de habla romanche, que en Lotti llega con relleno de pasta envuelto en hoja de acelga y una salsa donde el queso y la trufa negra son protagonistas. Es cocina europea de raíz, ejecutada con precisión y sin concesiones. Lo mismo ocurre con el cordon bleu, ese clásico centroeuropeo que aquí se actualiza con queso azul, o con el strudel de manzana que cierra el menú con una chantilly que no necesita más argumentos.
Hay platillos que muestran con más claridad ese diálogo entre ambas culturas. Las papas hasselback —técnica de origen escandinavo, muy presente en la cocina del norte de Europa— se sirven aquí con crema de aguacate y hueva de trucha ahumada. El brioche casero, elaborado en casa con la precisión que exige la bollería francesa, llega a la mesa con crema de parmesano y almejas del Pacífico. Son combinaciones que no sorprenden por el efectismo sino por lo bien que funcionan.
Una decisión que dice mucho del concepto es la apuesta total por quesos mexicanos artesanales. La carta prescinde de importaciones europeas en ese rubro y trabaja exclusivamente con productores nacionales, incluyendo un queso de pirámide de leche de cabra proveniente de Querétaro que imita en formato y textura al brie francés. Es el tipo de elección que pasa desapercibida para el comensal casual pero que revela la filosofía de fondo: cocinar europeo no significa depender de Europa.
El espacio: una casona porfiriana para una cocina europea de barrio
El local que ocupa Lotti no es una construcción nueva ni un espacio intervenido hasta perder su carácter. Es el primer piso de un inmueble de inicios del siglo XX en la esquina de Colima y Tonalá, en plena Roma Norte, con la arquitectura porfiriana intacta: madera original, tabique aparente, techos que cuentan su propia historia. El estudio de arquitectura Rosela Barraza Studio tuvo el buen criterio de no tapar nada de eso.
En cambio, sumaron capas contemporáneas que conviven con lo existente sin imponerse: una barra de madera tallada a mano con técnica de carpintería japonesa, mármol trabajado artesanalmente, metal, y azulejos con referencia a la artesanía mexicana. El resultado son poco menos de 90 metros cuadradosdonde la escala humana lo es todo. No hay distancia entre la sala y la cocina, no hay pretensión de grandiosidad. Hay una terraza para quienes prefieren comer con cielo abierto y una barra que invita a ver trabajar al equipo.
La escala reducida es una decisión, no una limitación. En un restaurante de barrio europeo —la referencia que claramente inspira a Lotti— el tamaño define el tipo de relación que se establece con el comensal. Conoces al chef, el chef conoce tu nombre, el servicio tiene tiempo para explicarte cada plato. Es esa clase de experiencia la que Liebster quiere construir: no una visita de ocasión especial sino un lugar al que se vuelve.
Por qué vale la pena visitar este restaurante de cocina europea en CDMX
En una ciudad donde abren restaurantes cada semana, Lotti tiene algo que no se fabrica fácilmente: un punto de vista claro. No es un restaurante de fusión en el sentido más manido del término, tampoco es un restaurante europeo trasplantado sin adaptación. Es algo más preciso: un cocinero europeo que lleva años en México y que cocina desde ese lugar específico, con las referencias de allá y el producto de acá.
La cocina europea contemporánea que propone Liebster no depende de fuegos artificiales ni de técnicas que requieran explicación. Depende de salsas bien construidas, de masas trabajadas con paciencia, de ingredientes que no necesitan disfraz. Es una cocina que confía en sí misma, y eso, en el fondo, es lo más difícil de lograr.
Datos para planear tu visita
Dirección: Colima 235, Roma Norte, Ciudad de México.
Horarios: Miércoles a viernes y fines de semana, de las 2:00 pm hasta las 10:30 pm. Cerrado lunes y martes.
Formato: Menú a la carta o experiencia guiada por el chef.
Cocina: Europea contemporánea con ingredientes mexicanos de temporada y productores locales.
Hanson: el lujo también está en cuidar lo que ya tienes
Para Hanson, el lujo no termina cuando una prenda sale de la tienda. También está en conservarla, repararla y seguir dándole vida con el paso del tiempo. Una chamarra o abrigo de piel, o una bolsa de cuero pueden acompañarte durante años cuando reciben el cuidado adecuado.
Además de sus colecciones, la marca cuenta con un servicio especializado enfocado en el mantenimiento y restauración de prendas y accesorios en materiales como piel, cuero y gamuza. Cada pieza se trabaja de manera personalizada, respetando sus materiales, forma y acabado original.
El servicio incluye ajustes de medida, composturas, reparación, hidratación y recuperación de piezas delicadas que necesitan atención especializada. Desde una chamarra que requiere una modificación hasta una bolsa que necesita mantenimiento, el objetivo es extender la vida útil de cada pieza sin perder su carácter original.
Uno de los aspectos más importantes es que el taller no trabaja únicamente con piezas de Hanson; también recibe prendas y accesorios externos que necesitan reparación o restauración, ofreciendo un servicio pensado para quienes buscan conservar objetos que siguen teniendo valor con el tiempo.
En una industria donde muchas veces todo parece desechable, Hanson apuesta por una visión más consciente de la moda. Restaurar una prenda, ajustar una silueta o recuperar un accesorio favorito también forma parte de consumir de una manera más responsable y valorar el trabajo detrás de cada material.
Más que un servicio adicional, el taller forma parte de la esencia de la marca: preservar piezas de calidad, alargar su vida útil y mantener un nivel de atención especializada que cada vez es más difícil de encontrar dentro de la industria de la moda.
SIAR Summer regresa a la Ciudad de México
La relojería independiente vuelve a tomar la Ciudad de México con una nueva edición de SIAR Summer 2026, el encuentro que se ha convertido en uno de los momentos más esperados del calendario de lujo en América Latina. Del 26 al 28 de mayo, el Hotel Four Seasons será nuevamente el escenario donde coleccionistas, marcas y amantes de la alta relojería podrán descubrir algunas de las piezas más innovadoras y exclusivas del momento.
Más allá de una feria tradicional, SIAR Summer se ha consolidado como una experiencia cultural que mezcla diseño, ingeniería, creatividad y lifestyle. En esta sexta edición participarán 43 marcas, la cifra más alta desde que nació el evento en 2021 confirmando el creciente interés de las firmas independientes por el mercado mexicano y latinoamericano.
Uno de los grandes atractivos de SIAR Summer es su capacidad para acercar al público latinoamericano a las novedades recién presentadas en Watches & Wonders y durante la Semana Relojera de Ginebra. En un ambiente mucho más relajado y cercano que el de los grandes salones europeos, las marcas crean experiencias inmersivas donde los relojes salen de las vitrinas para convertirse en tema de conversación entre DJ, coctelería, gastronomía y terrazas con vistas espectaculares de la ciudad.
Entre las novedades más esperadas de este año destaca la participación de Krayon, reconocida por las complicaciones poéticas creadas por Rémi Maillat, así como el debut de Doxa, una de las firmas más emblemáticas en relojes de buceo. También se suman Atelier Wen, que fusiona relojería contemporánea con artesanía china; Maison Alcée, con sus originales relojes de mesa para ensamblar; y nuevas propuestas independientes como Block RG, Bimbu y Keris. Como invitada especial estará la histórica Maison Breguet, una de las casas más influyentes en la historia de la alta relojería.
El evento también marcará el regreso de firmas muy queridas por los coleccionistas mexicanos, como Corum, reconocida por modelos icónicos como el Coin Watch y el Golden Bridge; Armin Strom, famosa por su innovador sistema de resonancia; y Franck Muller, que presentará algunos de sus lanzamientos más irreverentes de 2026. Por su parte, H. Moser & Cie. llegará con una de las piezas más comentadas del año: el Streamliner Pump x Reebok, una colaboración que conecta el universo de la cultura pop con la alta relojería contemporánea.
Además de las exhibiciones, SIAR Summer 2026 ofrecerá una agenda enfocada en experiencias exclusivas. Habrá catas de vinos “indies de autor”, asesorías de inversión para coleccionistas, avalúos y presentaciones de relojes pre-owned de la mano de Watch LAB. Dobel 50 estará presente con cocteles diarios y Range Rover reforzará el vínculo entre la relojería y el diseño automotriz con un lounge especial y la exhibición de uno de sus modelos más recientes dentro del Four Seasons.
La celebración comenzará desde antes con la fiesta oficial de apertura el 25 de mayo en Toledo Rooftop, presentada por Corum. La noche incluirá mixología curada por Bar Mauro para Dobel 50 y música a cargo de Miss Mara, una de las DJ más destacadas del momento.
A lo largo de sus cinco ediciones anteriores, SIAR Summer ha logrado atraer a una nueva generación de coleccionistas jóvenes que buscan algo más que lujo tradicional: quieren conocer quién está detrás de cada pieza, descubrir propuestas auténticas y vivir experiencias mucho más personales alrededor de la relojería. Hoy, el evento funciona como un puente estratégico entre las grandes presentaciones europeas y uno de los mercados de lujo más dinámicos del mundo.
La edición 2026 llega además en un momento clave para la industria regional, ya que este año SIAR LATAM celebrará su vigésimo aniversario, reafirmando el papel de México como uno de los mercados más relevantes y apasionados para la alta relojería internacional.
Remedios del Bosque y la nueva forma de cuidar la piel
La primavera no solo transforma el clima, también cambia por completo las necesidades de la piel. Frente al aumento de temperaturas, la contaminación y la radiación solar, Remedios del Bosque apuesta por una visión más integral del skincare a través de su filosofía de “Belleza Regenerativa”, donde el objetivo no es únicamente hidratar la piel, sino fortalecerla desde su capacidad natural de protección y regeneración.
Fundada en 2012 por la herborista moderna María Violante, la marca mexicana ha logrado posicionarse como una referencia dentro de la cosmética botánica gracias a su combinación de ciencia dermatológica, herbolaria y sostenibilidad. Su propuesta parte de una idea simple pero poderosa: la piel funciona como un ecosistema vivo que necesita equilibrio, nutrición y protección constante.
Uno de los puntos centrales de la marca es desmontar el mito de que los aceites faciales deben evitarse durante las temporadas de calor. De acuerdo con María Violante, muchas veces se piensa que hidratar significa únicamente aportar agua, cuando en realidad la piel necesita también “grasas buenas” que ayuden a sellar esa hidratación y evitar la pérdida de humedad. Por ello, Remedios del Bosque trabaja con aceites no comedogénicos como jojoba, arroz, chabacano y granada, diseñados para nutrir profundamente sin generar pesadez ni brotes.
La rutina primaveral que propone la firma incluye una limpieza suave con ingredientes como bardana y carbón activado para eliminar toxinas sin alterar la flora cutánea. Después, recomienda el uso de ácido hialurónico BIO para retener agua dentro de la piel y activos como bakuchiol, reconocido por ayudar a mantener la elasticidad y firmeza del rostro.
Dentro de su enfoque de protección solar, la marca también incorpora Calaguala, un helecho endémico mexicano que funciona como antioxidante y fotoprotector biológico ante el daño causado por la radiación solar. A esto se suma vitamina C, clave para estimular la producción de colágeno y combatir el estrés oxidativo.
Más allá del skincare, Remedios del Bosque mantiene una visión enfocada en el bienestar integral y la sostenibilidad. La marca trabaja con cooperativas indígenas de Oaxaca, impulsa sistemas agroforestales y desarrolla sus propios procesos de extracción botánica en laboratorio, cuidando toda su cadena de valor desde el origen de los ingredientes hasta el producto final.
Con esta propuesta, Remedios Del Bosque continúa consolidándose como una de las marcas mexicanas más innovadoras dentro de la belleza limpia y regenerativa, apostando por una conexión más profunda entre naturaleza, ciencia y autocuidado.
Moda como arqueología: cuando la ropa excava, critica y recuerda
Hay una prenda en el archivo de Emily Adams Bode que viene de una tela encontrada en un mercado de pulgas en París. La mujer que la vendía la usaba para cubrir su basura. Era un gingham de algodón tejido en Normandía en la década de 1830. Bode la compró, la llevó a Nueva York, la cortó con las manos de un sastre local y la convirtió en una camisa. La prenda existe hoy. La basura, no.
Esa historia pequeña y casi absurda contiene todo lo que este artículo quiere explorar: la idea de que la ropa puede ser arqueología. Que una tela no es solo material — es documento, es memoria, es a veces el único registro que queda de algo que el mundo decidió olvidar. Y que hay artistas, diseñadores y comunidades enteras que llevan años excavando con aguja e hilo.
El archivo como resistencia
Emily Adams Bode lo dice con claridad: “Una parte enorme de mi marca es el archivo. Crear un espacio para guardar historias es muy importante.” Su marca, Bode, fundada en Nueva York en 2016, transforma telas antiguas — quilts americanos del siglo XIX, kimonos japoneses, linos franceses, índigos de Costa de Marfil — en prendas únicas que no pertenecen a ninguna temporada. Cada pieza viene con su historia: de dónde vino la tela, quién la hizo, qué viaje hizo para llegar hasta ahí. No es solo slow fashion. Es historiografía portátil.
Del otro lado del espectro, Apiece Apart propone algo más cotidiano pero igualmente radical: diseñar prendas cuyo único criterio es si pueden usarse al menos una vez a la semana. No qué tan nuevas se ven, no si pertenecen a la temporada correcta. Si la respuesta es no, la pieza no existe. Su plataforma Archive permite que las prendas circulen más allá de su primera compra — que acumulen dueños, historias, vida. La marca produce en cantidades limitadas y no sigue las temporadas tradicionales, lanzando piezas cuando están listas. En una industria que produce más de cien mil millones de prendas al año, eso no es solo una decisión estética. Es una postura política.
Lo que une a Bode y Apiece Apart es la misma convicción: que una prenda bien hecha merece sobrevivir. Que el tiempo no es el enemigo de la ropa sino su aliado. Que archivar no es acumular sino elegir con cuidado qué merece permanecer.
El textil como crítica
Pero la arqueología no solo preserva. También desentierra lo que incomoda.
La artista mexicana Margarita Cabrera lleva años usando la aguja para señalar lo que el sistema prefiere no ver. En su serie Space in Between, toma uniformes de la Patrulla Fronteriza de Estados Unidos y los transforma en plantas de nopal bordadas con hilo de cobre. El uniforme que persigue se convierte en la planta que alimenta. La tela que representa el poder del Estado se dobla, se perfora, se convierte en algo vivo y vulnerable. Es una obra que no podría existir en ningún otro material: solo el textil tiene esa capacidad de transformar sin destruir, de resignificar sin borrar.
La exposición Unravel: The Power and Politics of Textiles in Art, presentada en el Barbican de Londres y el Stedelijk de Ámsterdam en 2024, reunió a decenas de artistas que trabajan esa misma tensión. La muestra partió de los años sesenta, cuando los artistas comenzaron a usar textiles con fines políticos, en un periodo marcado por movilizaciones sociales y la independencia de muchos países africanos, para explorar cómo los textiles en el arte desafían las narrativas dominantes y confrontan los regímenes de poder. Entre las obras exhibidas: Cecilia Vicuña con su Quipu Austral, tejido que evoca los sistemas de registro de los Andes precolombinos hoy en su mayoría destruidos. Un lenguaje completo, cifrado en nudos, que los colonizadores quemaron por considerarlo subversivo. Vicuña lo reconstruye, hilo a hilo, como acto de memoria y de duelo.
El textil, en estas obras, no ilustra la crítica. Es la crítica. Porque la tela tiene una historia que la pintura no tiene: fue producida por manos específicas, en condiciones específicas, para cubrir cuerpos específicos. Cuando un artista la toma y la resignifica, no solo crea una obra. Excava.
La memoria que no se teje sola
En Teotitlán del Valle, Oaxaca, esa excavación no ocurre en galerías sino en patios. Con más de 2,500 años de tradición textil continua, casi todas las familias del pueblo tejen. Los tintes que usan — grana cochinilla, índigo, cempasúchil — son los mismos que tiñeron las telas que los imperios coloniales codiciaron y los artistas renacentistas usaron. La técnica no cambió porque no necesitó cambiar: ya era perfecta.
Eric Chávez Santiago, tejedor y tintorero de cuarta generación, nativo de Teotitlán, fundó junto a su esposa Elsa el Taller Teñido a Mano, donde enseñan a cualquiera que quiera aprender el proceso completo: preparar el mordente, sumergir la fibra, esperar a que el color aparezca. Ese hijo de ellos, Santiago, de cinco años, ya teje. Será la quinta generación. La memoria no se conserva sola: se transmite, se enseña, se mete en las manos de alguien que todavía no sabe lo que tiene.
Lo que conecta a Teotitlán con Bode, con Margarita Cabrera, con Cecilia Vicuña, con Apiece Apart, no es la estética ni el mercado. Es la misma pregunta: ¿qué decidimos que merece durar? ¿Qué dejamos desaparecer y qué nos comprometemos a cargar?
Lo que la tela puede cargar
La industria de la moda tiene una respuesta muy clara a esa pregunta: nada dura, todo se reemplaza, la novedad es el valor supremo. Produce el equivalente a un camión de basura textil cada segundo. Diseña para la obsolescencia. Convierte la memoria en tendencia y la tendencia en basura en el plazo de una temporada.
Frente a eso, el gesto de excavar — de buscar en una tela vieja, en un tinte ancestral, en un uniforme de Estado, en un quipu destruido — es un acto de desobediencia. No porque sea nostálgico sino porque afirma que el tiempo que una cosa lleva encima no la devalúa. La profundiza.
Una prenda puede ser un documento. Un hilo puede ser un archivo. Una aguja puede ser, cuando quien la sostiene lo decide, un instrumento de crítica tan afilado como cualquier otro.
Oriundo Luxury Nature Villas
En Yucatán, Oriundo Luxury Nature Villas propone un refugio donde la arquitectura, el diseño y entorno conviven de manera natural, creando una experiencia enfocada en la calma, el tiempo y la conexión con el lugar.
Inspirado en la riqueza cultural de Valladolid y en los materiales tradicionales de la región, Oriundo toma elementos locales para reinterpretarlos desde una mirada contemporánea. Piedra, madera, fibras naturales y acabados artesanales forman parte de espacios que buscan integrarse con el paisaje en lugar de transformarlo.
Las villas, completamente privadas y rodeadas de vegetación, fueron diseñadas para generar una sensación de intimidad y tranquilidad. La arquitectura mantiene una relación constante con el exterior a través de terrazas abiertas, albercas privadas y espacios donde la naturaleza siempre está presente. Uno de los conceptos más importantes dentro del proyecto nace del tejido tradicional de las hamacas yucatecas. Así como los hilos se entrelazan para crear una estructura ligera y resistente, Oriundo une naturaleza, diseño y cultura local para construir una experiencia más conectada con el entorno.
En el interior, cada detalle busca reflejar la identidad de Yucatán. Jícaras, madera trabajada por artesanos locales y piezas elaboradas con fibras naturales forman parte de una estética sencilla, cálida y auténtica, donde el lujo aparece desde la honestidad de los materiales y no desde el exceso.
La experiencia dentro de Oriundo Luxury Nature Villas se construye a partir de pequeños momentos: un café recién molido al amanecer, la quietud de la selva alrededor de la alberca o las cenas íntimas iluminadas con velas.
La propuesta gastronómica sigue la misma línea. En Mestizo Misterio Culinario, el restaurante del hotel, la cocina local se reinterpreta desde una visión contemporánea que respeta los ingredientes y sabores de la región mientras explora nuevas formas de presentarlos.
Además de la experiencia dentro del hotel, Oriundo cuenta con una ubicación estratégica cerca de algunos de los destinos más importantes de Yucatán. Chichén Itzá se encuentra aproximadamente a 45 minutos, Ek Balam a menos de media hora y distintos cenotes rodean la zona de Valladolid.
